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Categoría: sociologia

  • La canción iberoamericana (1): música de salón, modinhas y habaneras

    Canción iberoamericana – siglo XIX

    Este artículo inaugura una serie dedicada a la canción iberoamericana. En esta primera entrega, se abordará la canción de salón del siglo XIX. A partir del análisis de sus contextos de producción —los salones, la edición musical, los circuitos urbanos—, se aborda géneros como la habanera o la modinha, poniéndolos en relación con las transformaciones sociales de su tiempo.

    Asimismo, se examina el papel de la música de salón para piano y guitarra en la fijación de estos repertorios y en la progresiva construcción de identidades musicales, anticipando desarrollos que serán tratados en entregas posteriores.

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  • Decadentismo, homosexualidad y forma musical en la Sinfonía nº6 de Chaikovski

    Piotr Ílich Chaikovski – Sinfonía nº 6 «Patética»

    Las sinfonías de Piotr Ílich Chaikovski —especialmente las tres últimas— se han mantenido durante más de un siglo y hasta nuestros días entre las páginas más populares del gran repertorio sinfónico. Pese a ello, la música chaikovskiana ha soportado una tradición crítica que ha menospreciado tanto su concepción formal como el protagonismo que la melodía ejerce dentro de su estilo musical.

    En este artículo discutiremos los vínculos entre la obra chaikovskiana, el decadentismo y la homosexualidad en el contexto del fin de siglo XIX tomando como referencia su última sinfonía —la Sinfonía nº 6, «Patética»— y analizando en detalle el primero de sus cuatro movimientos. También discutiremos algunas célebres tesis emitidas acerca de estos temas por dos influyentes musicólogos del siglo XX: Theodor Adorno y Susan McClary.

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  • Feminismo y zarzuela (II): el reverso frívolo

    La mujer en los géneros frívolos – teatro musical español

    La zarzuela compitió a lo largo de su historia con diversas formas de comedia musical regidas por una moral sexual mucho más laxa que la descrita en el primer artículo dedicado al Feminismo y la Zarzuela. Géneros como el teatro bufo, las variedades o la revista, que en su día se consideraron ajenos —e incluso hostiles— con respecto a la zarzuela, han acabado siendo englobados bajo este término, entendido como sinónimo de teatro musical cantado con diálogos hablados.

    En este segundo artículo realizaremos un recorrido por los géneros frívolos del teatro musical español, destacando el rol jugado por la mujer, así como su posicionamiento con respecto a la moral sexual.

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  • La música que todo el mundo debería conocer: el canon musical

    Canon musical occidental – construcción histórica

    El canon musical clásico —entendido como un repertorio musical legitimado en términos críticos e ideológicos en el contexto de la cultura occidental— ha condicionado nuestro conocimiento de la historia de la música a través de un círculo vicioso según el cual la musicología estudiaba preferentemente los autores y las obras consagradas, y a la vez estos autores y obras quedaban consagrados gracias a su estudio musicológico.

    Ante este círculo vicioso, son muchos los representantes de la Nueva Musicología que han planteado la necesidad de indagar hasta qué punto autores como Bach, Beethoven o Schönberg ocupan una posición dominante por sus propios méritos o también gracias a un complejo sistema de construcción del conocimiento histórico que ha mostrado un notable desinterés por gran parte de la música producida en sus respectivos periodos y ha sido codificado desde perspectivas históricas limitadas o ideológicamente sesgadas. En este artículo haremos honor a las premisas enunciadas en la Introducción a nuestra Historia de la Música , indagando acerca de la construcción de los cánones musicales —como listas de estilos, obras y autores—, sus premisas y motivaciones, dentro y fuera del ámbito «clásico».

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  • Feminismo y zarzuela (I): la mujer en la zarzuela

    La mujer en la zarzuela y el teatro musical español

    La ópera —como el teatro, o el cine— ha constituido, a lo largo de varios siglos, un fiel registro de las inquietudes de cada época, así como un reflejo en forma de arquetipo de las relaciones entre clases sociales y géneros. La primacía absoluta de las divas y las prime donne en la ópera romántica, o de las primeras tiples y las vedettes en la zarzuela y otros espectáculos anejos, eclipsa a menudo el desigual reparto de roles —con desventaja para ellas— subyacente entre los géneros masculino y femenino, tanto desde el punto de vista social como el puramente dramático.

