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Categoría: clasicismo

La eclosión del estilo doméstico, el desarrollo de la música de cámara y la sinfonía y el encaje de los ideales culturales burgueses en la sociedad estamental hasta el derrumbe del Antiguo Régimen.

  • Proyecto didáctico El cuarteto: las cuerdas hablan

    El cuarteto de cuerdas habla – Fundación Juan March

    Con la publicación del proyecto didáctico El cuarteto de cuerdas habla , realizado para la Fundación Juan March de Madrid, culminamos la serie de cinco entradas que hemos dedicado en los últimos meses a la Historia del cuarteto de cuerda (I): origen y consolidación , II: El legado beethoveniano , III: El impulso de la periferia , IV: Entre el modernismo y la tradición y V: Electrificación, globalización y posmodernidad .

    El proyecto incluye diversos materiales descargables y en línea, entre ellos una guía interactiva que recorre la historia, características y repertorio del cuarteto de cuerda de forma visual y amena , así como SQster , un juego de audiciones diseñado especialmente para este proyecto pedagógico, que se extiende así de la sala de conciertos al aula.

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  • Historia del cuarteto de cuerda (I): origen y consolidación

    Orígenes del cuarteto de cuerda – siglo XVIII

    El cuarteto de cuerda se consolidó en el siglo XVIII como el género de música de cámara más prestigioso de su tiempo. Tras unos oscuros orígenes, su difusión fue impulsada por la industria editorial y el crecimiento de la burguesía, propiciando su consolidación, hasta cristalizar —al final del siglo— en un incipiente repertorio canónico centrado en la obra de Haydn y Mozart.

    En este primer artículo (de cinco) dedicado a la historia del cuarteto de cuerda, trataremos los orígenes de este género y las condiciones sociales y tecnológicas que lo situaron en poco tiempo como uno de los géneros más emblemáticos de la música occidental.

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  • La marcha fúnebre de la Sinfonía «Heroica» de Beethoven y la música revolucionaria francesa

    Beethoven – Sinfonía Heroica, marcha fúnebre

    La música surgida al calor de la Revolución francesa marcó un hito en la utilización del arte como herramienta propagandística. Eventos como las fêtes républicaines (festivales republicanos) convirtieron la música en un instrumento de cohesión social, aprovechando los resortes simbólicos y emocionales tradicionalmente activados por la música sacra, con la intención de instaurar una narrativa laica y patriótica, enraizada en los ideales republicanos.

    Los homenajes a los mártires, momentos centrales de muchos «festivales republicanos», resignificaron la función ceremonial de la música fúnebre, desligándola de su significado exclusivamente religioso y transformándola en una forma de expresión cívica y comunitaria. En esta entrada exploraremos algunos ecos de estas prácticas en la música europea de principios del siglo XIX, antes de abordar la marcha fúnebre de la Sinfonía Heroica de Beethoven.

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  • Una sinfonía de Mariana Martínez

    Marianne von Martinez – Sinfonía

    A pesar del florecimiento del pensamiento racional y el cuestionamiento de las estructuras sociales tradicionales que caracterizó el periodo histórico de la Ilustración , los ideales de igualdad y derechos universales promovidos por filósofos e intelectuales rara vez se extendieron a las mujeres. Ello no impidió que las mujeres incrementaran su presencia y su prestigio en el ámbito de las artes escénicas (como actrices, cantantes o bailarinas). Sin embargo, permanecieron aún fuera de los circuitos profesionales en ámbitos como la interpretación instrumental y la composición.

    En esta entrada estudiaremos la situación de la mujer en la música del siglo XVIII tomando como muestra la única sinfonía conservada de Mariana Martínez (o Marianne von Martines), pianista y compositora vienesa de ascendencia española que trató con artistas como Haydn o Mozart.

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  • Tres fandangos del siglo XVIII: Murcia, Soler y Boccherini

    Fandango español del siglo XVIII

    El fandango es —junto con las seguidillas y los boleros— un baile característico de la música española del siglo XVIII que ha perdurado en el tiempo a través del folclore y el flamenco, pero que también llegó a los escenarios europeos a través de obras como el ballet Don Juan (1761) de Christoph Willibald Gluck y la ópera Las bodas de Fígaro (1786) de Wolfgang Amadeus Mozart.

