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Categoría: opera

  • De Weber y Halévy al Rienzi de Wagner

    Richard Wagner – Rienzi

    Pocas obras de Richard Wagner han suscitado valoraciones tan extremas y contradictorias como Rienzi. Poco después de su estreno (1842), Eduard Hanslick la consideró «lo más fino logrado en la grand opéra en los últimos doce años», mientras que Gustav Mahler llegó a definirla como «el drama musical más grande jamás compuesto». Con el paso del tiempo, sin embargo, el propio Wagner terminó excluyéndola del canon de Bayreuth, llegando a confesar en sus últimos años que el marcado tono militarista de la obra le resultaba «repugnante».

    Con motivo de la primera presentación de Rienzi en el Festival de Bayreuth de 2026, este artículo ofrece una guía para comprender la obra desde sus principales claves históricas, literarias y musicales. El recorrido se completa con los análisis de las oberturas de Der Freischütz, La Juive y Rienzi, que permiten escuchar algunas de las influencias y procedimientos compositivos presentes en la partitura.

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  • La canción iberoamericana (2): la ópera y el teatro musical

    Teatro musical en Iberoamérica

    Este segundo artículo de la serie dedicada a la canción iberoamericana está centrado en el desarrollo del teatro musical en el continente durante el siglo XIX, entendido como un ámbito que impulsó el desarrollo de circuitos profesionales y contribuyó decisivamente a definir de modelos estilísticos y sonoros que influirían en la evolución posterior de la canción.

    Atenderemos diversas facetas relativas a la implantación de la ópera en Cuba y en los nuevos estados iberoamericanos nacidos tras los procesos independentistas, así como a la difusión y el arraigo de la zarzuela española y a su progresiva transformación en distintos contextos nacionales, para finalizar con el estudio del surgimiento de géneros autóctonos dentro y fuera del molde zarzuelístico.

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  • El coro en las óperas de Verdi como emblema del Risorgimento italiano

    Verdi – coros del Risorgimento italiano

    Al término de las guerras napoleónicas, la ópera italiana vivió una serie de transformaciones impulsadas por cambios en la organización social del teatro y por la creciente politización en torno a la unidad nacional. La ópera integró mensajes alineados con los ideales patrióticos y revolucionarios, y el coro adquirió un papel central como vehículo de expresión colectiva, reflejando las aspiraciones políticas del público.

    Este artículo analizará estos procesos a través de tres coros extraídos de sendas óperas de Verdi compuestas durante la década de 1840: Nabucco , Ernani y Macbeth , algunos de los cuales llegaron a convertirse en emblemas del anhelo de unificar Italia en un solo estado, un proceso que culminó en la fundación del Reino de Italia en 1861.

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  • Monteverdi de Mantua a Venecia, y la ópera como instrumento político en el siglo XVII

    Monteverdi – L’Orfeo

    El nacimiento de la ópera a principios del siglo XVII estuvo marcado por su origen cortesano: un espectáculo exclusivo, concebido para el disfrute de la élite aristocrática y diseñado para proyectar el poder de sus mecenas. Sin embargo, en apenas unas décadas, este modelo evolucionó con la aparición de una red de teatros públicos en la República de Venecia regidos por una lógica capitalista .

    Para explorar esta transición, en esta entrada tomaremos dos hilos conductores: las óperas de Claudio Monteverdi , figura clave en este proceso, y un influyente artículo de Lorenzo Bianconi y Thomas Walker publicado en 1984 sobre los sistemas de producción operística en la Italia del siglo XVII («Production, Consumption and Political Function of Seventeenth-Century Opera», Early Music History, 1984), que nos guiará a través de la evolución de la ópera como institución, revelando su papel como una de las principales formas de exteriorización del poder político en la era barroca.

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  • Estilo y recepción de Carmina Burana, la obra coral más popular del siglo XX

    Carmina Burana – Carl Orff

    Con más de sesenta registros discográficos comerciales, una abundante presencia en bandas sonoras de películas y anuncios de televisión, y cientos de representaciones en todo el mundo cada año, Carmina Burana se ha convertido en la obra sinfónico-coral más popular del siglo XX. Comúnmente despreciada por un influyente sector de la crítica, los ataques vertidos contra ella y su autor al término de la Segunda Guerra Mundial son en sí mismos un revelador testimonio de los dogmas del discurso vanguardista de la posguerra.

