La música en la primera mitad del siglo XX: vanguardismo y cultura de masas

Las grandes revoluciones científicas de principios del siglo XX, encabezadas por figuras como Max Planck, Marie Curie, Albert Einstein, Santiago Ramón y Cajal, y Sigmund Freud, transformaron radicalmente sus respectivos campos y sentaron las bases de la ciencia moderna. Estos avances, que incluyeron el desarrollo de la teoría cuántica, la relatividad, la radiactividad, la neurociencia moderna y el psicoanálisis, marcaron el inicio de una nueva era de conocimiento y cambiaron profundamente nuestra comprensión del universo y de nosotros mismos. La confianza en el progreso y la tecnología propia de la época, junto con un cierto agotamiento de las estructuras sociomusicales heredadas del siglo XIX, impulsó en la música un deseo de emular los avances científicos mediante la exploración de nuevos espacios sonoros y de tomar la delantera a su tiempo a través de propuestas vanguardistas.

En la Unidad 24 veremos surgir al Impresionismo musical como la primera vanguardia histórica en la música, como la culminación de la aspiración de Francia por desarrollar una identidad musical propia que pudiera rivalizar con el modernismo germánico. Claude Debussy emergió como el principal articulador de las inquietudes latentes en la música francesa, desarrollando un lenguaje modernista basado en las escalas y los modos, tomando inspiración de tradiciones orientales como el gamelán de Java, y reaccionando de forma instintiva contra las formas y los valores de la música germánica.

Mientras tanto, Viena se convirtió en otro foco vanguardista, esta vez articulado en torno a Arnold Schönberg y sus discípulos. Bajo el paraguas de la estética expresionista, iniciaron una revolución musical radical fuera de los circuitos convencionales que analizaremos en la Unidad 25. En 1908, Schönberg y su círculo rompieron con la tonalidad tradicional, estableciendo así una nueva dirección en la música del siglo XX que se enfrentó a la incomprensión del público y fue anatemizada desde diferentes posiciones musicales e ideológicas.

En la Unidad 26 veremos cómo durante las primeras décadas del siglo XX, Italia experimentó una profunda crisis política y social que eventualmente condujo al ascenso del fascismo. En este contexto, una generación de músicos nacidos en la década de 1880, conocida como la generazione dell’Ottanta, combatió la hegemonía secular de la ópera en la música italiana al tiempo que el verismo y compositores como Giacomo Puccini lograban los últimos grandes triunfos internacionales de la ópera italiana. Inspirados en el futurismo, músicos como Alfredo Casella buscaron forjar una identidad musical italiana moderna, que eventualmente se canalizó hacia el neoclasicismo, una corriente que combinó la modernidad con una reinterpretación de las formas clásicas y fue una fuerza hegemónica entre los modernismos musicales del periodo de entreguerras.

El nacionalismo musical del siglo XX concurrió a menudo con los incipientes estudios etnomusicológicos para alcanzar una representación fidedigna de las tradiciones folclóricas nacionales, alejándose de las desviaciones romantizantes del siglo XIX. Veremos en la Unidad 27 cómo este enfoque fue fundamental para que compositores como el húngaro Béla Bartók, y obras como La consagración de la primavera (1913) de Ígor Stravinski, pudieran hacer del folclore la base para una revolución musical, fusionando lo tradicional con lo moderno de manera innovadora. Basándose en presupuestos similares, Manuel de Falla y otros compositores de su generación lograron introducir la música española en los circuitos internacionales, incorporando elementos del folclore nacional de una manera fiel y libre de clichés. En un sentido análogo obraron autores como Carlos Chávez y Silvestre Revueltas con respecto a la música mexicana, Heitor Villa-Lobos con respecto a la brasileña, o George Gershwin y Aaron Copland con respecto a la estadounidense.

La I Guerra Mundial supuso un quiebre definitivo con las estéticas románticas, que fueron reemplazadas por el culto a la máquina y la modernidad, la revalorización de los impulsos primarios y el jazz. Las primeras décadas del siglo trajeron también el redescubrimiento de la música antigua, gracias a la labor de pioneros de la interpretación de la música antigua como Henri Casadesus o Wanda Landowska. En la Unidad 28 veremos cómo este cambio de paradigma convergió durante el periodo de entreguerras en el neoclasicismo, corriente de amplio espectro estilístico al que se adhirieron, en distinto grado, figuras como Stravinski, Paul Hindemith, Manuel de Falla o el propio Schönberg. La creciente polarización política, tensionada por los extremos del comunismo bolchevique y los fascismos, contribuyó también a enrarecer los debates musicales, señalando determinados estilos como impuros y degenerados.

Finalmente, en la Unidad 29 veremos cómo las nuevas tecnologías del sonido, como el fonógrafo, la radio y el cine sonoro, revolucionaron la difusión musical a principios del siglo XX, posibilitando el desarrollo de una cultura de masas a un nivel sin precedentes. En el ámbito musical, esto se tradujo en la globalización de fenómenos locales ligados a la tradición oral y la improvisación, como el jazz y el flamenco, que encontraron audiencias en todo el mundo. Estas tecnologías también permitieron el nacimiento de las primeras estrellas de la canción popular, como Enrico Caruso en la ópera, Bessie Smith en el blues, Carlos Gardel en el tango o Imperio Argentina en la copla andaluza, invirtiendo las jerarquías sociomusicales tradicionales, dominadas por la figura del compositor, y convirtiendo al intérprete carismático en el protagonista de una nueva industria musical.