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Categoría: siglo xx

La música de tradición escrita en la era de las nuevas tecnologías y la crisis de la cultura burguesa tras la I Guerra Mundial y la Revolución bolchevique hasta nuestros días.

  • Guía de audición a Gruppen (1957) de Stockhausen

    Karlheinz Stockhausen – Gruppen

    Gruppen (1955/57), para tres orquestas, es una obra emblemática del serialismo integral en general y del compositor Karlheinz Stockhausen en particular. Obra de extraordinaria complejidad, pues exige tres orquestas dirigidas por sendos directores que deben actuar de forma semiindependiente una partitura extremadamente densa, ha sido a menudo saludada como la obra orquestal más revolucionaria desde La consagración de la primavera .

    A la espera de ulteriores artículos que aborden esta obra desde una perspectiva más netamente analítica, presentaremos aquí una guía de audición a partir del guión propuesto por Roger Smalley, discípulo de Stockhausen y Pierre Boulez , publicado en The Musical Times (nº 1495, sep., 1967) con motivo del estreno londinense de la obra en los Proms, en la que sería dirigida por el autor, Boulez y sir Edward Downes.

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  • Pupazzetti (1915) de Alfredo Casella y las fuentes del Neoclasicismo musical

    Alfredo Casella – Pupazzetti op.27

    Alfredo Casella (1883-1947) dio testimonio en su autobiografía I segreti della giara (1938) de la tupida red de asociaciones artísticas y musicales que trabó a lo largo de su vida. Su infancia turinesa y su temprano interés por la música instrumental y la electricidad, su formación en el Conservatorio de París junto a figuras como Ravel, Cortot o Enesco, su participación como clavecinista en una agrupación pionera en la recuperación de la interpretación barroca, la influencia del futurismo y su colaboración con Debussy, Stravinski o Schönberg explican la génesis de Pupazzetti, op.27.

    En esta entrada analizaremos esta colección de cinco piezas para piano a cuatro manos, compuesta en 1915, que concentra ya en una fecha temprana algunos de los rasgos estilísticos considerados quintaesenciales del Neoclasicismo.

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  • Feminismo y zarzuela (III): reivindicación del rol femenino y conclusiones

    La mujer en la zarzuela – moral sexual

    Los dos artículos precedentes dedicados al estudio del rol femenino en la zarzuela han dado como resultado un panorama profundamente escindido en cuanto a la moral sexual. Por un lado, la zarzuela grande, como estandarte de una moral restrictiva en la que la mujer se muestra como heroica custodia de su virtud. Por otro, los diversos géneros frívolos —zarzuela bufa, género ínfimo, revista, etc.— que presentan a la mujer como un lúbrico objeto de deseo, ambos con toda clase de matices y excepciones.

    En este artículo final analizaremos algunas obras que abordan la moral sexual femenina fuera de estas coordenadas e intentaremos esclarecer las causas del desarrollo de líneas tan polarizadas y excluyentes.

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  • Feminismo y zarzuela (II): el reverso frívolo

    La mujer en los géneros frívolos – teatro musical español

    La zarzuela compitió a lo largo de su historia con diversas formas de comedia musical regidas por una moral sexual mucho más laxa que la descrita en el primer artículo dedicado al Feminismo y la Zarzuela. Géneros como el teatro bufo, las variedades o la revista, que en su día se consideraron ajenos —e incluso hostiles— con respecto a la zarzuela, han acabado siendo englobados bajo este término, entendido como sinónimo de teatro musical cantado con diálogos hablados.

    En este segundo artículo realizaremos un recorrido por los géneros frívolos del teatro musical español, destacando el rol jugado por la mujer, así como su posicionamiento con respecto a la moral sexual.

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  • La música que todo el mundo debería conocer: el canon musical

    Canon musical occidental – construcción histórica

    El canon musical clásico —entendido como un repertorio musical legitimado en términos críticos e ideológicos en el contexto de la cultura occidental— ha condicionado nuestro conocimiento de la historia de la música a través de un círculo vicioso según el cual la musicología estudiaba preferentemente los autores y las obras consagradas, y a la vez estos autores y obras quedaban consagrados gracias a su estudio musicológico.