    En esta entrada exploraremos las coordenadas estilísticas e ideológicas de esta obra, prestando atención a su génesis, su lenguaje armónico y su recepción.

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  • Decadentismo y expresionismo en Salome de Strauss

    Richard Strauss – Salome

    Estrenada en Dresde en 1905, Salome de Richard Strauss sacudió la escena operística mundial por lo escandaloso de su libreto —una adaptación de la obra homónima del «sodomita» Oscar Wilde — y la radicalidad de una partitura que exhibió una densidad y un grado de disonancia desconocidos, solo unos años antes de que Arnold Schönberg (que acudió al estreno austríaco en Graz) y sus discípulos decidieran apartarse de la tonalidad por considerarla agotada.

    En esta entrada nos acercaremos a esta obra característica del expresionismo alemán temprano —imbuida aún de una estética decadentista , pero teñida de una violencia inaudita—, atendiendo a los componentes ideológicos de su libreto y a los elementos temáticos —leitmotiv— de su partitura.

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  • La reforma operística de Gluck explicada en ejemplos

    Gluck – reforma operística

    La reforma operística de Christoph Willibald Gluck es considerada uno de los esfuerzos artísticos más ambiciosos e influyentes en la música del siglo XVIII. Las circunstancias de esta reforma son singulares en la medida en que afectaron a dos géneros medulares de la música del Antiguo Régimen —la ópera seria y la tragedia lírica— y en que necesitó la participación activa de intelectuales, políticos, poetas y músicos.

    En esta entrada trataremos las líneas maestras de este proceso tomando como ejemplo diversas escenas extraídas de las óperas Orfeo y Eurídice, Alceste e Ifigenia en Táuride del compositor bávaro.

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  • Jesucristo Superstar y el nacimiento del musical rock

    Hair y el nacimiento del musical rock

    El estreno en 1967 del musical Hair de Galt McDermott supuso el nacimiento del «musical rock», pero también un fenómeno social que sacudió el debate público y tuvo efectos colaterales imprevistos como la supresión definitiva de la censura teatral en el Reino Unido y Australia. Como reflejo y bandera de la cultura juvenil del momento —en particular, el movimiento hippie—, Hair abrió la puerta a otros espectáculos con elementos narrativos y espirituales similares, como Jesus Christ Superstar [1970/71] de Andrew Lloyd Webber y Godspell [1971] de Stephen Schwartz.

    En esta entrada estudiaremos las circunstancias del nacimiento del musical rock comparando entre sí estas tres obras de referencia del género, y analizando con un mayor detalle la de Lloyd Webber.

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  • Orientalismo y verismo en Madama Butterfly

    Giacomo Puccini – Madama Butterfly

    Madama Butterfly [1904] forma parte —junto con La bohème [1896] y Tosca [1900]— de la denominada «trilogía popular» de Giacomo Puccini , el último gran compositor de ópera italiano y autor indispensable del repertorio operístico actual.

    En esta entrada estudiaremos diversos aspectos de este influyente título en relación con el orientalismo musical decimonónico, el movimiento verista italiano y la música de cine de la edad de oro de Hollywood. Comentaremos también tres extractos de la ópera, centrándonos en el dúo «Bimba dagli occhi pieni di malìa», que cierra el primer acto y constituye uno de los duetos de amor más logrados del teatro lírico italiano.

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  • Tres números de Las bodas de Fígaro

    Mozart – Las bodas de Fígaro

    Las bodas de Fígaro se sitúa (según estadísticas consultadas en operabase.com en 2022) entre las diez óperas más representadas en nuestros días, prácticamente a la par que otra ópera bufa, El barbero de Sevilla de Rossini. Ambas se basan en sendas obras de teatro pertenecientes a la «trilogía Fígaro» de comedias de Beaumarchais, protagonizadas por el célebre barbero sevillano.

    En esta entrada estudiaremos las principales características de la ópera bufa tomando como referencia tres números de Las bodas de Fígaro: su obertura, el aria «Voi che sapete» y el sexteto del Acto III.

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