El siglo XVIII fue un siglo de profundas transformaciones sociales desarrolladas todavía dentro de las estructuras del absolutismo y del Antiguo Régimen. Bajo un orden basado en un desigual reparto de derechos, obligaciones y privilegios entre la nobleza, el clero y el tercer estado , crecieron económica y culturalmente unas clases medias urbanas cada vez más numerosas y conscientes de sus propios intereses, vinculadas a nuevos ideales de razón, mérito, utilidad y reforma.
La historiografía agrupó posteriormente buena parte de las transformaciones musicales del siglo bajo la denominación de Clasicismo , una etiqueta que, aplicada a la música, no designa un retorno programático a los modelos de la Antigüedad grecorromana, sino que está estrechamente ligada a la posterior consideración de autores como Haydn y Mozart como modelos «clásicos» del arte musical. En esta unidad estudiaremos la formación de este nuevo lenguaje durante las décadas centrales del siglo a través de tres ámbitos especialmente vinculados a la ampliación de los públicos musicales: la música de cámara, los conciertos públicos y el teatro comercial.
La música de cámara, la decadencia del bajo continuo y la estética del buen gusto
Como vimos en la Unidad 7, la imprenta había creado ya desde el siglo XVI un mercado editorial de música destinada a compradores particulares. Durante el siglo XVIII, el crecimiento económico y cultural de las clases medias urbanas amplió extraordinariamente este mercado. A ello contribuyó la creciente difusión del grabado musical en planchas, especialmente adecuado para tiradas relativamente pequeñas y reimpresiones según la demanda, y capaz además de reproducir con mayor flexibilidad la complejidad de la notación musical. Sonatas para tecla, dúos, tríos, cuartetos y otras pequeñas formaciones pudieron circular así con creciente facilidad entre aficionados y compradores particulares.
La expresión música de cámara, que durante el Barroco designaba de forma amplia la música destinada a la camera, por oposición principalmente a la iglesia y el teatro, adquirió un nuevo significado durante el siglo XVIII cuando la expansión de la práctica doméstica amateur la acercó a su significado moderno: música para un número reducido de intérpretes, apta para espacios privados y frecuentemente concebida también para el mercado editorial. La práctica musical aficionada en los hogares favoreció asimismo, dentro del repertorio camerístico, la decadencia progresiva del bajo continuo. La realización de un bajo cifrado exigía conocimientos armónicos y capacidad de improvisación propios de un músico experimentado, mientras que el nuevo mercado favorecía partituras en las que la música necesaria para la ejecución estuviese cada vez más completamente escrita. En géneros como la sonata para tecla con acompañamiento de violín, el teclado dejó de limitarse a realizar el continuo y pasó a contener por sí mismo melodía, armonía y acompañamiento. La textura resultante —una voz principal claramente destacada sobre un acompañamiento subordinado— acabaría extendiéndose mucho más allá del ámbito doméstico.
El éxito de este repertorio coincidió con la difusión de una nueva estética del buen gusto, que valoró cualidades como la naturalidad, la elegancia, la gracia, la claridad y la expresión. El llamado estilo galante favoreció así melodías cantables, frases regulares, texturas transparentes y un ritmo armónico más pausado, articulado en torno a relaciones tonales claras. El «buen gusto» era una cualidad que debía adquirirse mediante la educación y permitía distinguir lo elegante y expresivo de lo artificioso o excesivamente erudito. Las fuentes del siglo XVIII emplean precisamente conceptos como naturalidad, gracia, elegancia y expresión para caracterizarlo.
Estos criterios adquirieron además una dimensión cultural e ideológica. Autores ilustrados cuestionaron la complejidad contrapuntística cuando parecía anteponer la ciencia musical a la comunicación y al placer del oyente: Rousseau llegó a considerar ciertas proezas fugadas vestigios de «barbarie» y «mal gusto», mientras Charles Avison podía censurar fugas cuyo artificio juzgaba tedioso. En este mismo clima se documenta el empleo despectivo del término «barroco» para una música considerada recargada, difícil y poco natural; Rousseau la definía todavía en 1768 por su armonía confusa, sus modulaciones y disonancias y una melodía áspera y poco natural. Solo posteriormente «Barroco» se convertiría en el nombre neutral de un periodo histórico.
Los usos sociales de la música de cámara
El nuevo lenguaje galante y clásico se difundió ampliamente a través de la práctica musical doméstica y de pequeño conjunto. Géneros como la sonata para tecla —clavecín o fortepiano—, la sonata para tecla y violín o el cuarteto de cuerda prescindieron progresivamente del bajo continuo y encontraron un rápido acomodo entre las élites aristocráticas y las clases medias acomodadas. La escritura cada vez más completa de las partes facilitó además su interpretación por aficionados sin necesidad de recurrir a un músico experto en la realización improvisada del continuo.
El cuarteto de cuerda —dos violines, viola y violonchelo— se consolidó durante la segunda mitad del siglo XVIII como uno de los géneros de cámara más prestigiosos. Su origen se vincula a prácticas instrumentales anteriores y a la evolución de la escritura a cuatro partes. Su cultivo reunió a intérpretes profesionales y aficionados, aunque la práctica privada del cuarteto estuvo particularmente asociada a círculos masculinos de las élites aristocráticas y burguesas. Joseph Haydn desempeñó un papel decisivo en su consolidación, dentro de una tradición compartida por numerosos compositores de Austria, Bohemia y los territorios germánicos.
La sonata para tecla y violín encontró uno de sus primeros hitos en las Pièces de clavecin en sonates avec accompagnement de violon [1734] de Jean-Joseph de Mondonville. El género evolucionó desde un modelo en el que el violín desempeñaba una función subordinada al teclado hasta el diálogo más equilibrado entre ambos instrumentos característico de las sonatas posteriores de Mozart y Beethoven. Las convenciones sociales de la época —que favorecían el aprendizaje del teclado entre las mujeres y asociaban en mayor medida el violín a los hombres— hicieron también de estas obras un formato apropiado para la práctica musical compartida.
La Harmoniemusik —música para conjuntos de viento— respondió a un contexto diferente. Interpretada generalmente por músicos profesionales al servicio de cortes y casas aristocráticas, alcanzó un gran auge durante el último cuarto del siglo XVIII y se utilizó en banquetes, celebraciones y reuniones sociales, además de servir para difundir repertorios operísticos mediante arreglos. Una de sus plantillas características reunió dos oboes, dos clarinetes, dos trompas y dos fagotes.
En esta sonata del Bach «inglés», el teclado asume todavía el peso principal del discurso mientras el violín desempeña una función subordinada. El género estaba especialmente bien adaptado a la práctica musical doméstica.
Haydn ofreció inicialmente sus seis cuartetos op. 33 por suscripción a aficionados, conocedores y patronos antes de su edición impresa. Su éxito ilustra la estrecha relación entre el desarrollo del cuarteto y el nuevo mercado de música de cámara.
LEER MÁS →Obra excepcional dentro de la Harmoniemusik, la Gran Partita amplía la plantilla habitual hasta trece instrumentos y explota virtuosísticamente sus posibilidades tímbricas. En 1784 parte de la obra fue interpretada también en un concierto público en Viena.
LEER MÁS →Los conciertos públicos y la expansión de la sinfonía
Los conciertos públicos se convirtieron durante el siglo XVIII en uno de los principales escaparates de la nueva vida musical urbana. Londres conoció ya desde 1672 las series de conciertos organizadas por John Banister, mientras Georg Philipp Telemann dirigió desde 1713 conciertos regulares en Fráncfort. También en Londres, las temporadas públicas de oratorios de Händel, iniciadas en 1732 y organizadas en teatros durante la Cuaresma, constituyeron otra importante manifestación de esta nueva cultura musical comercial, basada en el acceso de un público de pago. En París, los Concerts spirituels, fundados por Anne Danican Philidor en 1725, adquirieron una importancia excepcional: se celebraban inicialmente en los días de festividad religiosa en los que la Académie Royale de Musique permanecía cerrada y ofrecieron un espacio público para repertorios sacros, instrumentales y extranjeros al margen de los circuitos aristocráticos habituales.
