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Categoría: Artículo

  • La secuencia «Dies irae» y la misa de réquiem

    Dies irae – misa de réquiem medieval

    Las pinturas rupestres practicadas por nuestros ancestros y sus primeros ritos funerarios se remontan en el tiempo varios cientos de siglos. Ambos hitos evolutivos tienen como factor común la capacidad de representar simbólicamente la realidad, aptitud que los paleoantropólogos atribuyen a los neandertales. Desde entonces, y hasta nuestros días, la muerte y el arte han ofrecido a la humanidad dos rendijas separadas a través de las que sondear el infinito y elaborar nuestras propias concepciones acerca de lo trascendental.

    En esta entrada estudiaremos la misa de réquiem medieval prestando atención al que quizá es su pieza más emblemática: la secuencia «Dies irae».

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  • El Kyrie «Cunctipotens genitor Deus» y el origen de la notación musical

    Notación musical medieval – Kyrie Cunctipotens genitor Deus

    El nacimiento de la notación musical occidental se inscribe en uno de los acontecimientos geopolíticos de ámbito europeo más significativos de la Alta Edad Media: la fundación del Imperio carolingio (s. IX), entidad estatal paneuropea que se autoproclamó sucesora del Imperio romano de Occidente, rivalizando con el mismísimo Imperio romano de Oriente (o Imperio Bizantino) como sostén y referente de la cristiandad.

    En esta entrada explicaremos cómo este acontecimiento dio lugar al nacimiento y desarrollo de la notación musical, tomando como ejemplo algunas fuentes tempranas del Kyrie «Cunctipotens genitor Deus», una de las piezas más difundidas del repertorio musical correspondiente al ordinario de la misa medieval.

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  • «Tempora mutantur» y las sinfonías teatrales de Joseph Haydn

    Haydn, Sinfonía núm. 64 «Tempora mutantur»

    La sinfonía fue durante el siglo XVIII un género extremadamente versátil que, además de ser utilizado como pieza de concierto, recibió una variedad de usos como complemento instrumental a óperas y oratorios y para realzar una variada gama de ceremonias civiles y religiosas. Entre estos usos, uno de los más desconocidos es el que tiene que ver con el teatro hablado.

    En esta entrada discutiremos el uso teatral de las sinfonías de Joseph Haydn tomando como base un muy completo artículo de Elaine Sisman, así como su Sinfonía núm. 64 en La mayor «Tempora mutantur» (ca. 1774), considerada por esta autora una probable fuente de su música teatral para el Hamlet shakespeariano que, por esas fechas y según diversas fuentes, habría compuesto para la compañía itinerante de Karl Wahr.

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  • Tres obras de cámara con piano del Romanticismo

    Música de cámara romántica – Tríos y quintetos con piano

    La música de cámara sufrió durante el siglo XIX un rápido proceso de «canonización» que la convirtió en uno de los géneros musicales más conservadores de su tiempo. En un entorno presidido por la reverencia hacia los antiguos maestros y el epigonismo creativo, la música de cámara con piano ofreció una pequeña vía a la expresión de sensibilidades musicales más acordes con el gusto romántico.

    En esta entrada estudiaremos diversas facetas de este proceso tomando como ejemplo sendos movimientos del Trío con piano núm. 2 de Schubert, el Quinteto con piano de Schumann y el Trío con piano de Fanny Mendelssohn-Hensel.

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  • Orientalismo y verismo en Madama Butterfly

    Giacomo Puccini – Madama Butterfly

    Madama Butterfly [1904] forma parte —junto con La bohème [1896] y Tosca [1900]— de la denominada «trilogía popular» de Giacomo Puccini , el último gran compositor de ópera italiano y autor indispensable del repertorio operístico actual.

    En esta entrada estudiaremos diversos aspectos de este influyente título en relación con el orientalismo musical decimonónico, el movimiento verista italiano y la música de cine de la edad de oro de Hollywood. Comentaremos también tres extractos de la ópera, centrándonos en el dúo «Bimba dagli occhi pieni di malìa», que cierra el primer acto y constituye uno de los duetos de amor más logrados del teatro lírico italiano.

