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Categoría: romanticismo

La música en la era de las revoluciones liberales, la Revolución Industrial y los nacionalismos.

  • De Weber y Halévy al Rienzi de Wagner

    Richard Wagner – Rienzi

    Pocas obras de Richard Wagner han suscitado valoraciones tan extremas y contradictorias como Rienzi. Poco después de su estreno (1842), Eduard Hanslick la consideró «lo más fino logrado en la grand opéra en los últimos doce años», mientras que Gustav Mahler llegó a definirla como «el drama musical más grande jamás compuesto». Con el paso del tiempo, sin embargo, el propio Wagner terminó excluyéndola del canon de Bayreuth, llegando a confesar en sus últimos años que el marcado tono militarista de la obra le resultaba «repugnante».

    Con motivo de la primera presentación de Rienzi en el Festival de Bayreuth de 2026, este artículo ofrece una guía para comprender la obra desde sus principales claves históricas, literarias y musicales. El recorrido se completa con los análisis de las oberturas de Der Freischütz, La Juive y Rienzi, que permiten escuchar algunas de las influencias y procedimientos compositivos presentes en la partitura.

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  • La canción iberoamericana (2): la ópera y el teatro musical

    Teatro musical en Iberoamérica

    Este segundo artículo de la serie dedicada a la canción iberoamericana está centrado en el desarrollo del teatro musical en el continente durante el siglo XIX, entendido como un ámbito que impulsó el desarrollo de circuitos profesionales y contribuyó decisivamente a definir de modelos estilísticos y sonoros que influirían en la evolución posterior de la canción.

    Atenderemos diversas facetas relativas a la implantación de la ópera en Cuba y en los nuevos estados iberoamericanos nacidos tras los procesos independentistas, así como a la difusión y el arraigo de la zarzuela española y a su progresiva transformación en distintos contextos nacionales, para finalizar con el estudio del surgimiento de géneros autóctonos dentro y fuera del molde zarzuelístico.

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  • La canción iberoamericana (1): música de salón, modinhas y habaneras

    Canción iberoamericana – siglo XIX

    Este artículo inaugura una serie dedicada a la canción iberoamericana. En esta primera entrega, se abordará la canción de salón del siglo XIX. A partir del análisis de sus contextos de producción —los salones, la edición musical, los circuitos urbanos—, se aborda géneros como la habanera o la modinha, poniéndolos en relación con las transformaciones sociales de su tiempo.

    Asimismo, se examina el papel de la música de salón para piano y guitarra en la fijación de estos repertorios y en la progresiva construcción de identidades musicales, anticipando desarrollos que serán tratados en entregas posteriores.

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  • Medievalismo y wagnerianismo en el Requiem de Dvořák

    Antonín Dvořák – Réquiem op. 89

    El Réquiem en Si♭ menor, op. 89 de Antonín Dvořák , estrenado en 1891, constituye una de las cumbres del repertorio sinfónico-coral de la segunda mitad del siglo XIX. Obra de vastas proporciones y marcada ambición arquitectónica, en ella el compositor articula una profunda meditación sonora sobre la muerte mediante una síntesis entre tradición litúrgica y lenguaje tardorromántico, superando el marco nacional característico de buena parte de su producción.

    En esta entrada abordaremos las circunstancias de su gestación y sus fundamentos teológicos, y analizaremos la organización global de sus materiales y los principales procedimientos estructurales —motívicos, armónicos y simbólicos— que vertebran sus trece movimientos.

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  • Recapitulaciones y leitmotivs en El anillo del nibelungo (más una propuesta didáctica)

    Wagner – Siegfried, escena de los enigmas

    En esta entrada proponemos un material didáctico que nos permita adentrarnos en uno de los momentos más fascinantes de El anillo del nibelungo de Richard Wagner: la escena de los enigmas del primer acto de Siegfried. En ella, el herrero nibelungo Mime y el Viandante —Wotan disfrazado— se enfrentan en un duelo verbal de preguntas y respuestas. Esta escena, aparentemente ligera, es en realidad una magistral recapitulación de lo acontecido (y escuchado) en las dos primeras jornadas del ciclo: El oro del Rin y La walkyria.

    Si en este artículo ofrecimos un análisis de las fuentes literarias de esta magna obra y de su adaptación a los propósitos narrativos y filosóficos de Wagner, en esta entrada proponemos un planteamiento esencialmente lúdico diseñado específicamente para el medio escolar.