Estas iniciativas adoptaron fórmulas económicas diversas, basadas principalmente en entradas, abonos o suscripciones, aunque podían contar también con el apoyo de mecenas aristocráticos o instituciones locales. En Leipzig, el Großes Concert, fundado en 1743 por una sociedad formada por nobles y ciudadanos, acabaría instalándose en 1781 en la sala de la Gewandhaus. Durante la segunda mitad del siglo, este modelo se extendió por numerosas ciudades europeas: en San Petersburgo se documentan conciertos públicos desde 1748 y series por suscripción desde 1769, mientras que en Madrid comenzaron a organizarse desde la década de 1760 y adquirieron mayor regularidad en los teatros durante las décadas finales del siglo. Crearon así nuevos espacios de encuentro entre grupos sociales diferentes: junto a músicos profesionales podían participar aficionados burgueses o aristócratas, mientras un público de pago adquiría una capacidad creciente para condicionar repertorios, intérpretes y modas.
El repertorio de estos conciertos fue muy variado e incluyó música vocal, sacra y virtuosística, pero favoreció especialmente la circulación internacional de nuevos géneros orquestales, entre ellos la sinfonía y la sinfonía concertante. La sinfonía procedía en buena medida de la sinfonia italiana de ópera, pero pronto adquirió autonomía y pudo adaptarse tanto a las orquestas de corte como a academias privadas y conciertos públicos. Su difusión fue extraordinaria: el catálogo de Jan LaRue registra más de 13.000 sinfonías del siglo XVIII, conservadas en fuentes procedentes de un territorio que se extiende desde Finlandia hasta Sicilia y desde Ucrania hasta Carolina del Norte. Los territorios de la monarquía de los Habsburgo constituyeron una de las áreas de producción más intensa, pero el género tuvo también centros fundamentales en Milán y el norte de Italia, Mannheim y otros territorios germánicos, París y Londres, además de una presencia significativa en España, los Países Bajos, Escandinavia, Polonia y Rusia.
Durante las últimas décadas del siglo, la creciente importancia de la sinfonía y de otros géneros instrumentales contribuyó además a transformar la propia manera de concebir la música. Una parte cada vez mayor del repertorio podía presentarse ante un público sin estar subordinada a un texto, una espectáculo de danza, una ceremonia o una representación teatral, y hacer de la escucha su función principal. Hacia 1800, los primeros escritores románticos convertirían esta autonomía de la música instrumental en un nuevo ideal estético y elevarían las sinfonías de Haydn, Mozart y, muy especialmente, Beethoven a una posición privilegiada.
La sinfonía entre cortes, academias y conciertos
La sinfonía, surgida principalmente de la sinfonia italiana de ópera y de otras tradiciones orquestales, adquirió durante el siglo XVIII una creciente autonomía y se adaptó a espacios y sistemas musicales muy diversos. Se interpretó en academias y conciertos urbanos, pero también en cortes, celebraciones y reuniones privadas. Esta versatilidad contribuyó decisivamente a su rápida difusión internacional.
El patronazgo aristocrático siguió desempeñando un papel fundamental, especialmente en los territorios germánicos. La célebre orquesta de Mannheim dependía del elector palatino, mientras Joseph Haydn compuso la mayor parte de sus sinfonías para la orquesta de los príncipes Esterházy. Estos modelos cortesanos convivieron, sin embargo, con el creciente mercado urbano y con otros ámbitos privados de práctica musical.
Las primeras sinfonías de Sammartini surgieron en el ambiente musical de Milán y alcanzaron una extraordinaria difusión manuscrita por Europa. Su producción constituye uno de los principales focos italianos en la temprana consolidación del género.
LEER MÁS →La orquesta cortesana de Mannheim fue una de las más admiradas de Europa por la disciplina y virtuosismo de sus músicos. Bajo Stamitz desarrolló una escritura orquestal especialmente dinámica que ejerció una importante influencia internacional.
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LEER MÁS →La eclosión de la ópera comercial
La expansión de los teatros públicos y de los nuevos públicos urbanos abrió durante el siglo XVIII alternativas al poderoso sistema institucional de la ópera seria y la tragédie en musique. Estos géneros seguían contando con el respaldo de las cortes, grandes teatros privilegiados y sectores aristocráticos, mientras otros empresarios y compañías debían desenvolverse en condiciones muy diversas: teatros públicos de menor rango, ferias, privilegios restringidos, impuestos y sistemas de taquilla. El crecimiento del mercado teatral favoreció formatos más económicos, próximos a las lenguas y asuntos locales y capaces de responder con mayor rapidez a los gustos del público.
En Italia, el primer género cómico de gran desarrollo fue la opera buffa. Surgida de la tradición de la comedia musical napolitana y de los intermezzi, encontró desde comienzos del siglo XVIII un espacio estable en teatros públicos como el Teatro dei Fiorentini, que se convirtió en uno de sus principales centros. Ambientadas con frecuencia en medios urbanos y cotidianos, estas obras emplearon inicialmente también el dialecto napolitano y ofrecieron una alternativa comercial a la ópera seria. Roma y, posteriormente, Venecia desempeñaron un papel decisivo en su italianización e internacionalización, especialmente gracias a la colaboración entre Baldassare Galuppi y Carlo Goldoni.
En Inglaterra, el extraordinario éxito de The Beggar’s Opera (1728) demostró las posibilidades económicas de un teatro musical en lengua inglesa basado en melodías preexistentes y destinado a un público mucho más amplio que el de la ópera italiana. Sus sesenta y dos representaciones durante la primera temporada constituyeron un éxito comercial sin precedentes y estimularon la producción de nuevas ballad operas. Su influencia alcanzó los territorios germánicos a través de adaptaciones como The Devil to Pay, favoreciendo el desarrollo del Singspiel, caracterizado por la alternancia de números musicales y diálogo hablado. Este género llegó incluso a ser promovido oficialmente por José II de Austria mediante el National-Singspiel, efímera compañía de ópera en lengua alemana, muestra de cómo las propias monarquías podían apropiarse también de las nuevas formas vernáculas.
El caso francés muestra con especial claridad la erosión de los antiguos monopolios teatrales. La Académie Royale de Musique poseía desde el siglo XVII el privilegio de los espectáculos cantados en francés, mientras la Comédie-Française controlaba el teatro hablado. Las compañías de las ferias de Saint-Germain y Saint-Laurent desarrollaron desde finales del siglo XVII todo tipo de estrategias para sortear estas restricciones y, en 1714, obtuvieron un privilegio para el espectáculo denominado opéra-comique. La propia Académie llegó a permitirles integrar el canto en sus funciones a cambio de una parte de sus ingresos, muestra de que su monopolio seguía existiendo jurídicamente pero resultaba cada vez más difícil de mantener en la práctica. Durante la década de 1750, la influencia de la ópera bufa italiana y la Querella de los Bufones favorecieron el paso desde los antiguos vaudevilles basados en melodías preexistentes hacia obras con música original. En 1762, el Teatro de la Opéra-Comique se integró finalmente en el sistema oficial como compañía real.
En España, la zarzuela y la ópera italiana patrocinadas por la monarquía coexistieron con una arraigada tradición de teatro público. Una figura especialmente representativa fue José de Nebra, músico de la Real Capilla pero también activo en los escenarios comerciales madrileños, donde estrenó zarzuelas en español como Vendado es amor, no es ciego (1744) o Iphigenia en Tracia [1747]. Su producción muestra cómo la tradición española de la zarzuela pudo adaptarse a los teatros públicos e incorporar al mismo tiempo numerosos recursos del lenguaje operístico italiano. Hacia mediados de siglo surgió además la tonadilla escénica, inicialmente ligada a los entreactos y posteriormente convertida en un género autónomo de enorme popularidad. Entre sus principales cultivadores figuraron Luis Misón, Pablo Esteve y Blas de Laserna, este último una de las figuras centrales de su etapa de madurez.