    En esta entrada estudiaremos las fuentes dieciochescas de este género, completando el estudio con el análisis de tres fandangos españoles del siglo de las luces: el fandango para guitarra de Santiago de Murcia , el fandango para tecla del padre Soler , y el fandango para quinteto de cuerdas y guitarra de Luigi Boccherini .

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  • Tres movimientos de concierto de W. A. Mozart

    Conciertos juveniles de Mozart – forma de sonata Tipo 5

    Los movimientos iniciales de los conciertos del periodo clásico se acogen, por lo común, a una variante de forma de sonata que presenta importantes particularidades con respecto al modelo estándar omnipresente en las sinfonías, sonatas instrumentales y música de cámara. Esta variante —que constituye el Tipo 5 en la taxonomía de Hepokoski/Darcy— es un híbrido entre la forma de sonata estándar y la forma de concierto con ritornelos heredada del periodo barroco .

    En esta entrada estudiaremos esta tipología de sonata tomando como ejemplo tres movimientos iniciales de sendos conciertos juveniles de Mozart: el Concierto para fagot [1774], el Concierto para violín núm. 3 [1775] y el Concierto para piano y orquesta núm. 9 [1777].

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  • La reforma operística de Gluck explicada en ejemplos

    Gluck – reforma operística

    La reforma operística de Christoph Willibald Gluck es considerada uno de los esfuerzos artísticos más ambiciosos e influyentes en la música del siglo XVIII. Las circunstancias de esta reforma son singulares en la medida en que afectaron a dos géneros medulares de la música del Antiguo Régimen —la ópera seria y la tragedia lírica— y en que necesitó la participación activa de intelectuales, políticos, poetas y músicos.

    En esta entrada trataremos las líneas maestras de este proceso tomando como ejemplo diversas escenas extraídas de las óperas Orfeo y Eurídice, Alceste e Ifigenia en Táuride del compositor bávaro.

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  • «Tempora mutantur» y las sinfonías teatrales de Joseph Haydn

    Haydn, Sinfonía núm. 64 «Tempora mutantur»

    La sinfonía fue durante el siglo XVIII un género extremadamente versátil que, además de ser utilizado como pieza de concierto, recibió una variedad de usos como complemento instrumental a óperas y oratorios y para realzar una variada gama de ceremonias civiles y religiosas. Entre estos usos, uno de los más desconocidos es el que tiene que ver con el teatro hablado.

    En esta entrada discutiremos el uso teatral de las sinfonías de Joseph Haydn tomando como base un muy completo artículo de Elaine Sisman, así como su Sinfonía núm. 64 en La mayor «Tempora mutantur» (ca. 1774), considerada por esta autora una probable fuente de su música teatral para el Hamlet shakespeariano que, por esas fechas y según diversas fuentes, habría compuesto para la compañía itinerante de Karl Wahr.

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  • Los orígenes italianos de la sinfonía: de Nápoles a Milán

    Orígenes italianos de la sinfonía clásica

    Los orígenes de la sinfonía clásica se adentran en los tiempos que las cronologías asignan aún al periodo Barroco. Ya desde la década de 1730 (o aún antes), una generación de compositores italianos consolidaron un género y un estilo orquestal que guarda mayores semejanzas con las sinfonías de Haydn o Mozart que con la de autores contemporáneos como Bach o Händel.

    En esta entrada repasaremos los orígenes italianos de la sinfonía tomando como ejemplo diversas obras compuestas entre 1730 y 1750 por Giovanni Battista Pergolesi, Giovanni Battista Sammartini y Antonio Brioschi.

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  • Tres números de Las bodas de Fígaro

    Mozart – Las bodas de Fígaro

    Las bodas de Fígaro se sitúa (según estadísticas consultadas en operabase.com en 2022) entre las diez óperas más representadas en nuestros días, prácticamente a la par que otra ópera bufa, El barbero de Sevilla de Rossini. Ambas se basan en sendas obras de teatro pertenecientes a la «trilogía Fígaro» de comedias de Beaumarchais, protagonizadas por el célebre barbero sevillano.

    En esta entrada estudiaremos las principales características de la ópera bufa tomando como referencia tres números de Las bodas de Fígaro: su obertura, el aria «Voi che sapete» y el sexteto del Acto III.

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