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  • Tres aproximaciones a la música de cine

    Música de cine – Steiner, Herrmann y Rota

    La música ha acompañado al cine desde prácticamente su nacimiento hasta hoy. Considerada durante décadas como un género musical «menor» o «bastardo», la música de cine ha mantenido vivas hasta nuestros días las eternas cuestiones acerca de la capacidad de la música para interferir o participar en la construcción de emociones y significados.

    En esta entrada trataremos estas y otras cuestiones relativas a la música en el cine tomando como ejemplos diversas partituras de tres compositores fallecidos en la década de 1970 pero que desarrollaron sus carreras en contextos muy diferentes y particulares: el austríaco nacionalizado estadounidense Max Steiner (1888-1971), el estadounidense Bernard Herrmann (1911-1975) y el italiano Nino Rota (1911-1979).

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  • Kind of Blue y el nacimiento del jazz modal

    Miles Davis – Kind of Blue

    La sesión de estudio ocupa en la producción jazzística una posición central desde los tiempos del disco de 78 rpm. Durante los primeros tiempos, y aún durante los años 50 y 60, la sesión constituyó una unidad de producción per se, capaz de abastecer uno o varios discos de 78 rpm, o incluso LPs, cuya ensamblaje y comercialización corría después a cargo de la discográfica, de acuerdo con sus políticas comerciales.

    En esta entrada estudiaremos el rol fundamental jugado por el estudio de grabación en el nacimiento del denominado jazz modal, tomando como ejemplos varias pistas de uno de sus álbumes fundamentales, Kind of Blue [1959] —el álbum de jazz acústico más vendido de todos los tiempos—: «So What», «Blue in Green» y «Flamenco Sketches».

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  • La chacona y el complejo musical barroco hispanoamericano

    Barroco hispanoamericano y chacona

    Tradicionalmente se ha considerado el Barroco musical europeo como el resultado de las innovaciones italianas en torno al bajo continuo y el teatro musical durante la primera mitad del siglo XVII y de la estandarización de las formas barrocas en la corte francesa, impulsada por Lully y la Académie Royale de Musique.

    Este retrato resulta incompleto sin atender a un tercer factor de origen hispano, activo durante todo el siglo como vector con identidad propia: el complejo musical barroco hispanoamericano. Rastrearemos este fenómeno a través de uno de sus géneros más definitorios, la chacona, mediante obras de Juan Arañés, Girolamo Montesardo y Luis de Briceño.

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  • Las fuentes españolas de Carmen de Bizet

    Georges Bizet – Carmen

    La ópera Carmen de Bizet —estrenada en la Opéra Comique de París en marzo de 1875— moldeó durante décadas una imagen exotizada de España en el extranjero cuyas secuelas aún perduran. Sin embargo, el «españolismo» de Carmen no surgió de la nada, sino que culminó una presencia cultural de lo español en París que comenzó a tomar cuerpo desde la Guerra de independencia y se mantuvo a lo largo del siglo a través de la presencia en los escenarios franceses de espectáculos de danza española.

    En esta entrada estudiaremos algunos de los números más inequívocamente hispanos de la ópera de Bizet tras rastrear los antecedentes de la presencia musical —y cultural— española en París y, por extensión, en toda Europa.

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  • Tres polifonías del Llibre Vermell de Montserrat

    Llibre Vermell de Montserrat

    El Llibre Vermell (Libro Rojo, llamado así por el color de las cubiertas con las que fue encuadernado por última vez, en el siglo XIX) de la abadía de Montserrat es uno —y quizá el más notable— de los manuscritos hispánicos correspondientes al ars nova (siglo XIV), la inmensa mayoría de ellos de origen catalán.

    En esta entrada analizaremos la pieza polifónica más elaborada del repertorio musical conservado en este original manuscrito —«Mariam matrem virginem»— prestando atención especial a la notación musical.

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