Estas formas vernáculas nacieron en contextos muy diversos y, salvo la ópera bufa, fueron inicialmente espectáculos de ambiciones musicales bastante más modestas que la ópera seria o la tragédie en musique. Sin embargo, el crecimiento de sus públicos, la profesionalización de sus compañías y la incorporación progresiva de música original elevaron rápidamente sus dimensiones artísticas. Como veremos en la Unidad 15, durante la segunda mitad del siglo algunos de estos géneros pasaron de ocupar espacios periféricos a competir directamente con las grandes tradiciones operísticas institucionales.
Tres vías hacia un nuevo teatro musical
Estos tres ejemplos muestran soluciones muy distintas a la búsqueda de un teatro musical más inmediato: la reutilización satírica de melodías conocidas en Londres, la comicidad cotidiana del intermezzo italiano y la sencillez melódica de inspiración italiana defendida por Rousseau en Francia. No forman una evolución lineal ni pertenecen al mismo género.
The Beggar’s Opera nació en un teatro comercial londinense; La serva padrona fue concebida como intermezzo dentro de una ópera seria; y Le Devin du village, estrenado ante la corte en Fontainebleau, muestra cómo los nuevos ideales de naturalidad y sencillez podían ser asimilados también por los espacios operísticos tradicionales.
Gay convirtió el mundo criminal londinense en materia de sátira y construyó los números cantados sobre melodías ya conocidas por el público, arregladas por Pepusch. La familiaridad musical reforzaba la comunicación inmediata y el carácter paródico de la obra.
Con solo dos personajes cantados y una acción doméstica, este intermezzo traslada al escenario conflictos cotidianos. Sus arias conservan convenciones de la opera seria, pero al servicio de una caracterización cómica mucho más directa.
Rousseau buscó una expresión deliberadamente sencilla y natural, influida por el estilo italiano. El éxito de la obra, estrenada ante Luis XV, muestra que estos nuevos ideales podían ser acogidos también por la propia corte.
Excelente aporte a la cultura y educación musical. Muchas gracias por compartir tu visión y conocimientos.
Hola Rafael. Antes de mi comentario, GRACIAS. Me ayudas mucho con tu blog. Es fresco, dinàmico, pedagògico e instructivo. En muchas ocasiones recurro a èl despuès de leer otros textos o artìculos màs densos y extensos, que no mejores, en busca de claridad. Por lo general funciona. Tiene un gran mèrito tu redacciòn y exposiciòn de los temas porque no es fàcil dentro de la vastìsima literatura que hay de los mismos, escoger los conceptos y los contenidos a exponer, sabiendo que no se abarca los temas en su plenitud.
Muchas gracias por el comentario Jesus Mari, tiene más valor teniendo en cuenta que consultas otras fuentes. Un abrazo!
En la etapa del Clasicismo es bastante curioso que la burguesía aparte de tener esa relevancia en el cambio social del momento tuviese esa relevancia en la música, dándole importancia a la música de cámara que ya existía desde el Renacimiento. Para este género uno de los compositores más destacados del momento era Joseph Hydn de Austria, que veía el cuarteto de cuerdas como grupo de cámara por excelencia (las obras que componía para cuarteto de cuerda constaban de 4 movimientos).
Sus composiciones para cuarteto de cuerda influyeron y fueron influidos por W.A Mozart, que era su compatriota. Posteriormente, Beethoven continuó componiendo cuartetos de cuerda alargando sus dimensiones pero a la vez manteniendo una pequeña esencia de un carácter íntimo propio de este género.
Un ejemplo de este género puede ser el cuarteto de cuerda en La mayor op.15 nº6 de François-Joseph Gossec en especial el 1er movimiento que es un Allegro. Se puede distinguir que el primer violín toca un papel más complicado que en esta etapa no tocaban los aficionados que se reunían para hacer música sino que normalmente pagaban a un instrumentista profesional para que tocase ese papel y ayudase a los músicos aficionados a mejorar su técnica. En este movimiento se pueden diferenciar que comienza con una exposición que se repite, la parte que la continua es el desarrollo que comienza con el Tema A en una tonalidad distinta y por último está la parte de la recapitulación en la que se interpretan el Tema A y el Tema B solo que el Tema A está en una tonalidad distinta a la principal y en el Tema B vuelve a la tonalidad principal hasta finalizar con una codetta.
Lo que más me ha llamado la atención del Clasicismo musical en general es la música de cámara y como se organizaban los músicos aficionados para interpretarla. A pesar de que hoy en día no se vea mucho que amigos o familiares que tengan afición por la música se reúnan y toquen en grupo esta tradición sigue ocurriendo solo que muchas menos veces y con música más actual.
El Clasicismo nace en un entorno social conflictivo, donde el afán por explicar todo mediante métodos científicos se impone cada vez más frente a las explicaciones ficticias de la iglesia, a este movimiento se le denominó ilustración. Es una época de constantes luchas entre la burguesía y la aristocracia ya que los primeros querían acabar con el Antiguo Régimen porque sufrían múltiples abusos de poder por parte de la aristocracia y no gozaban de los mismos derechos. En esta época Montesquieu propone la división de poderes y se crea la primera enciclopedia. La música de las clases burguesas como la música de cámara o la ópera popular cada vez tendrán más influencia en este periodo frente a la música aristocrática.
Ya desde el siglo XVI surgió, gracias a la imprenta, un nuevo mercado musical. Esto hizo posible que personas de la burguesía, con algo más de dinero, pudieran aprender a tocar instrumentos dando lugar a la música de cámara. Este nuevo género musical hizo que el bajo continuo decayese debido a que, por lo general, era bastante complejo para el nivel amateur de la mayoría de los burgueses, por lo que al no haber demanda empezó disminuir la oferta.
En el siglo XVIII se desarrolla la sinfonía gracias a la influencia de los conciertos públicos. Las sinfonías se veían como una representación de la sociedad. Las orquestas tocaban de tal manera que cada tipo de instrumento tenía un rol, por ejemplo, los instrumentos de metal podían ser cañones o los de madera caballos. Esto produce unas sensaciones que la ópera o los conciertos barrocos no lograban por culpa de la importancia del solista.
La Sinfonía nº45 de haydn llama especialmente la atención debido al mensaje de descontento que quiere dar al príncipe Esterhazy, que obligó a sus sirvientes a quedarse unos meses más en el palacio de campo sin poder ver a sus familias. En esta sinfonía sucede una escena en la que todos los instrumentistas se levantan quedando solo el concertino que representa al príncipe.
En la ópera se empezaron a utilizar diálogos hablados como en el caso de “Ópera del Mendigo” y recitativos entre aria como en “La selva padrona”. En esta última hay dos personajes, un hombre interpretando a huberto (bajo), y una mujer interpretando a Serpina (soprano).
Me ha sorprendido descubrir que el Clasicismo y la Ilustración estén relacionados entre sí. También que los géneros de Música de Cámara fuesen tan distintos a como lo son ahora. Ya que antes la gente se juntaba en sus casas para hacer música con sus amigos o familiares, y ahora es muy inusual que la gente (excepto estudiantes o profesionales de música) sepa tocar algún instrumento o lo haga en casa con amigos o que las familias concertasen citas para sus hijos con la excusa de tocar sonatas para violín (chicos) y piano (chicas). Otra cosa que me ha llamado la atención es la comparación de una orquesta sinfónica con una sociedad democrática, es decir, igualitaria. Por último, hablar sobre un último tema que me ha sorprendido que es cómo Haydn critica la decisión del príncipe de Esterházy de quedarse más tiempo en el palacio de verano mediante su sinfonía «Los Adioses». En cuanto a la ópera distinguir 2 tipos de óperas; serias (en Inglaterra) y bufa (en Italia). A su vez, las operas bufas se han ido desarrollando en Alemania (singspiel) y España (tonadilla).
