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Categoría: Artículo

  • La canción iberoamericana (3): la era del cine y la radio

    Canción iberoamericana – era industrial

    Este tercer artículo de la serie dedicada a la canción iberoamericana aborda el momento en que la canción entró plenamente en la era de la cultura de masas y la industria del espectáculo, convirtiéndose entre las décadas de 1920 y 1970 en un fenómeno articulado por la radio, el disco, el cine sonoro y los nuevos mercados transnacionales.

    Se abordarán aquí las principales fases de esa transformación: desde la consolidación de los derechos de autor y la expansión de los medios de comunicación de masas hasta la formación de un star system continental, el auge de las orquestas de baile, la hegemonía del cine musical y la circulación panlatina de repertorios que culminaría en nuevas síntesis internacionales como la bossa nova y los lenguajes afrocaribeños precursores de la salsa.

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  • La canción iberoamericana (1): música de salón, modinhas y habaneras

    Canción iberoamericana – siglo XIX

    Este artículo inaugura una serie dedicada a la canción iberoamericana. En esta primera entrega, se abordará la canción de salón del siglo XIX. A partir del análisis de sus contextos de producción —los salones, la edición musical, los circuitos urbanos—, se aborda géneros como la habanera o la modinha, poniéndolos en relación con las transformaciones sociales de su tiempo.

    Asimismo, se examina el papel de la música de salón para piano y guitarra en la fijación de estos repertorios y en la progresiva construcción de identidades musicales, anticipando desarrollos que serán tratados en entregas posteriores.

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  • Disminuciones y diferencias: la improvisación instrumental renacentista

    Diego Ortiz – Tratado de glosas

    La improvisación desempeñó un papel central en la música instrumental del Renacimiento, como ya lo había hecho en la Edad Media. El desarrollo de la imprenta musical en el siglo XVI impulsó, no obstante, la publicación de numerosos tratados y tablaturas destinados a enseñar a los aficionados los secretos de este arte, hasta entonces transmitido principalmente por vía oral. Gracias a estas ediciones — dirigidas a un público culto y cada vez más numeroso—, la práctica de la improvisación pasó del ámbito estrictamente profesional a los espacios domésticos, convirtiéndose en un rasgo definitorio de la cultura musical europea de la época.

    En este artículo estudiaremos las principales modalidades de improvisación renacentista, desde la invención libre del tiento o la fantasía hasta las formas basadas en la variación, siguiendo el hilo que une la glosa, la disminución y las diferencias. Tomaremos como eje el Tratado de glosas (1553) de Diego Ortiz , y lo pondremos en diálogo con la obra de otros maestros ibéricos como Antonio de Cabezón , Luis de Milán o Luis de Narváez .

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  • Los orígenes del coral luterano en cinco melodías y arreglos

    Coral luterano – Vox Luminis

    El coral luterano, o Cantionalsatz, constituye uno de los pilares musicales de la liturgia protestante: un arreglo a cuatro voces en el que la melodía principal, situada en la voz superior, es entonada por la congregación. Su origen se remonta al impulso reformador de Martín Lutero , que en las primeras décadas del siglo XVI sentó las bases de un repertorio común, formado a partir de fuentes diversas, como himnos gregorianos y canciones populares, así como de nuevas composiciones.

    Este artículo estudiaremos el origen del coral luterano trazando el rastro de cinco de estas melodías y de sendas armonizaciones y arrelgos firmados por autores como Claude Goudimel , Lucas Osiander , Michael Praetorius , Jacob Praetorius y Hans Leo Hassler .

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  • Recapitulaciones y leitmotivs en El anillo del nibelungo (más una propuesta didáctica)

    Wagner – Siegfried, escena de los enigmas

    En esta entrada proponemos un material didáctico que nos permita adentrarnos en uno de los momentos más fascinantes de El anillo del nibelungo de Richard Wagner: la escena de los enigmas del primer acto de Siegfried. En ella, el herrero nibelungo Mime y el Viandante —Wotan disfrazado— se enfrentan en un duelo verbal de preguntas y respuestas. Esta escena, aparentemente ligera, es en realidad una magistral recapitulación de lo acontecido (y escuchado) en las dos primeras jornadas del ciclo: El oro del Rin y La walkyria.

    Si en este artículo ofrecimos un análisis de las fuentes literarias de esta magna obra y de su adaptación a los propósitos narrativos y filosóficos de Wagner, en esta entrada proponemos un planteamiento esencialmente lúdico diseñado específicamente para el medio escolar.

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  • Historia del cuarteto de cuerda (V): electrificación, globalización y posmodernidad

    Cuarteto de cuerda contemporáneo – Kronos Quartet

    En este quinto y último artículo de la serie dedicada al cuarteto de cuerda abordamos un periodo marcado por la disolución de los discursos y las fronteras estéticas. Frente a la linealidad de las narrativas modernistas, el cuarteto adoptará en este periodo nuevas funciones y significados, desde su electrificación en obras pioneras como Black Angels de George Crumb hasta su hibridación con la tecnología y la cultura de masas.