    Ante este círculo vicioso, son muchos los representantes de la Nueva Musicología que han planteado la necesidad de indagar hasta qué punto autores como Bach, Beethoven o Schönberg ocupan una posición dominante por sus propios méritos o también gracias a un complejo sistema de construcción del conocimiento histórico que ha mostrado un notable desinterés por gran parte de la música producida en sus respectivos periodos y ha sido codificado desde perspectivas históricas limitadas o ideológicamente sesgadas. En este artículo haremos honor a las premisas enunciadas en la Introducción a nuestra Historia de la Música , indagando acerca de la construcción de los cánones musicales —como listas de estilos, obras y autores—, sus premisas y motivaciones, dentro y fuera del ámbito «clásico».

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  • Feminismo y zarzuela (I): la mujer en la zarzuela

    La mujer en la zarzuela y el teatro musical español

    La ópera —como el teatro, o el cine— ha constituido, a lo largo de varios siglos, un fiel registro de las inquietudes de cada época, así como un reflejo en forma de arquetipo de las relaciones entre clases sociales y géneros. La primacía absoluta de las divas y las prime donne en la ópera romántica, o de las primeras tiples y las vedettes en la zarzuela y otros espectáculos anejos, eclipsa a menudo el desigual reparto de roles —con desventaja para ellas— subyacente entre los géneros masculino y femenino, tanto desde el punto de vista social como el puramente dramático.

    En este primer artículo —de una serie de tres— iniciaremos un recorrido por el teatro musical español de la segunda mitad del siglo XIX y las primeras décadas del XX a través del rol de la mujer, en el que realizaremos una primera caracterización del rol de la mujer y la moral sexual en la zarzuela, tomando para ello como referencia el reflejo de estos mismos aspectos en otras formas de teatro musical europeas del mismo periodo.

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  • Revoluciones tecnológicas del siglo XX: la cinta magnetofónica y la edición sonora

    Cinta magnetofónica y tecnologías del sonido

    La evolución de la música del siglo XX ha estado marcada por el desarrollo de nuevas tecnologías del sonido que han alterado profundamente nuestra forma de producir, escuchar y entender la música. El sonido grabado ha permitido el desarrollo de tradiciones aurales —como el jazz o el rock—, cuyo aprendizaje se basa principalmente en la escucha y no en la notación, y que, a diferencia de las tradiciones «orales», se fundamentan en el contacto indirecto a través de las grabaciones.

    Entre todas estas tecnologías, la cinta magnetofónica ocupa una posición histórica especial, al ser la primera herramienta empleada de forma sistemática para editar el sonido —cortar, pegar, mezclar—. Este hecho no solo posibilitó grabaciones de una perfección técnica inédita, sino que dio lugar a una forma autónoma de creación musical ligada a la figura del productor musical.

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  • Nuevas unidades dedicadas a las músicas populares urbanas del siglo XX

    Música del siglo XX – jazz, rock y electrónica

    Nuestra Historia de la música online salda una deuda pendiente con la música del siglo XX incluyendo dos unidades más que ubicarán históricamente manifestaciones como el jazz, el rock o la música electrónica.

    La reestructuración supondrá la adición de dos nuevas unidades (nº30 y 33) y una fuerte reordenación de la última de ellas (nº35 en la nueva numeración), así como de la Introducción.

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  • Empleo del «double-time feel» en «My funny Valentine» de Miles Davis (1956)

    Miles Davis Quintet – Cookin’

    El double-time feel (DTF) es un recurso rítmico consistente en generar una sensación subjetiva de aceleración del tempo que ha sido empleado en el ámbito de distintas músicas urbanas del siglo XX (jazz, rock, pop, especialmente).

    Como continuación de nuestro artículo dedicado a la canción «My funny Valentine» , analizaremos en esta ocasión la aplicación de este efecto rítmico en un registro de este standard firmado por Miles Davis Quintet, con el propósito de indagar en sus repercusiones formales y estéticas.

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  • Richard Rodgers – «My funny Valentine» (análisis)

    Babes in Arms – musical estadounidense

    El musical estadounidense se enmarca en una tendencia más global de diversificación de los formatos de teatro musical iniciada durante la segunda mitad del siglo XIX. Tras unos inicios turbulentos y artísticamente poco prometedores, el género alcanzó durante los años 1920 una edad de oro que, gracias a su alianza con el cine sonoro, propulsó su difusión a escala planetaria hasta los años 50.

    En este primer artículo dedicado al musical indagaremos en sus orígenes y estudiaremos uno de los números musicales más célebres de su edad de oro, «My funny Valentine» del musical Babes in arms [1937] de Richard Rodgers y Lorenz Hart.

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