1. El Clasicismo nace junto con el movimiento intelectual conocido como Ilustración, el cual se caracterizaba por el afán de buscar el sentido racional y científico de las cosa. El clasicismo , al igual que la Ilustración refleja un proceso social que está teniendo lugar en la base de la sociedad ,que es el enfrentamiento de la burguesía y la aristocracia. El clasicismo supone el triunfo de la manera de hacer música de las clases burguesas frente a los géneros aristocráticos
2. El bajo continuo decae debido a la progresiva popularización de la música de cámara que estaba compuesta para ser interpretada por aficionados, los cuales no tenían conocimientos suficientes para poder realizar la interpretación de un bajo continúo.
3. La sinfonía destaca por ser un género en el cual la orquesta es una agrupación en sí misma y no está diseñada para acompañar a solistas o cantantes. Se considera que la sinfonía es un género puro y que solo podemos disfrutar de él mediante la escucha.
4.Los músicos se fueron levantando durante el último movimiento y fueron abandonando el escenario para conseguir hacerle ver al príncipe el deseo de los músicos de volver a sus casas , ya que este había decidido alargar su estancia en su casa de campo.
5. En La serva padrona de Pergolesi se emplean recitativos entre aria y aria y en La ópera del mendigo se emplean los diálogos hablados
6. En La serva padrona cantan dos personajes : el burgués de Uberto que tiene voz del bajo y la criada que tiene voz de soprano
1. Estamos en la época de la Ilustración, donde la razón frente a la religión ocupa un papel predominante.Nace la primera Enciclopedia y se intenta acabar con el Antiguo Régimen, aboliendo los privilegios de la aristocracia y el absolutismo monárquico, como establece Montesquieu, respecto de la división de poderes. Es una época de tensiones sociales y luchas de clase entre burguesía y aristocracia, que culminará con la Revolución Francesa y el nacimiento de la democracia y el liberalismo. Respecto del Clasicismo musical, tambien supone el triunfo de la democracia y la burguesía, con el nacimiento de formas musicales nuevas y burguesas, que sustituyen a las anteriores, aristocráticas, como la ópera seria.
2. La música de cámara tuvo en la burguesía su público natural. Músicos amateur querían acceder a la interpretación musical doméstica, gracias a la expansión de las partituras impresas. La decadencia del bajo continuo obedece a ello, ya que exigía del aficionado un conocimiento de la armonía y un dominio de la improvisación fuera de su alcance, y se buscaba una melodía principal cantable, la regularidad de las frases musicales y la sencillez de la armonía, basada ahora más que nunca en las tres funciones básicas (tónica, dominante y subdominante).
3. La Sinfonía supone un ejemplo de democracia del público burgués, ya que se desarrolla en Conciertos públicos que sustituían a la Ópera seria que no se representaba en la Cuaresma. Todos los intérpretes son considerados como miembros de un ejército en plano de igualdad, dirigidos por el general. No existen jerarquías ni está al servicio de la aristocracia o de la Iglesia. Fue muy famosa la orquesta de Mannheim, por su disciplina, ya que parecía un ejército de generales.
4. La Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, Hoboken I/45, conocida como Sinfonía de los adioses, es una sinfonía del austríaco Franz Joseph Haydn, compuesta en 1772. Es un ejemplo de reivindicación social, ya que el músico, en esta época es considerado como un sirviente e incluso personal de servicio del príncipe Esterházy, patrón de Haydn, participaba en su interpretación. Se trata de una protesta contra la decisión del príncipe de permanecer en su residencia de verano un més más de lo previsto, lo que impedía a sus músicos tener vacaciones para ver a su familia en Viena. Con ese objetivo, Haydn estableción silencios sucesivos en las partituras de los músicos, de modo que recogían sus instrumentos e iban abandonando la sala según finalizaba su parte. Afortunadamente, el príncipe entendió las reivindicaciones y les concedió vacaciones.
5. En “La serva padrona” de Pergolesi, ejemplo de òpera buff a italiana, se pueden ver recitativos entre las arias. Los recitativos podían ser secos, con acompañamiento de clave, o acompañados de la orquesta.En “The Beggar’s opera”, (ballad opera), aparecen diálogos hablados, como en la tonadilla española o en el singspiel alemán. Todos estos géneros formaban la llamada ópera popular, en contraposición a la ópera seria, de carácter aristocrático y real, mucho más rica en recursos escénicos y de todo tipo que la otra, ya que estaba patrocinada por la burguesía y sometida al pago de impuestos y a su propia financiación.
6. En “La serva padrona” aparecen los siguientes personajes: Uberto, un solterón viejo (bajo bufo) Serpina, criada tirana de Uberto (soprano lírica) Vespone, sirviente mudo de Uberto (actor).Ello nos da una idea de la pobreza de medios: sólo dura 45 minutos y se representó como un intermedio en medio de una ópera seria.
1) El clasicismo en música, refleja al igual que la ilustración, un creciente enfrentamiento entre burguesía (que se encuentra en ascenso) y aristocracia. El periodo del Antiguo Régimen.
2) Porque la expansión de la música de cámara, practicada en las casas de la gente, requería pocas personas para ser interpretada, era un estilo más sencillo con una melodía principal y un acompañamiento armónico sencillo también.
3) La sinfonía nace de los conciertos públicos y se caracteriza por su transversalidad y sentido de democracia, ya que cada una de las secciones instrumentales cumplen su función, no hay solistas.
4) El príncipe quería retrasar su vuelta a Viena, pero esto molestaba a los criados, ya que se veían alejados de sus familias y deseaban volver. Haydn aprovechó su posición de cercanía con su patrón para, a través de su sinfonía, comunicarle el malestar de los sirvientes.
Al final de la sinfonía la música se detiene repentinamente y los músicos pasan a tocar un andante en La Mayor. Los intérpretes empiezan a abandonar la sala uno por uno hasta que finalmente solo quedan dos violines en una sala vacía, con los que concluye la obra.
El príncipe entendió el mensaje, y gracias a Haydn los sirvientes pudieron regresar a Viena.
5) Diálogos hablados: «La ópera del mendigo»
Recitativos entre aria y aria: «La serva padrona»
6) Dos personajes: el burgués de Uberto, que hace la voz de bajo y la criada Seprina, que hace la voz de soprano.
1) el clasicismo nació con el ascenso social de las clases medias, que aportaron nuevos valores e ideas. La burguesía ejerció una importante influencia en la evolución de los estilos musicales.
2) el bajo continuo comenzó a decaer cuando se empezó a popularizar la música de cámara. Esta música estaba ideada para ser interpretada por músicos amateur y por lo tanto no tenían los conocimientos necesarios para tocar un bajo continuo.
3) La sinfonía estaba concebida únicamente para ser disfrutada a través de la escucha.
4) En el último movimiento, los músicos se levantaron y fueron abandonando el escenario uno por uno. Con esto quisieron decirle al príncipe que querían regresar a sus casas, ya que su viaje se había alargado.
5) los recitativos entre arias se pueden ver en La serva padrona de Pergolesi y los diálogos hablados en La ópera del mendigo.
6) En La serva padrona intervienen solo dos personajes: el patrón, que tiene voz de bajo y su criada, con voz de soprano.
1.) Nace de la mano del Antiguo Régimen, promovido por los enfrentamientos de ideas entre los estamentos aristócratas y burgueses. Dicho choque de ideas afectará a la música del estilo Clásico.
2.) Porque nace la música de cámara, que la gente practicaba en sus casas. El bajo continuo era más complejo de crear e interpretar, así que pasó a un segundo plano ante la música de cámara.
3.) La sinfonía se nos presenta como una agrupación de músicos que destaca por ser un conjunto en sí mismo, no hay solista, cantantes… Se le considera un género de música pura que solo podemos disfrutar mediante la escucha.
