El desarrollo del mercado editorial musical vinculado a la música de cámara, unido éxito del concierto público como medio de difusión de la música orquestal tuvieron como resultado la formación de una serie de estilos que los contemporáneos denominaron «galante» o «sentimental» (Empfindsamer stil) pero que sería rebautizado en el siglo XIX como Clasicismo. Este estilo reflejó el gusto y la pujanza de las clases medias urbanas –burguesía– frente a los de las clases dominantes, encarnados por la ópera seria (aristocracia) y la música sacra (Iglesia), respectivamente.
En esta unidad estudiaremos dichos códigos, que cristalizaron en las denominadas formas de sonata y que constituyen –junto a la fuga– uno de los dos grandes paradigmas formales de la tradición clásica occidental.
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Unidad 14. Géneros y corrientes del Clasicismo musical
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El estilo y los valores del clasicismo musical
El estilo musical clásico se forjó a partir de los valores que la burguesía ilustrada enarboló frente al sistema de valores aristocrático. Así, frente a los estilos barrocos tardíos, fuertemente marcados por su origen nacional, el estilo clásico exhibió un notable internacionalismo, convirtiéndose en una especie de lingua franca musical de ámbito europeo. Además, frente a la expresividad mecanicista y sustentada en las academias y los principios de autoridad, el estilo clásico canalizó una nueva forma de expresión más intimista y libre, apoyada básicamente en el gusto y el sentimiento. La posibilidad de crear dinámicas gracias a instrumentos como el fortepiano -que sucedió al clavecín como centro del espacio musical doméstico- sustituyó a la dificultad técnica y la exuberancia en la ornamentación característicos del Barroco como principal recurso expresivo del Clasicismo.
En esta misma línea, el estilo clásico reaccionó a las complejidades de la fuga, el contrapunto y el bajo continuo en favor de un discurso transparente e inteligible, pero a la vez portador de sentimiento y drama. Los códigos de este nuevo lenguaje se vieron reforzados gracias a su expansión a todos los ámbitos musicales del siglo XVIII, partiendo como sabemos de la música de cámara y sinfónica y extendiéndose a ámbitos más alejados como el concierto o incluso la música sacra.
Las formas clásicas derivaron de las barrocas a través de un complejo proceso de selección natural y adaptación a los nuevos gustos, basados por un lado en la claridad y sencillez. Este proceso tuvo lugar en dos grandes fases, caracterizadas por la radical simplificación de texturas y armonía (entre 1730 y 1765), y otra en la que las nuevas texturas y formas fueron incrementando su complejidad y sus proporciones.
Las formas clásicas partieron de la utilización de elementos melódicos y armónicos relativamente simples en comparación con el estilo Barroco. Su densidad motívica y armónica es menor, y además las frases musicales se benefician de una mayor regularidad y «previsibilidad». Frente a estas tendencias simplificadoras, el Clasicismo puso énfasis en la estructura musical; esto es, en cómo disponer un conjunto de temas musicales de modo que resulte un discurso musical coherente, variado y capaz de generar interés y tensión.
La Europa de las modas musicales
Como producto de entretenimiento dirigido al público burgués y aristocrático, la música del clasicismo se vio afectada por diversas modas, algunas recurrentes y otras particularmente persistentes a lo largo de las décadas. Entre ellas destaca el Sturm und Drang , corriente prerromántica que afectó a todas las artes, pero cuya traducción musical y escénica —a través del ballet o del melólogo— se concentró especialmente en los territorios de lengua alemana. Este movimiento se desarrolló en varias oleadas y alcanzó su punto álgido musical en torno a 1780.
Entre las modas de carácter nacional, dos de las más destacadas fueron la española y la turca. La primera tuvo en el fandango su manifestación más característica e internacional, uno de los reflejos más tempranos del arte musical preflamenco. Las modas turcas se produjeron en oleadas sucesivas desde el siglo XVII, alimentadas por la amenaza militar del Imperio otomano en la frontera oriental del Imperio austríaco.
