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Categoría: Análisis

El análisis musical ofrece la posibilidad de comprender cómo ha sido construida la música, su estructura y las claves para entenderla -y disfrutarla- aún más.
Existen muchas formas de analizar la música, unas más intuitivas, y otras más formales. En nuestro caso nos situaremos en una zona intermedia. Eso sí, partiendo siempre de la capacidad auditiva -escuchar, relacionar, comprender- del lector.

  • De Weber y Halévy al Rienzi de Wagner

    Richard Wagner – Rienzi

    Pocas obras de Richard Wagner han suscitado valoraciones tan extremas y contradictorias como Rienzi. Poco después de su estreno (1842), Eduard Hanslick la consideró «lo más fino logrado en la grand opéra en los últimos doce años», mientras que Gustav Mahler llegó a definirla como «el drama musical más grande jamás compuesto». Con el paso del tiempo, sin embargo, el propio Wagner terminó excluyéndola del canon de Bayreuth, llegando a confesar en sus últimos años que el marcado tono militarista de la obra le resultaba «repugnante».

    Con motivo de la primera presentación de Rienzi en el Festival de Bayreuth de 2026, este artículo ofrece una guía para comprender la obra desde sus principales claves históricas, literarias y musicales. El recorrido se completa con los análisis de las oberturas de Der Freischütz, La Juive y Rienzi, que permiten escuchar algunas de las influencias y procedimientos compositivos presentes en la partitura.

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  • Tiempo y forma en el Concierto para violín de Francisco Coll

    Francisco Coll – Concierto para violín

    La música de Francisco Coll (Valencia, 1985) ha sido descrita con frecuencia por la crítica como un territorio de intensos contrastes: una escritura de gran energía rítmica y aspereza tímbrica que convive con momentos de lirismo oscuro y de refinada sensualidad sonora. En ella confluyen materiales muy diversos —ecos de tradiciones históricas, referencias veladas o estructuras ocultas— integrados en un lenguaje contemporáneo de fuerte personalidad.

    El presente artículo propone un análisis del Concierto para violín (2019), una de las obras orquestales más ambiciosas del compositor hasta la fecha, atendiendo especialmente a los procesos formales y temporales que organizan su discurso. El estudio se ha beneficiado asimismo de diversos intercambios con el propio compositor.

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  • Medievalismo y wagnerianismo en el Requiem de Dvořák

    Antonín Dvořák – Réquiem op. 89

    El Réquiem en Si♭ menor, op. 89 de Antonín Dvořák , estrenado en 1891, constituye una de las cumbres del repertorio sinfónico-coral de la segunda mitad del siglo XIX. Obra de vastas proporciones y marcada ambición arquitectónica, en ella el compositor articula una profunda meditación sonora sobre la muerte mediante una síntesis entre tradición litúrgica y lenguaje tardorromántico, superando el marco nacional característico de buena parte de su producción.

    En esta entrada abordaremos las circunstancias de su gestación y sus fundamentos teológicos, y analizaremos la organización global de sus materiales y los principales procedimientos estructurales —motívicos, armónicos y simbólicos— que vertebran sus trece movimientos.

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  • La chanson franco-flamenca en los manuscritos y en las cortes

    Chanson cortesana del siglo XV

    La chanson fue uno de los ejes de la vida musical cortesana del siglo XV: música de cámara y ritual social cortesano, practicada tanto por nobles como por capillas profesionales, y difundida sobre todo en cancioneros manuscritos que oscilan entre el objeto de lujo y ostentación y las copias de trabajo de las capillas. La tensión entre lo popular y lo culto, lo accesible y lo complejo, la participación vocal y la instrumental, y el vaivén entre ocio privado y representación pública definieron su perfil.

    En este artículo situamos la chanson en su contexto cortesano y repasamos su transmisión antes de la imprenta. A modo de muestra del repertorio, analizamos tres obras representativas del género firmadas por Gilles Binchois , Guillaume Dufay y Johannes Ockeghem .

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  • Recapitulaciones y leitmotivs en El anillo del nibelungo (más una propuesta didáctica)

    Wagner – Siegfried, escena de los enigmas

    En esta entrada proponemos un material didáctico que nos permita adentrarnos en uno de los momentos más fascinantes de El anillo del nibelungo de Richard Wagner: la escena de los enigmas del primer acto de Siegfried. En ella, el herrero nibelungo Mime y el Viandante —Wotan disfrazado— se enfrentan en un duelo verbal de preguntas y respuestas. Esta escena, aparentemente ligera, es en realidad una magistral recapitulación de lo acontecido (y escuchado) en las dos primeras jornadas del ciclo: El oro del Rin y La walkyria.

    Si en este artículo ofrecimos un análisis de las fuentes literarias de esta magna obra y de su adaptación a los propósitos narrativos y filosóficos de Wagner, en esta entrada proponemos un planteamiento esencialmente lúdico diseñado específicamente para el medio escolar.