4.) Un príncipe austriaco decide alargar su estancia de verano, lo que conllevaba alargar también la estancia de todos sus criados. Estos no estaban contentos con la decisión del príncipe, puesto que querían regresar a sus casas con sus familias. Es entonces cuando Haydn intenta convencer de volver al príncipe mediante el ultimo movimiento de la Sinfonía. El príncipe entonces entiende la situación y decide regresar.
5.) En “La serva padrona” de Pergolesi (recitativos entre arias) y en “La opera del mendigo” (diálogos hablados).
6.) El burgués Uberto ( hace de bajo) y la criada Seprina ( voz de soprano).
1) ¿En qué entorno social nace el estilo que conocemos como «Clásico»?
Nace en la época anterior a las revoluciones burguesas, conocida como Antiguo Régimen, caracterizada por el creciente enfrentamiento entre la aristocracia y la burguesía. La tensión económica y política entre los diferentes estamentos, sumado a la importancia que iba adquiriendo la burguesía en la sociedad, provocó el debate entre las ideas impuestas por los estamentos privilegiados y aquellas que surgieron, de manos de los burgueses, que pretendían restar poder a los privilegiados; debate durante el que nacería el estilo Clásico, y que se vería reflejado en su música.
2) ¿Por qué el bajo continuo decae con este nuevo estilo?
Porque, con él, surge la música de cámara, de carácter amateur, que hacían los músicos aficionados en sus casas (de ahí el nombre “música da camera”). Y fue precisamente esa posibilidad de practicarse de forma aficionada lo que impulsó este tipo de música, llevando a la decadencia al bajo continuo que, para practicarse, requería un cierto conocimiento y dominio de la armonía y la improvisación por parte del músico.
3) ¿Qué características tiene la sinfonía con respecto a otros géneros orquestales anteriores?
En la sinfonía, el conjunto de los músicos se muestra como un gran ejército, sin solistas, y el director como su general, una visión absolutamente democrática e igualitaria que no podía apreciarse en géneros como la ópera seria o el concierto barroco. Además, este género representa un estilo en el que se introdujeron también otro tipo de fórmulas de transversalidad social, como la participación de músicos aficionados burgueses junto a los profesionales en las orquestas. Por último, la sinfonía sería considerada como “música pura”, que sólo puede ser disfrutada a través de la escucha, debido a su carácter poco descriptivo o bailable.
4) ¿Cómo transmitió Haydn un mensaje a su patrón en la Sinfonía nº45?
Su patrón, un príncipe austríaco, había decidido alargar su estancia (y por tanto, la de todos sus sirvientes) en su residencia de verano, lo que no gustó a sus criados, que deseaban volver a Viena con sus familias. Por ello, Haydn aprovechó su relativa buena posición ante su patrón para transmitirle, mediante el último movimiento de esta Sinfonía, ese descontento y su deseo de regresar a casa. Al escucharlo, el príncipe captó el mensaje y decidió no postergar su regreso.
5) ¿En qué ópera de la Unidad se ve el empleo de diálogos hablados y en cuál se ve el empleo de recitativos entre aria y aria?
En “La ópera del mendigo”, una “ballad opera”, se emplean diálogos hablados; y en “La serva padrona”, de G. B. Pergolesi, aparecen recitativos entre aria y aria.
6) ¿Cuántos personajes distintos cantan en La serva padrona? ¿Qué voces tienen?
Únicamente cantan dos personajes: un patrón gruñón llamado Uberto, con voz de bajo; y su sierva mandona, Serpina, con voz de soprano.
1) ¿En qué entorno social nace el estilo que conocemos como «Clásico»?
El contexto social del clasicismo se basa en la época en las que las clases sociales estaban notablemente diferenciadas, y en ellas destacaban el nivel de privilegios que obtenían cada una. Esta época es también en la que nace la burguesía, esta es lo que mueve al movimiento ilustrado creando códigos culturales nuevos que influirían después en los estilos musicales. Por lo tanto se vivía en un enfrentamiento contra la aristocracia. Todo esto tuvo lugar en el siglo XVIII.
2) ¿Por qué el bajo continuo decae con este nuevo estilo?
El bajo continuo decae debido a la música de cámara, esto es un genero que nació en la burguesía y que se realiza con agrupaciones instrumentales o vocales con un numero de componentes pequeño. Este genero se caracterizaba por ser un estilo sencillo en el que predominaba una melodía principal con un acompañamiento armónico simple también, y en cambio, el bajo continuo exigía una armonía de alto nivel, al igual que el de la improvisación que les resultaba difícil a los compositores.
3) ¿Qué características tiene la sinfonía con respecto a otros géneros orquestales anteriores?
La sinfonía se caracteriza por la transversalidad social y por el sentido de la democracia, ya que no había ningún solista. También se caracteriza por percibirse como una música pura porque solo se necesita escucharla para disfrutarla, y esta fue la principal característica que le diferenciaba de los demás, ya que no fue creada para bailarla ni nada que no fuese escucharla.
4) ¿Cómo transmitió Haydn un mensaje a su patrón en la Sinfonía nº45?
El mensaje lo trasmitió retirando poco a poco a cada personaje del escenario, primero los de viento, después los de cuerda has ya que quedaron solamente dos violines, también se fue el director. Lo que quiere trasmitir es el descontento y el enfado de los sirvientes porque el príncipe Nikolaus Esterhazy les obligo a alejarse y distanciarse de sus familias durante un prolongado tiempo. El compositor y el príncipe eran amigos y fue a el al que iba dirigida esta obra también conocida como la Sinfonía de los adioses.
5) ¿En qué ópera de la Unidad se ve el empleo de diálogos hablados y en cuál se ve el empleo de recitativos entre aria y aria?
El dialogo hablado, aunque alternado con canciones populares se puede observar en la opera del mendigo, y el empleo de recitativos entre aria y aria lo podemos ver en laopera llamada La serva padrona, esta ultima es de Giovanni Battista Pergolesi y la anterior nombrada es de John Gay y Johann Christoph Pepusch
6) ¿Cuántos personajes distintos cantan en La serva padrona? ¿Qué voces tienen?
La escena esta compuesta por el patrón llamado Uberto que forma la voz de bajo y por Serpina que su voz es la del soprano y es una de sus sirvientas. Además, también esta Vespone que es otro sirviente pero que no canta.
1) ¿En qué entorno social nace el estilo que conocemos como «Clásico»?
Nace en una situación de ascenso progresivo de la burguesía y su consecuente tensión con las clases privilegiadas.Se enmarca todavía dentro del antiguo régimen(situación socio-económica de europa hasta las revoluciones liberales del sXIX).
2) ¿Por qué el bajo continuo decae con este nuevo estilo?
Debido a su complejidad de ejecución ya que la burguesía demandaba un estilo mucho más sencillo de interpretar para el músico amateur.
3) ¿Qué características tiene la sinfonía con respecto a otros géneros orquestales anteriores?
Este género se caracterizaba por la transversalidad social (debido a que en las orquestas había también musicos no profesionales del vulgo) y el sentido de democracia o ejercito(igualdad) ya que no había solista. Ademas logra concebirse como musica pura,entendida como aquella que solo necesita de la escucha para ser disfrutada.
4) ¿Cómo transmitió Haydn un mensaje a su patrón en la Sinfonía nº45?
Haydn transmite el descontento del los criados al principe haciendo que los músicos fuesen abandonando el lugar poco a poco hasta solo quedarse el concertino y su compañero.
5) ¿En qué ópera de la Unidad se ve el empleo de diálogos hablados y en cuál se ve el empleo de recitativos entre aria y aria?
Estas son «la ópera del mendigo» y «La serva padrona» respectivamente.
6) ¿Cuántos personajes distintos cantan en La serva padrona? ¿Qué voces tienen?
