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Categoría: barroco

Desde el nacimiento del bajo continuo y la ópera hasta la edad de oro de los castrati y del concierto solista.

  • Monteverdi de Mantua a Venecia, y la ópera como instrumento político en el siglo XVII

    Monteverdi – L’Orfeo

    El nacimiento de la ópera a principios del siglo XVII estuvo marcado por su origen cortesano: un espectáculo exclusivo, concebido para el disfrute de la élite aristocrática y diseñado para proyectar el poder de sus mecenas. Sin embargo, en apenas unas décadas, este modelo evolucionó con la aparición de una red de teatros públicos en la República de Venecia regidos por una lógica capitalista .

    Para explorar esta transición, en esta entrada tomaremos dos hilos conductores: las óperas de Claudio Monteverdi , figura clave en este proceso, y un influyente artículo de Lorenzo Bianconi y Thomas Walker publicado en 1984 sobre los sistemas de producción operística en la Italia del siglo XVII («Production, Consumption and Political Function of Seventeenth-Century Opera», Early Music History, 1984), que nos guiará a través de la evolución de la ópera como institución, revelando su papel como una de las principales formas de exteriorización del poder político en la era barroca.

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  • Los orígenes y el estilo del concerto grosso

    Concerto grosso – Corelli

    Como vimos en la entrada sobre la obertura de Atys , el nacimiento de la orquesta puede situarse en la corte de Luis XIV en torno al año 1670, momento en que Jean-Baptiste Lully juntó los conjuntos reales de violines y oboes en una gran agrupación. La imitación del modelo francés en las cortes alemanas e italianas dio lugar a su vez al nacimiento de nuevas modalidades de música orquestal que acabaron por cristalizar en un género clave del Barroco tardío: el concerto grosso.

    En esta entrada estudiaremos los orígenes y la evolución del concerto grosso tomando como ejemplo tres conciertos de Giuseppe Torelli , Arcangelo Corelli y Georg Friedrich Händel , discutiendo además un modelo de análisis para el allegro de concierto propuesto por el especialista Michael Talbot .

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  • Un coro de J.S. Bach (Pasión según San Juan BWV 245)

    Bach – Pasión según San Juan BWV 245

    En el ámbito musical, se denomina con «pasión» a un género musical, de carácter narrativo o dramático, cuyo argumento está basado en el padecimiento y muerte de Jesús. Aunque hoy en día conocemos este género casi exclusivamente a través de las dos pasiones de J. S. Bach, estas dos obras se inscriben en una larga tradición cuyas raíces se hunden en los primeros siglos de la cristiandad.

    Continuando con la serie abierta sobre los coros de Bach — «Wachet auf» BWV 140 y «Laß, Fürstin» BWV 198 —, dedicaremos este artículo al coro inicial de La pasión según San Juan BWV 245, atendiendo a su estructura formal y retórica, e insertándola en una breve historia de la pasión hasta los tiempos de Bach.

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  • Retórica y forma musical en un coro de J.S. Bach («Laß, Fürstin» BWV 198)

    Retórica musical – Bach, BWV 198

    La retórica —o arte de la oratoria— es un complejo sistema de pensamiento que alcanzó un elevado estatus entre los siglos XVI–XVIII y se ramificó en diferentes direcciones afectando a disciplinas sociales y artísticas, como el teatro, la danza o la música. En esta misma época se desarrolló un conjunto de sistemas y teorías que convergen en la «retórica musical», enfocados todos ellos a transferir al arte de los sonidos la racionalidad implícita en el arte de la oratoria.

    En esta entrada distinguiremos diversas facetas de la retórica musical —dispositio y decoratio—, tomando como modelo el coro inicial perteneciente a una cantata fúnebre bachiana, «Laß, Fürstin» BWV 198, compuesta para las exequias fúnebres de Christiane Eberhardine de Brandeburgo-Bayreuth .

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  • Una fantasía coral de J.S. Bach («Wachet auf» BWV 140)

    Coral luterano – Wachet auf BWV 140

    El coral luterano es el repertorio de melodías pertenecientes a la religión luterana. Un conjunto formado por varios cientos de melodías de orígenes muy diversos que se fueron incorporando lentamente a la liturgia luterana durante los siglos XVI y XVII en sustitución de las antiguas melodías gregorianas. Este repertorio fue puesto en polifonía y armonizado millares de veces por los maestros de capilla luteranos hasta nuestros días, y constituye un material recurrente en la producción sacra de J. S. Bach.