Christoff Willibald Gluck – Don Juan – 31. Descenso de Don Juan a los infiernos [1761].
Luigi Boccherini – Quinteto «La musica nocturna de las calles de Madrid», op.30, nº6 – 5. Pasacalle [ca. 1780].
Wolfgang Amadeus Mozart – Sonata en La mayor K.331 – 3er mov. Rondó Alla turca [ca. 1780].
Las formas y los géneros clásicos
Por forma musical se entiende la estructura (segmentación y disposición de las partes) de una obra musical cerrada y autosuficiente. Este concepto no se aplica normalmente a obras multiseccionales como una ópera o una sinfonía, sino de cada una de sus partes separables, como un aria o un movimiento de sinfonía, concierto o sonata.
Las obras multiseccionales del Clasicismo (como sinfonías, serenatas, divertimentos, música de cámara o sonatas) suelen disponer sus movimientos adoptando las siguientes formas musicales:
- Primer movimiento. Generalmente en forma de sonata.
- Segundo movimiento. Generalmente una forma lied (ABA), tema y variaciones, o forma de sonata sin desarrollo (o con desarrollo breve).
- Tercer movimiento. Forma de minueto (o scherzo). Este movimiento suele excluirse en obras en tres movimientos. En las serenatas y divertimentos puede haber varios minuetos o scherzos.
- Cuarto movimiento. Generalmente rondó, forma de sonata, o rondó-sonata.
Mientras la forma se refiere a la estructura de una obra musical, el género se refiere sencillamente a su denominación. En el periodo clásico, muchos géneros distintos adoptaron un número relativamente limitado de formas musicales. Así, una sinfonía, una serenata, un divertimento, una sonata para piano o un cuarteto de cuerda son géneros distintos, pero están compuestos por un número similar de movimientos con formas similares, como la forma de sonata, las variaciones o el rondó.
La denominación de los géneros clásicos depende, en algunos casos, de la formación a la que está destinada (cuarteto de cuerda, trío con piano, etc.). En muchos otros casos, la denominación depende de su uso social: algunas serenatas o divertimentos están escritos para una formación de cuarteto de cuerda, sin embargo la serenata y el divertimento se distinguen del cuarteto de cuerda en que es una música escrita para amenizar diversos actos o ser interpretadas al aire libre –están escritas para músicos que tocan para sus patronos– mientras que un cuarteto de cuerda está destinado a instrumentistas aficionados y a su uso doméstico.
Las formas clásicas: variaciones, minueto, rondó…
El concierto solista es quizá el género barroco que ha subsistido con mayor éxito a lo largo de distintas épocas y estilos. Ello responde a la necesidad constante de los virtuosos de desplegar de la forma más eficaz posible sus recursos musicales y técnicos. El primer movimiento del concierto solista clásico adopta por lo común una forma de sonata con doble exposición: una abreviada a cargo de la orquesta —que emula así el ritornello inicial del concierto barroco— y otra completa a cargo del solista. Otra peculiaridad de esta forma es la inserción de una cadenza —solo improvisado— en la recapitulación, antes del grupo cadencial final.
El trío con piano (violín, violonchelo y piano) procede de la práctica doméstica dieciochesca de doblar los bajos de las sonatas con el violonchelo. Con el tiempo se convirtió en una de las formaciones camerísticas más emblemáticas, solo por detrás del cuarteto de cuerda. El movimiento final del Trío con piano n.º 39 de Haydn adopta forma de rondó (A B A C A Coda). El tema A responde a una forma lied (||: a :||: b + a’ :||), mientras que los temas B y C se inspiran en el verbunkos , danza húngara interpretada tradicionalmente por bandas gitanas.
El minueto es una danza en compás de 3/4. El minueto clásico es habitualmente tripartito (A B A’), en el que A y B adoptan sendas formas lied (||: a :||: b + a’ :||) y en el que A’ se interpreta sin repeticiones. El minueto ocupa con frecuencia el tercer movimiento de sinfonías y cuartetos de cuerda.