Solo 2: Uberto que es bajo y Serpina que es soprano.
7) ¿Tiene alguna relación la tonadilla con la zarzuela?
7) ¿Tiene alguna relación la tonadilla con la zarzuela?
Como definición (la zarzuela es teatro musical cantado con diálogos hablados) sí, pero el origen y la historia de la tonadilla es totalmente independiente tanto de la zarzuela barroca del siglo XVII como de la zarzuela romántica de mediados del XIX. La zarzuela en sí no fue un género que fuera cultivado de forma continua desde el siglo XVII al XIX, sino que son dos fenómenos distintos con la misma denominación.
En el antiguo régimen, en el cual la sociedad se organizaba en los siguientes estamentos.
-Con privilegios: Rey, alta y pequeña nobleza, y alto y bajo clero.
-Sin privilegios: Siervos y campesinos.
En este entorno social también nace la burguesía.
El principal responsable de su decadencia fue la música de cámara, ya que el bajo continuo exigía un gran conocimiento de la armonía y grandes dotes de improvisación, mientras que esta música se basaba en la sencillez de la armonía y regularidad de frases musicales.
La sinfonía respecto a otros géneros tiene la diferencia de que llego a ser música pura, es decir, música instrumental no descriptiva ni bailable únicamente concebida para disfrutarla a través de la escucha.
Haydn quiso mandarle el mensaje a su patrón de que los siervos y músicos se querían ir a sus casas y lo transmitió con una escena bastante curiosa, los instrumentos de viento se fueron levantando uno a uno hasta que solo quedaron instrumentos de cuerda, luego el violonchelo prosiguió la escena con un solo cambiando la tonalidad a Fa # menor, a medida que seguía la obra los músicos se siguieron yendo, incluso el director, hasta que solo quedaron dos violines.
En la ópera del mendigo se ve la utilización de diálogos hablados pero con la alternancia de canciones populares de la época.
El empleo de recitativos entre aria y aria se hace en la ópera de “La serva padrona”, estas arias siguen una estructura da capo.
Principalmente cantan dos: La criada Serpina, quien desde muy pequeña está al cuidado de la casa de Uberto, un rico burgués.
Serpina hace la voz soprano y Uberto el bajo.
1- Este movimiento nace entre un creciente enfrentamiento entre la burguesía y la aristocracia. hasta que llegan todas las revoluciones liberales,damos el caso de la Revolución Francesa, en Europa se vivía como lo que se conoce actualmente como antiguo régimen. Donde la economía la política y el sistema jurídico estaba dividida en clases sociales. La nobleza y el clero manejaba y recibían el dinero de la burguesía y los campesinos pagaban a través de los impuestos.
2- Porque les parecía bonito en aquella época, que el violín (en este caso: sonata para violín y piano ) toque la melodía superior de la música para tecla, no para piano porque en esa época no había pianos, pero si para clavicémbalo, que tocaba la parte completa de tecla, esta manera de tocar era mucho más sencilla porque realmente el violín no estaba puesto gran cosa y la escritura era muchísimo más clara y fácil.
3- La sinfonía nace en los conciertos públicos. En la época se habló mucho sobre si las orquestas o las sinfonías representaban una manera ideal de sociedad. Por qué en la época, que una orquesta no está acompañando a un solista, a un/a cantante coma sino para tocar como algo organizado en sí mismo, pues siempre se aprecia esa sensación de democracia o ejército, por su buena organización. Donde cada uno de los instrumentos en cada una de las secciones cumplen con su función, en un ejército, los violines con la infantería los metales con las de iria, y quizás las maderas son la caballería, y todas ellas dijera por un general en este caso un director de orquesta, que podía dirigir desde el clavicémbalo o desde el violín primero. Esto da una sensación de sociedad igualitaria, que algo que por ejemplo a ópera o los conciertos barrocos era difícil de hacer porque siempre había un solista.
4- Al final de la Recapitulación, la obra se detiene por sorpresa y da paso a un plácido Andante en La mayor sin ninguna relación a lo anterior a partir del Desarollo, los músicos comienzan a abandonar la sala uno tras otro. Cuando ya no quedan instrumentos de viento, un solo contrabajo conduce la obra a la tonalidad de fa sostenido mayor. La obra concluye con dos violines en medio de una sala vacía.
5- La ballad opera se canta en inglés y tiene partes habladas.
La tonadilla también es con partes habladas y cantadas en español.
La opera comique, es también cantada y hablada pero en este caso en francés.
Y singspiel es también cantada y hablada pero de estilo alemán.
A diferencia de la ópera buffa qué es toda cantada y es de estilo italiano.
6- En » La Serva Padrona » ( Pergolesi ), hay dos personajes un hombre mayor ( un padre ) con la voz de bajo, y lo que podría ser su hija con una voz de soprano.
1) ¿En qué entorno social nace el estilo que conocemos como «Clásico»?
Es un estilo que refleja ,al igual que la Ilustración, un creciente enfrentamiento entre la aristocracia y la burguesía.
Hasta que llegan las Revoluciones a Europa, se vive con el Antiguo Régimen, donde la sociedad, la economía e incluso la justicia estaba articulada a diferentes clases sociales, donde la burguesía no tenía sitio en la sociedad y sus ideas no tenían éxito debido al poder de la aristocracia.
A partir del siglo XVIII, y para evitar que se rompiera La Paz social, los aristócratas producen un acercamiento con la burguesía, y así hay un mayor éxito en cuanto a la música realizada por los burgueses.
2) ¿Por qué el bajo continuo decae con este nuevo estilo?
El bajo continuo va a decaer con el estilo clásico, debido al nacimiento de varios estilos, principalmente el de la música de cámara, que era un estilo que nace en la burguesía con carácter amateur que los jóvenes practicaban en sus casas.
La música de cámara se basaba en texturas, melodías muy sencillas, ya que su interpretación era bastante fácil, esto va a hacer que la complejidad del bajo continuo no tenga sitio en este estilo.
Además la sencillez del nuevo estilo es el responsable del nacimiento del término despectivo «barroco»
3) ¿Qué características tiene la sinfonía con respecto a otros géneros orquestales anteriores?
La sinfonía que originalmente es el modelo italiano de obertura de ópera, es un genero que nace en los conciertos públicos, representaban un ideal de igualdad y democracia, por su organización, sencillez, sentido igualitario.
En las últimas décadas del siglo XVIII, este estilo fue considerado «música pura», ya que era únicamente destinada para la escucha, y no para el baile y demás.
4) ¿Cómo transmitió Haydn un mensaje a su patrón en la Sinfonía nº45?
Se escribe en un contexto social donde Haydn era músico del príncipe Esterhazy, que era tan poderoso que tenía varios palacios, uno para invierno, y otro para verano.
Sin embargo un año se quiso quedar unos meses más en el palacio del campo ( el del verano), entonces a todos sus sirvientes les sentó muy mal, porque así no verían a sus familias hasta un mes más tarde, entonces Haydn escribe esta sinfonía para mostrar y comunicar al príncipe el enfado de todos sus sirvientes en palacio, como se muestra además en la interpretación de la sinfonía donde todos los músicos se levantan, menos el concertino y su compañero de atril.
5) ¿En qué ópera de la Unidad se ve el empleo de diálogos hablados y en cuál se ve el empleo de recitativos entre aria y aria?
El de diálogos se muestra en la «Ópera del Mendigo», y el que utiliza recitativos entre aria y aria, es el de «La selva padrona».
6) ¿Cuántos personajes distintos cantan en La serva padrona? ¿Qué voces tienen?
Se muestran dos personajes principales que son:
-Uberto, con voz de bajo
– Serpina, sirviente de Uberto con voz soprano.
Además de Vespone, que no canta en escena.
Carmen Torrejón Villarrubia
1. ¿En qué entorno social nace el estilo que conocemos como «Clásico»?
En el s. XVIII nació un enfrentamiento entre la burguesía y la aristocracia.