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  • Historia del cuarteto de cuerda (III): el impulso de la periferia

    Cuarteto de cuerda en la periferia europea

    El prestigio de la cultura germánica y de sus principales emblemas —entre ellos, la música instrumental y, en particular, la música de cámara— convirtió el cuarteto un vehículo privilegiado de afirmación cultural entre las clases burguesas internacionales durante las décadas finales del siglo XIX. Así, y pese al estancamiento creativo en el ámbito austro-germánico, el cuarteto de cuerda experimentó una notable revitalización, impulsada desde ámbitos periféricos.

    En este tercer artículo de la serie dedicada al cuarteto de cuerda estudiaremos, aparte de estos fenómenos, la proliferación de sociedades de música de cámara, agrupaciones profesionales y cuartetos estables, desde Rusia hasta los Estados Unidos, así como la paulatina incorporación de la mujer en una práctica históricamente reservada a varones.

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  • Historia del cuarteto de cuerda (II): el legado beethoveniano

    Cuarteto de cuerda en el siglo XIX

    Durante el siglo XIX, el cuarteto de cuerda se consolidó como género central de la música de cámara. La huella dejada por Beethoven, tanto en el plano compositivo como en la recepción crítica, marcó el rumbo de la creación en el ámbito germánico, al tiempo que proliferaron los conciertos públicos de cámara y se intensificó la actividad editorial. Convertido en emblema de la música absoluta, el cuarteto convivió, no obstante, con repertorios más ligeros concebidos para el ámbito doméstico.

    En este segundo artículo (de cinco) dedicado a la historia del cuarteto de cuerda, estudiaremos el periodo comprendido entre Beethoven y Brahms, atendiendo tanto a los cambios en la práctica interpretativa y en los modos de circulación del repertorio como a los discursos estéticos que acompañaron su canonización.

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  • Romeo y Julieta de Chaikovski: música programática y nacionalismo musical ruso

    Chaikovski – Romeo y Julieta, poema sinfónico

    La influencia de Liszt en la música rusa del siglo XIX se manifestó en el ámbito pianístico y en el compositivo. Por un lado, los recitales ofrecidos durante la década de 1840 propiciaron un salto evolutivo en la escuela pianística rusa. Por otro, su posición como teórico y valedor de la música programática, así como sus propios poemas sinfónicos —compuestos mayormente entre 1848 y 1858— ejercieron una notable influencia en la producción sinfónica rusa de la segunda mitad del siglo.

    En esta entrada analizaremos el poema sinfónico Romeo y Julieta (1869/1880) de Piotr Ílich Chaikovski , en relación con estas cuestiones, enmarcándolas en el contexto de las tensiones existentes entre las corrientes cosmopolitas y eslavófilas que marcaron la música rusa de la época.

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  • Polkas, valses y cuadrillas: el baile de salón en el Romanticismo

    Música de baile romántica – Johann Strauss

    A lo largo del siglo XIX, las orquestas de baile desempeñaron un importantísimo rol en la vida social europea. Figuras como Josef Lanner (1801–1843) y Johann Strauss padre (1804–1849) fueron pioneros en la composición e interpretación de música específicamente dirigida al baile, sacando esta profesión del anonimato, dotándola de renombre y entidad propia, y definiendo las características de la música de baile del periodo romántico.

    En esta entrada realizaremos un recorrido por los bailes de salón del Romanticismo centroeuropeo, estudiando diversos ejemplos musicales —valses, polcas y galops— y analizando en detalle la Cuadrilla de Orfeo (Orpheus-Quadrille, op. 236) de Johann Strauss hijo , basada en temas de Jacques Offenbach .

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  • El coro en las óperas de Verdi como emblema del Risorgimento italiano

    Verdi – coros del Risorgimento italiano

    Al término de las guerras napoleónicas, la ópera italiana vivió una serie de transformaciones impulsadas por cambios en la organización social del teatro y por la creciente politización en torno a la unidad nacional. La ópera integró mensajes alineados con los ideales patrióticos y revolucionarios, y el coro adquirió un papel central como vehículo de expresión colectiva, reflejando las aspiraciones políticas del público.

    Este artículo analizará estos procesos a través de tres coros extraídos de sendas óperas de Verdi compuestas durante la década de 1840: Nabucco , Ernani y Macbeth , algunos de los cuales llegaron a convertirse en emblemas del anhelo de unificar Italia en un solo estado, un proceso que culminó en la fundación del Reino de Italia en 1861.

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