    En este primer artículo —de una serie de tres— iniciaremos un recorrido por el teatro musical español de la segunda mitad del siglo XIX y las primeras décadas del XX a través del rol de la mujer, en el que realizaremos una primera caracterización del rol de la mujer y la moral sexual en la zarzuela, tomando para ello como referencia el reflejo de estos mismos aspectos en otras formas de teatro musical europeas del mismo periodo.

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  • Empleo del «double-time feel» en «My funny Valentine» de Miles Davis (1956)

    Miles Davis Quintet – Cookin’

    El double-time feel (DTF) es un recurso rítmico consistente en generar una sensación subjetiva de aceleración del tempo que ha sido empleado en el ámbito de distintas músicas urbanas del siglo XX (jazz, rock, pop, especialmente).

    Como continuación de nuestro artículo dedicado a la canción «My funny Valentine» , analizaremos en esta ocasión la aplicación de este efecto rítmico en un registro de este standard firmado por Miles Davis Quintet, con el propósito de indagar en sus repercusiones formales y estéticas.

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  • Una breve historia de la música zíngara

    Música zíngara y violinistas gitanos de Hungría

    Por música zíngara entendemos la música de los gitanos de Hungría y algunas regiones limítrofes. Caracterizada por un inconfundible exotismo (debido en gran medida a la escala húngara) y por un endiablado virtuosismo instrumental, la música zíngara ha constituido desde sus orígenes un territorio dominado por violinistas que llevaron su instrumento al límite de sus posibilidades, causando la admiración de cuantos pudieron disfrutar de su arte.

    Así, si Franz Liszt alabó el arte incomparable de János Bihari (1764-1827), Jascha Heifetz declaró a Grigoraș Dinicu (1889-1949) el mejor violinista del mundo, mientras otro gran violinista del siglo XX, el británico Yehudi Menuhin, acudió siempre que pudo al club de Bruselas donde actuó durante años su admirado Roby Lakatos (1965).

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  • Third Stream, la utopía de una música sin fronteras

    Third stream: jazz y música clásica

    Definida por Gunther Schuller —su más entusiasta ideólogo y promotor— como «un nuevo género de música situada a medio camino entre el jazz y la música clásica» (The Future of Form in Jazz, 1957), la tercera corriente (third stream) ha recorrido ya medio siglo de historia sin haber resuelto aún muchas de las dudas planteadas acerca de su naturaleza y razón de ser.

    Con este propósito, proponemos al lector un breve recorrido a través de este oscuro objeto de deseo, tan manoseado como amenazado por la sombra de la intrascendencia, tantas veces olvidado como recuperado… la tercera corriente.

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  • Alan Lomax y el proyecto cantométrico

    Proyecto cantométrico de Alan Lomax

    En este artículo abordamos el ámbito que en esta web hemos denominado Primera Edad de la música. Es decir, el de las músicas de tradición oral desarrolladas a lo largo y ancho del mundo en ausencia de la existencia de notación musical o de las modernas tecnologías del sonido, y que han ido desapareciendo a un ritmo escalofriante durante el siglo XX bajo el efecto de la globalización y la producción musical a escala industrial propias de nuestro tiempo.

    Abordamos este apasionante recorrido asistidos por el proyecto cantométrico de Alan Lomax —uno de los más grandes hitos de la etnomusicología del siglo XX— y de la valiosísima recopilación de registros musicales realizada por Peter Kennedy —colaborador de Lomax—, para ilustrar las técnicas empleadas en dicho estudio y para formar a los etnomusicólogos en el dominio de dichas técnicas.

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  • Sociología de la orquesta

    Itay Talgam – liderazgo y dirección orquestal

    En el inspirador y brillante análisis recogido en este vídeo, el director de orquesta israelí Itay Talgam estudia el estilo de algunos de sus más prestigiosos colegas (Karajan, Bernstein, Kleiber, Muti…) desde el punto de vista del liderazgo y de la dinámica de grupos. Su charla parte del concepto de «control» — el modo en el cual el director ejerce un liderazgo efectivo sobre la orquesta— para introducir de forma progresiva cuestiones que ponen en evidencia algunos fundamentos sociológicos de la orquesta, y que la retratan bien como encarnación de un modelo despótico y autoritario, bien como encarnación de un modelo democrático y participativo.

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