En el s. XVIII, hasta que llegan todas las revoluciones liberales, se vivía con el antiguo régimen donde la economía, la política y el sistema jurídico estaba dividido en clases sociales: la nobleza y el clero manejaban y recibían el dinero que la burguesía y los campesinos pagaban a través de los impuestos.
El enfrentamiento entre la burguesía y la aristocracia no es por medio de una guerra o algo similar. La monarquía y la aristocracia poco a poco aceptan las ideas de la burguesía para mantener la paz entre la sociedad luego la burguesía siente cada vez más poder social.
En relación con la música, el clasicismo es un avance de la forma de hacer música de la burguesía frente a la de la aristocracia.
2. ¿Por qué el bajo continuo decae con este nuevo estilo?
La música de cámara es un género musical que nació en la burguesía y que se refiere a pequeñas agrupaciones instrumentales y/o vocales que se expresan en un ambiente doméstico.
El nacimiento de este género supuso la decadencia del bajo continuo debido a las exigencias armónicas e improvisadoras que este suponía a los nuevos compositores burgueses, los cuales no tenían esos conocimientos. Por ello, estos compositores optaron por un estilo más sencillo donde predomina una melodía principal cantable con un acompañamiento armónico muy simple (tónica, dominante y subdominante).
3. ¿Qué características tiene la sinfonía con respecto a otros géneros orquestales anteriores?
La sinfonía es un nuevo género que supuso una transversalidad social ya que muchos de los músicos eran empleados o sirvientes que hacían papeles secundarios para dar apoyo a los papeles principales (desarrollados por músicos profesionales).
En las últimas décadas del s. XVIII este estilo alcanzó su madurez siendo a mitad del s. XIX considerado “música pura”, es decir, música destinada únicamente a ser disfrutada a través de la escucha, sin bailes ni descripciones.
4. ¿Cómo transmitió Haydn un mensaje a su patrón en la Sinfonía nº45?
Haydn era músico sirviente del príncipe Esterházy, el cual tenía un palacio para invierno (Viena) y otro para verano (en el campo). Una temporada el príncipe decidió quedarse un mes más en el palacio de verano, los empleados se lo tomaron mal porque se iba a retrasar el ver a sus familias. Haydn, que era muy querido por el príncipe, escribió esta sinfonía para comunicarle el malestar de todos los empleados. El príncipe lo entendió perfectamente y no retrasó la vuelta a Viena.
5. ¿En qué ópera de la Unidad se ve el empleo de diálogos hablados y en cuál se ve el empleo de recitativos entre aria y aria?
Diálogos hablados:
– “La ópera del mendigo” – John Gay & Johan Christoph Pepusch.
Recitativos entre aria y aria:
– “El adivino de la aldea” – Jean-Jacques Rousseau
– “La serva padrona” – Giovanni Battista Pergolesi.
6. ¿Cuántos personajes distintos cantan en La serva padrona? ¿Qué voces tienen?
– Uberto, un hombre viejo: bajo bufo.
– Serpina, su doncella: soprano.
– Vespone, su sirviente: mimo.
1-.
El Clasicismo se enmarca dentro del contexto sociopolítico y económico de la Ilustración (s. XVIII). Este movimiento ideológico se basaba en la revisión sistemática y científica de los hechos, e influirá en la múscia, dotándola de ese carácter sencillo, didáctico y dirigido al público. Dentro de este contexto también se incluye la creciente tensión entre burgesía y aristrocracia por el mantenimiento del Antiguo Régimen.Este modelo social, establece estamentos privilegiados y no privilegiados, con tratamiento jurídic, político y económico diferente. De est amanera, la aristocracia se mostrará más abierta hacia la burguesía. Esto resultará también en un estilo burgués de entender y componer la música, lo que se conocerá como estilo clásico
2-.
El nacimiento de la música de cámara, interpretada habitualmente en las casas burguesas a nivel amateur, conllevará la extinción de la fórmula del bajo continuo. Esto se debe a que el bajo continuo requiere de unos conocimiento armónicos e improvisatorios fuera del alcance del nivel amateur de los intérpretes burgueses.
3-
La sinfonía (originalmente el modelo italiano de obertura de ópera) representa no solo un símbolo de democracia al establecer pasajes en los que destaca cada una de las secciones, sino que será la fórmula predilecta de composición para los conciertos públicos. Además, recoge el concepto de «música pura», pues era únicamente instrumental y no se traba de una danza, por lo que estaba diseñada para ser disfrutada mediante la escucha.
4-.
Durante su estancia en el palacio de verano, el príncipe Nikolaus Esterhazy, decidió alargar su viaje, obligando a todos sus sirvientes a permanecer alejados de sus familias hasta que acabase su estancia. Esto causó un gran descontento que Haydn comunicó en la conocida «sinfonía de los adioses», pues conforme avanza la pieza los intérpretes van abandonando el escenario dejando solo al concertino y su compañero de atril.
5-.
En «La ópera de mendigo» de John Gay y Johann Christoph Pepusch, perteneciente al género de la «ballad opera», se aprecian diálogos hablados. En otros géneros como la tonadilla española, la «opera comique» francesa y el «singspiel» alemán también se realizaban este tipo de diálogos. Por otro lado «La serva padrona» de Pergolesi se trata de una «opera buffa», en la que los diálogos eran recitativos, siendo el único de estos géneros enteramente cantando
6-.
En la escena se puede apreciar al patrón, Uberto, que tiene voz de bajo y a Serpina, a sirvienta de Uberto,que tiene voz de soprano. También podemos ver a Vespone, otro sirviente de Uberto, pero que no interviene cantando en escena.
7-.
Tengo curiosidad también por saber más sobre la tonadilla española1-.
1.- ¿En que entorno social nace el estilo que conocemos como clásico?
El estilo clásico nace en el s. XVIII bajo la influencia del movimiento ilustrado, en un entorno social de transformación del antiguo régimen, en el que la sociedad experimentó la aparición de clases medias urbanas portadoras de nuevos valores e ideas, basados en la razón, el mérito y la justicia. Esta transformación, inspiró profundos cambios sociales, siendo la Revolución Francesa, uno de los más dramáticos. En este ambiente de cambio, se desarrollaron nuevos código culturales que ejercieron una decisiva influencia en la evolución de los estilos musicales y que la historiografía musical ha englobado dentro del concepto Clasicismo
2.- ¿Por qué el bajo continuo decae con este nuevo estilo?
El auge y popularidad de la música de cámara entre una burguesía expansión, su público natural, motivo su adaptación a las características de este público. El bajo continuo que exigía del aficionado un conocimiento de la armonía y un dominio de la improvisación fuera de su alcance, lo que motivo la decadencia del bajo continuo y condujo al nacimiento del denominado estilo clásico, un estilo caracterizado por la preponderancia de una melodía principal cantable, la regularidad de las frases musicales y la sencillez de la armonía, basada en las tres funciones básicas (tónica, dominante y subdominante).
3.- ¿Qué características tiene la sinfonía con respecto a otros géneros orquestales anteriores?
El nacimiento y desarrollo de la sinfonía están íntimamente ligados al auge de los conciertos públicos en la Europa del siglo XVIII, cuyo modelo original se basa en el sostén de asociaciones filarmónicas (sociedades, amigas de la música cuyas orquestas participaban músico profesionales junto a aficionados burgueses).
La madurez de este género se alcanza a finales del siglo XVIII , convertiría la sinfonía un una de las máximas expresiones de lo que se conoció como “música pura“. Es decir, música instrumental no descriptiva ni bailable concebida únicamente para ser disfrutada a través de la escucha. Un paradigma nuevo tanto con respecto al pitagórico como al retórico.
4.- ¿Cómo transmitió Haydn un mensaje a su patrón en la sinfonía número 45?