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  • Francesco Landini y el ars nova italiano

    Ars nova italiano – Florencia, siglo XIV

    Convertida en una de las ciudades más pobladas de Europa a finales de la Edad Media, Florencia fue también uno de los principales centros del ars nova italiano. Su dinamismo económico, el protagonismo de las cofradías laicas y una intensa vida cultural propiciaron el desarrollo de un repertorio polifónico en lengua vernácula, en el que florecieron formas como la lauda, la ballata y el madrigal . Influidos por el sofisticado estilo del ars nova francés, estos géneros adoptaron la notación mensural, reteniendo no obstante una cantabilidad y una claridad armónica propias.

    En este artículo se repasa el entorno musical florentino del siglo XIV y se analizan una selección de obras de Giovanni da Firenze (o da Cascia) y Francesco Landini —una lauda, tres ballate y un madrigal— que ilustran las principales características estilísticas y formales del repertorio.

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  • Los orígenes del estilo homofónico renacentista: frottole, laude y canti carnascialeschi

    Estilo homofónico en el Renacimiento italiano

    Durante las últimas décadas del siglo XV emergió un nuevo estilo polifónico caracterizado por el movimiento síncrono de las voces, la musicalización silábica del texto y la primacía de la voz superior. Este estilo —el estilo homofónico— contrastaba, por su sencillez, con la elaborada polifonía franco-flamenca. Desarrollados de forma casi simultánea en diversos centros italianos, el canto carnascialesco, la frottola y la lauda —ésta, de carácter religioso, aunque no de uso litúrgico— abrieron una nueva etapa de la polifonía renacentista, acorde con un espacio político cambiante y crecientemente secularizado.

    En esta entrada estudiaremos las circunstancias que rodearon el nacimiento del estilo homofónico a través de cada uno de estos géneros en las ciudades italianas de Florencia y Mantua, tomando como referencia las figuras de Lorenzo de Medici , Girolamo Savonarola e Isabella d’Este , así como diversas obras de Heinrich Isaac , Josquin Desprez , Bartolomeo Tromboncino y Marchetto Cara .

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  • Una obra de concurso para fagot y piano: el Concertino (1948) de Marcel Bitsch

    Pièce de concours – Concertino para fagot

    El concurso anual instituido por el Conservatorio de París en 1797 propició la creación de un extenso repertorio para instrumentos tradicionalmente ajenos al ámbito solista . A través de las pièces de concours, compuestas específicamente para evaluar a los estudiantes que finalizaban sus estudios, se consolidó una literatura técnica y expresiva que sigue vigente en audiciones y recitales.

    Continuando la serie iniciada con el análisis del Divertissement para saxofón y piano de Pierre Max Dubois , nos ocuparemos ahora de una obra escrita para el concurso de 1948: el Concertino para fagot y piano de Marcel Bitsch (1921–2011), compositor y profesor del propio Conservatorio. La pieza, influida por Ravel, combina exigencias técnicas con una escritura idiomática que explora las posibilidades expresivas del instrumento.

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  • Romeo y Julieta de Chaikovski: música programática y nacionalismo musical ruso

    Chaikovski – Romeo y Julieta, poema sinfónico

    La influencia de Liszt en la música rusa del siglo XIX se manifestó en el ámbito pianístico y en el compositivo. Por un lado, los recitales ofrecidos durante la década de 1840 propiciaron un salto evolutivo en la escuela pianística rusa. Por otro, su posición como teórico y valedor de la música programática, así como sus propios poemas sinfónicos —compuestos mayormente entre 1848 y 1858— ejercieron una notable influencia en la producción sinfónica rusa de la segunda mitad del siglo.

    En esta entrada analizaremos el poema sinfónico Romeo y Julieta (1869/1880) de Piotr Ílich Chaikovski , en relación con estas cuestiones, enmarcándolas en el contexto de las tensiones existentes entre las corrientes cosmopolitas y eslavófilas que marcaron la música rusa de la época.

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  • Polkas, valses y cuadrillas: el baile de salón en el Romanticismo

    Música de baile romántica – Johann Strauss

    A lo largo del siglo XIX, las orquestas de baile desempeñaron un importantísimo rol en la vida social europea. Figuras como Josef Lanner (1801–1843) y Johann Strauss padre (1804–1849) fueron pioneros en la composición e interpretación de música específicamente dirigida al baile, sacando esta profesión del anonimato, dotándola de renombre y entidad propia, y definiendo las características de la música de baile del periodo romántico.

    En esta entrada realizaremos un recorrido por los bailes de salón del Romanticismo centroeuropeo, estudiando diversos ejemplos musicales —valses, polcas y galops— y analizando en detalle la Cuadrilla de Orfeo (Orpheus-Quadrille, op. 236) de Johann Strauss hijo , basada en temas de Jacques Offenbach .

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