Wolfgang Amadeus Mozart – Concierto para violín y orquesta núm. 3 en Sol mayor, 1. Allegro K. 216 [1775].
Franz Joseph Haydn – Trío con piano nº 39 «Gitano»– 3. Rondó «gitano». [1795]
Ludwig van Beethoven – Septeto en Mi bemol mayor op.20 – 3. Tempo di minuetto [1802].
Transformaciones en el gusto musical tras la Revolución francesa
La Revolución francesa (1789-1799) y la transmisión de la inestabilidad política y de los ideales revolucionarios a través de las guerras revolucionarias (1792-1802) y las guerras napoleónicas (1804-1815) sacudieron los sistemas de valores dominantes en toda Europa que conllevaron importantes transformaciones en los gustos musicales. La vida concertística presenció un acelerado declive de la sinfonía: al mismo tiempo que decaía bruscamente su producción, cobraron relieve modalidades como la sinfonía «característica» («de carácter») y la sinfonía concertante. La primera es un tipo de sinfonía con elementos descriptivos –en muchos casos, militares–, la segunda, una modalidad con instrumentos solistas. Los géneros sinfónico-corales también ganaron peso en la vida concertística.
El declive de la sinfonía –en términos de nueva creación– coincidió con el inicio de la canonización de los clásicos vieneses –Haydn y Mozart– en las salas de concierto, tanto en Viena como en París, extendiéndose después al resto de Europa. Algún tiempo después, las sinfonías beethovenianas –estrenadas entre los años 1800 y 1824– se sumaron a este canon gracias a su individualidad y ambición, pero también por reflejar la violencia y las incertidumbres del momento histórico.
La música doméstica y teatral también acusaron este cambio de ciclo. El comienzo del siglo XIX vivió la emergencia de la canción con piano –lied, en el caso de la canción alemana– y de los géneros «nacionales», en forma de música vocal o instrumental de inspiración popular o folclórica. En el ámbito teatral, la ópera seria aceleró su ya inocultable decadencia, iniciando un proceso de renovación que culminó con el nacimiento de la ópera romántica, gracias principalmente a las innovaciones practicadas por Cherubini y Spontini en la Francia republicana, y por Rossini en el ámbito más cosmopolita de la ópera italiana.
… y la forma de sonata en tiempos convulsos
La forma sonata es la más sofisticada y flexible de las formas clásicas. Su potencial dramático —o retórico, si se prefiere— fue explotado de manera creciente por los grandes compositores del Clasicismo vienés —Haydn, Mozart y Beethoven— en su música de cámara y en sus sinfonías. A partir de estas obras, escritores fundamentales del Romanticismo como E. T. A. Hoffmann, Wackenroder o Heinrich Heine contribuyeron decisivamente a elevar el prestigio de la música como un arte —o lenguaje— autónomo, capaz de expresar ideas y emociones inaccesibles al lenguaje verbal.
En esta misma línea, la obra de Beethoven y, en particular, las composiciones más representativas del denominado «estilo heroico», contribuyeron a forjar el prototipo romántico de compositor. Esta figura refleja de forma idealizada el cambio de estatus social y económico del creador tras el colapso del Antiguo Régimen: el compositor dejó progresivamente de ser un empleado al servicio de un aristócrata —o de la Iglesia— para desenvolverse en un espacio cultural más descentralizado, competitivo y sometido al juicio de la nueva burguesía.
Para más información puedes consultar los artículos Introducción a la forma sonata.
Franz Joseph Haydn – Missa in Augustiis, 1. Kyrie [1798].
Ludwig van Beethoven – Sinfonía nº3 en Mi bemol mayor «Heroica» op.55, 1. Allegro con brio [1805].
Étienne Nicolas Méhul – Sinfonía nº1 en Sol menor (1. Allegro) [1808].
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