    En esta entrada analizaremos el coro inicial de una de las cantatas sacras más conocidas del compositor sajón: «Wachet auf, ruft uns die Stimme» , que utiliza como cantus firmus una melodía coral de Philipp Nicolai publicada en 1599.

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  • Tres fugas barrocas (y tres adaptaciones)

    La fuga barroca – Vivaldi, Händel y Bach

    La fuga puede considerarse un género emblemático del Barroco tardío gracias —principalmente— al influjo de la obra de Bach en la historiografía de la música occidental. Sin embargo, ni el propio Bach ni sus contemporáneos se preocuparon por definir con precisión el significado de un término —fuga— usado ya por los teóricos y músicos renacentistas como sinónimo de «imitación» entre las voces de una composición polifónica.

    En esta entrada comprobaremos la diversidad de la fuga barroca mediante el análisis de sendos ejemplos de Vivaldi, Händel y Bach que adaptaron este vetusto género a las coordenadas estilísticas de su propio tiempo, y que fueron a su vez adaptados con posterioridad para adecuarse a una nueva realidad. Todo ello como ilustración de la imposibilidad de definir la fuga como una forma musical cerrada, sino de aceptarla como un género en movimiento y en continua adaptación.

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  • La chacona y el complejo musical barroco hispanoamericano

    Barroco hispanoamericano y chacona

    Tradicionalmente se ha considerado el Barroco musical europeo como el resultado de las innovaciones italianas en torno al bajo continuo y el teatro musical durante la primera mitad del siglo XVII y de la estandarización de las formas barrocas en la corte francesa, impulsada por Lully y la Académie Royale de Musique.

    Este retrato resulta incompleto sin atender a un tercer factor de origen hispano, activo durante todo el siglo como vector con identidad propia: el complejo musical barroco hispanoamericano. Rastrearemos este fenómeno a través de uno de sus géneros más definitorios, la chacona, mediante obras de Juan Arañés, Girolamo Montesardo y Luis de Briceño.

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  • Introducción a las Variaciones Goldberg BWV 988 de J. S. Bach

    Johann Sebastian Bach – Variaciones Goldberg

    Las Variaciones Goldberg son consideradas hoy en día una de las obras culmen de la producción de Johann Sebastian Bach, todo un compendio del arte contrapuntístico de varios siglos. Prácticamente desconocidas durante dos siglos, se han convertido en nuestros días en una de las obras más emblemáticas de su autor y en un auténtico tour de force para pianistas y clavecinistas en las salas de conciertos de medio mundo.

    En este breve artículo presentaremos algunas claves de esta obra relacionadas con su peculiar historia y su rica y compleja estructura musical.

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  • Dos sonatas de Arcangelo Corelli del op.5 (análisis)

    Arcangelo Corelli – sonatas y concerto grosso

    Violinista de excepcional éxito y amasador de una fortuna sin precedentes en la profesión de músico, Arcangelo Corelli fue además acuñador de las formas barrocas maduras de sonata, triosonata y concerto grosso, que servirán de modelo a los compositores del Barroco tardío, entre ellos Antonio Vivaldi, G. P. Telemann y G. F. Händel.

    En esta entrada estudiaremos dos sonatas del op. 5 de Arcangelo Corelli —escritas en las modalidades de sonata da chiesa y sonata da camera—, continuando de este modo la serie acerca de la sonata barroca para violín iniciada con la entrada dedicada a una sonata de Dario Castello y continuada con las dos obras de Francesco Turini y Biagio Marini incluidas en la entrada dedicada a las sonatas barrocas basadas en La Monica .

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  • Un concierto sacro de Margarita Cozzolani

    Chiara Margarita Cozzolani – motetes

    Los roles asumidos en la música por hombres y mujeres a lo largo y ancho de la Historia y las civilizaciones han estado caracterizados por una marcada asimetría. Las tradiciones orales de todo el mundo han establecido distinciones acerca de las funciones que, en la música, han de ser cumplidas por mujeres y hombres, así como de los instrumentos musicales, los géneros y los repertorios que corresponden a unas y a otros.

    En esta entrada estudiaremos el efecto de estas desigualdades en el ámbito de la composición musical en el siglo XVII, tomando como ejemplo a la monja benedictina milanesa Chiara Margarita Cozzolani y como objeto de estudio uno de sus motetes a dos en estilo moderno, incluidos en sus Concerti sacri a una, due, tre, et quattro voci con una messa a quattro, op.2, publicados en Venecia en 1648.

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