    La fundación de agrupaciones como el Kronos Quartet y el Arditti Quartet a principios de los años 1970 contribuyó a redefinir el género como espacio de experimentación técnica y estética. Paralelamente, el cuarteto ha penetrado en ámbitos no tradicionales —jazz, música popular, cine, etc.— donde actúa como símbolo de prestigio o de resignificación. En este recorrido visitaremos las propuestas de compositores como Kaija Saariaho , Philip Glass , Astor Piazzolla o Tan Dun .

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  • Francesco Landini y el ars nova italiano

    Ars nova italiano – Florencia, siglo XIV

    Convertida en una de las ciudades más pobladas de Europa a finales de la Edad Media, Florencia fue también uno de los principales centros del ars nova italiano. Su dinamismo económico, el protagonismo de las cofradías laicas y una intensa vida cultural propiciaron el desarrollo de un repertorio polifónico en lengua vernácula, en el que florecieron formas como la lauda, la ballata y el madrigal . Influidos por el sofisticado estilo del ars nova francés, estos géneros adoptaron la notación mensural, reteniendo no obstante una cantabilidad y una claridad armónica propias.

    En este artículo se repasa el entorno musical florentino del siglo XIV y se analizan una selección de obras de Giovanni da Firenze (o da Cascia) y Francesco Landini —una lauda, tres ballate y un madrigal— que ilustran las principales características estilísticas y formales del repertorio.

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  • Historia del cuarteto de cuerda (IV): entre el modernismo y la tradición

    Cuarteto de cuerda en el siglo XX

    En este cuarto artículo de la serie dedicada al cuarteto de cuerda abordamos su evolución durante la primera mitad del siglo XX, un periodo caracterizado por una intensa actividad compositiva y por la consolidación del cuarteto como formación profesionalizada. A través del impulso de agrupaciones estables, sociedades de música de cámara y circuitos de concierto internacionales, el género adquirió una dimensión global, crecientemente descentralizada tanto estilística como geográficamente, con centros activos no solo en distintas regiones de Europa, sino también —y de forma creciente— en el continente americano.

    La disgregación del lenguaje tonal tradicional y la aparición de múltiples corrientes estéticas —desde el neoclasicismo hasta las primeras vanguardias atonales y seriales— introdujeron una diversificación significativa también en el ámbito cuartetístico, convertido en algunos casos en un espacio de experimentación formal y en una vía de expresión privilegiada de las músicas de vanguardia.

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  • Los orígenes del estilo homofónico renacentista: frottole, laude y canti carnascialeschi

    Estilo homofónico en el Renacimiento italiano

    Durante las últimas décadas del siglo XV emergió un nuevo estilo polifónico caracterizado por el movimiento síncrono de las voces, la musicalización silábica del texto y la primacía de la voz superior. Este estilo —el estilo homofónico— contrastaba, por su sencillez, con la elaborada polifonía franco-flamenca. Desarrollados de forma casi simultánea en diversos centros italianos, el canto carnascialesco, la frottola y la lauda —ésta, de carácter religioso, aunque no de uso litúrgico— abrieron una nueva etapa de la polifonía renacentista, acorde con un espacio político cambiante y crecientemente secularizado.

    En esta entrada estudiaremos las circunstancias que rodearon el nacimiento del estilo homofónico a través de cada uno de estos géneros en las ciudades italianas de Florencia y Mantua, tomando como referencia las figuras de Lorenzo de Medici , Girolamo Savonarola e Isabella d’Este , así como diversas obras de Heinrich Isaac , Josquin Desprez , Bartolomeo Tromboncino y Marchetto Cara .

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  • Historia del cuarteto de cuerda (III): el impulso de la periferia

    Cuarteto de cuerda en la periferia europea

    El prestigio de la cultura germánica y de sus principales emblemas —entre ellos, la música instrumental y, en particular, la música de cámara— convirtió el cuarteto un vehículo privilegiado de afirmación cultural entre las clases burguesas internacionales durante las décadas finales del siglo XIX. Así, y pese al estancamiento creativo en el ámbito austro-germánico, el cuarteto de cuerda experimentó una notable revitalización, impulsada desde ámbitos periféricos.

    En este tercer artículo de la serie dedicada al cuarteto de cuerda estudiaremos, aparte de estos fenómenos, la proliferación de sociedades de música de cámara, agrupaciones profesionales y cuartetos estables, desde Rusia hasta los Estados Unidos, así como la paulatina incorporación de la mujer en una práctica históricamente reservada a varones.

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