Esta sinfonía fue escrita para el príncipe Nikolaus Esterházy, durante una estancia en la que Haydn y sus músicos permanecieron en el palacio de verano por un periodo de tiempo más largo de lo esperado, manteniendo a la mayoría de los músicos separados de sus familias. En el último movimiento de la sinfonía, Haydn envió sutilmente un mensaje a su patrón instándole a dejarles volver a casa. Durante el adagio final cada músico deja de tocar, apaga la vela de su atril y se va en orden, dejando al final solo dos violines tocados con sordina (tocados por el propio Haydn y el concertino, Alois Luigi Tomasini). El príncipe debió captar mensaje ya que los músicos regresaron a casa al día siguiente.
5.- ¿En qué ópera de la unidad se ve el empleo de diálogos hablados y en cual se ve el empleo de recitativos entre aria y aria?
En la ópera del mendigo, (obra fundacional de la Ballad opera inglesa), el diálogo hablado se alterna con canciones populares.
En la ópera “La serva padrona”, que dio origen a la ópera Bufa italiana, destaca el empleo de recitativos (que es una forma a medio camino entre la recitación y el canto) entre aria y aria.
6.- ¿Cuántos personajes distintos cantan en “Serva padrona” y que voces tienen?
La ópera la serva padrona, tiene 2 personajes que cantan: un solterón viejo (bajo bufo) y Serpina, la criada tirana de Uberto (soprano lírica). Hay un tercer actor, Vespone, sirviente mudo de Uberto (actor), que no canta.
7.- ¿Qué dudas te han quedado de la unidad?
Tengo curiosidad por conocer que popularidad tuvo la tonadilla en la España de la época.
El Clasicismo tiene su origen en el S. XVIII, una época en la que había mucha distinción entre clases sociales. Nace en un entorno burgués, ya que la burguesía fue el principal motor del movimiento ilustrado. La burguesía desarrolló nuevos códigos culturales que tuvieron una importante influencia en los estilos musicales.
En este nuevo estilo se experimenta la decadencia del bajo continuo debido a que era una técnica compleja que exigía un buen conocimiento de la armonía y un gran dominio de la improvisación. El estilo clásico se caracteriza por tener una melodía principal muy cantable, regularidad en sus frases y una armonía basada principalmente en la tónica, la dominante y la subdominante.
La característica principal de la sinfonia es que es un género que se presenta como una idea de sociedad igualitaria, a diferencia de otros estilos que eran más elitistas como el concierto barroco.
Haydn quiso mandarle a su patrón el mensaje de que dejase a sus siervos y a sus músicos volver a sus casas. Esto lo hizo creando un final muy particular en la obra. La música va disminuyendo hasta que solo quedan dos violines tocando. Además los músicos salen de escena.
Dentro de las óperas vistas en la unidad, encontramos operas donde hay diálogos hablados como «La ópera del mendigo» (de John Gay y Johann Christoph Pepusch) y óperas en las que hay recitativos entre aria y aria, como «La selva padrona» (de Giovanni Battista Pergolesi).
En «La serva padrona» hay dos personajes principales: un señor (señor burgués, patrón…) que hace la voz del bajo y una sirvienta que le contesta haciendo la voz soprano.
Me ha parecido muy interesante como hacían antiguamente para que se conociesen los jóvenes jajajaja, lo que mas me ha llamado la atención ha sido como utilizo Haydn la sinfonía para transmitirle al príncipe la queja de sus compañeros y que el lo entendiese perfectamente. Tengo una duda, no me queda claro porque decae el bajo continuo.
Me ha gustado como has adaptado tus explicaciones para que todos podemos acceder a ellas en estos momentos. Gracias!
El clasicismo nace en un contexto en el que las clases sociales estaban muy diferenciadas y no todos gozaban de los mismos privilegios. En este periodo nace la burguesía, que intenta el ascenso de las clases medias, del pueblo.
El bajo continuo decae con este nuevo estilo porque requería de un amplio conocimiento de la armonía y de la improvisación, y el estilo clásico se caracterizaba por su simpleza armónica y su regularidad de frases musicales, con una melodía principal cantable.
La sinfonía representa un ideal de sociedad, no estaban diseñadas para acompañar, da una sensación de democracia, de ejército en el que todo está organizado, todas las secciones cumplen su función. Representa una sociedad igualitaria, a diferencia de la ópera seria y del concierto barroco, en el que esta función era difícil porque siempre había un solista.
Haydn era uno de los muchos sirvientes del poderoso príncipe Nikolaus Esterházy de Viena. Dado su poderío tenía diferentes palacios para las diferentes estaciones del año. En una ocasión el príncipe decidió quedarse en su casa de campo más tiempo de lo normal, decisión que sus sirvientes no recibieron con buen gusto, ya que sus familias residían en Viena. Para comunicarle esto a Nikolaus, Haydn, con el que no se llevaba del todo mal, compuso su sinfonía nº 45, donde expresaba su malestar. Al escucharla, el príncipe entendió su situación y volvieron a Viena.
En la ballad inglesa, en el singspiel alemán, en la tonadilla española y en la ópera comique francesa había partes habladas entre arias, existía el diálogo, mientras que la buffa italiana era toda cantada.
En ‘La serva padrona’ de Pergolesi intervienen dos personajes cantando, un hombre mayor con la voz de bajo y su hija como soprano.
No se si la película de Eroica es fiel al relato de la vida del maestro Beethoven, pero si por algún casual tiene un mínimo de parecido, ya tengo Heroe.
Siempre que hablamos del inicio del Clasicismo nos viene a la cabeza Haydn y Mozart, me ha resultado sorprendente descubrir otros compositores que no había escuchado como Gossec, Sammartini, Stamitz, y sobre todo descubrir que Rousseau también fue compositor además de filósofo ilustrado (la mayoría le conocemos por El Contrato Social).
Esta música es muy transparente, muy clara, las estructuras son muy fáciles de oír y comprender, además la armonía también es comprensible, con modulaciones muy naturales. Me parece una música muy natural y bella de escuchar.
Como siempre, una unidad muy interesante!
Un resumen de ideas, auditivo y visual, fantástico, como siempre. Muchas gracias. Un detalle, el álbum de Petra y Bezuidenhout en Spotify con las sonatas de Mozart para fortepiano y violín me encanta😀!
De alguna manera el volver a expresar a través de la música (exclusivamente, sin texto) unos hechos o paisajes o sensaciones, etc. (léase la sinfonía heroica de Beethoven recreando la batalla o el entierro) refuerza la música en contraposición a toda forma de teatro musical (opera por ej.). Aunque en lecciones anteriores hemos visto como Vivaldi con sus 4 estaciones ya apunta esta forma de componer es en el clasicismo donde se desarrolla. Es relevante ver como los personajes que escuchan el estreno de la obra de Beethoven en el palacio se emocionan con lo que están escuchando, incluso hasta el Conde más reacio a aceptar aquello como una sinfonía.
Acabo de encontrar tu página y me parece magnífica, tiene mucho mérito que compartas tus conocimientos. Muchas gracias
Gracias, Carmen, espero que te sea de utilidad.
Reflejo del cambio de los tiempos es que la música tan elaborada del barroco parece desaparecer casi completamente llevándose consigo formas e instrumentos.
Muy interesante como se refleja en la música, la transición del antiguo régimen absolutista y de mezenazgo de los aristócratas a los nuevos tiempos revolucionarios y de auge de la burguesía.
En cuanto a la ópera bufa, continúa con la tradición de la ópera veneciana sin solución de continuidad o es un nuevo movimiento?
Lo ópera «veneciana» evoluciona durante la segunda mitad del siglo XVII a lo ancho de toda Italia (aunque especialmente en Nápoles) hasta transformarse en lo que conocemos como ópera «seria».
La ópera bufa es un fenómeno nuevo, con centro igualmente en Nápoles. Se origina en forma de intermedios para amenizar los entreactos de una ópera seria, pero posteriormente se independiza y realiza un recorrido propio con alcance internacional.