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Categoría: Discología

  • El rock and roll y la gran transformación de la industria musical

    Elvis Presley – rock and roll

    La irrupción del rock and roll como fenómeno de masas a mediados de los años 1950 fue el resultado de una reconfiguración del mercado radiofónico y discográfico y trajo consigo el auge de nuevas formas de consumo y la redefinición del público juvenil como un sector clave para la cultura popular . La radiofórmula, la expansión de la televisión y la invención de los transistores modificaron la manera en que la música llegaba a los oyentes, mientras que figuras como Elvis Presley y Chuck Berry se convirtieron en símbolos de una nueva era.

    En esta entrada exploraremos estos cambios en relación con varios elementos clave del R&B, desde el boogie-woogie hasta la emergencia del rock and roll como fenómeno de masas.

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  • El buey sobre el tejado de Milhaud y el origen de la samba brasileña

    Samba brasileña y modernismo – Le boeuf sur le toit

    La samba (término masculino en portugués) se convirtió, desde la década de 1930, en el principal emblema musical de Brasil. Al igual que otros géneros musicales como el jazz, el son cubano, la cumbia o el tango, la samba es el resultado de complejos procesos de hibridación de rasgos musicales americanos, africanos y europeos, y su emergencia a escala global fue posible gracias a la expansión de los medios de comunicación de masas (disco, radio, cine sonoro) y al desarrollo de una economía global de la música popular.

    En esta entrada estudiaremos los orígenes de la samba brasileña tomando como hilo conductor Le boeuf sur le toit (El buey sobre el tejado, 1920) del francés Darius Milhaud , obra orquestal emblemática del espíritu cosmopolita y modernista de los felices años veinte y que recopila no menos de 24 sambas, tangos, tanguinhos y machichas de tempranos representantes de estos géneros, como Ernesto Nazareth o Marcelo Tupinambá .

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  • Estilo y recepción de Carmina Burana, la obra coral más popular del siglo XX

    Carmina Burana – Carl Orff

    Con más de sesenta registros discográficos comerciales, una abundante presencia en bandas sonoras de películas y anuncios de televisión, y cientos de representaciones en todo el mundo cada año, Carmina Burana se ha convertido en la obra sinfónico-coral más popular del siglo XX. Comúnmente despreciada por un influyente sector de la crítica, los ataques vertidos contra ella y su autor al término de la Segunda Guerra Mundial son en sí mismos un revelador testimonio de los dogmas del discurso vanguardista de la posguerra.

    En esta entrada exploraremos las coordenadas estilísticas e ideológicas de esta obra, prestando atención a su génesis, su lenguaje armónico y su recepción.

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  • Jesucristo Superstar y el nacimiento del musical rock

    Hair y el nacimiento del musical rock

    El estreno en 1967 del musical Hair de Galt McDermott supuso el nacimiento del «musical rock», pero también un fenómeno social que sacudió el debate público y tuvo efectos colaterales imprevistos como la supresión definitiva de la censura teatral en el Reino Unido y Australia. Como reflejo y bandera de la cultura juvenil del momento —en particular, el movimiento hippie—, Hair abrió la puerta a otros espectáculos con elementos narrativos y espirituales similares, como Jesus Christ Superstar [1970/71] de Andrew Lloyd Webber y Godspell [1971] de Stephen Schwartz.

    En esta entrada estudiaremos las circunstancias del nacimiento del musical rock comparando entre sí estas tres obras de referencia del género, y analizando con un mayor detalle la de Lloyd Webber.

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  • Kind of Blue y el nacimiento del jazz modal

    Miles Davis – Kind of Blue

    La sesión de estudio ocupa en la producción jazzística una posición central desde los tiempos del disco de 78 rpm. Durante los primeros tiempos, y aún durante los años 50 y 60, la sesión constituyó una unidad de producción per se, capaz de abastecer uno o varios discos de 78 rpm, o incluso LPs, cuya ensamblaje y comercialización corría después a cargo de la discográfica, de acuerdo con sus políticas comerciales.

    En esta entrada estudiaremos el rol fundamental jugado por el estudio de grabación en el nacimiento del denominado jazz modal, tomando como ejemplos varias pistas de uno de sus álbumes fundamentales, Kind of Blue [1959] —el álbum de jazz acústico más vendido de todos los tiempos—: «So What», «Blue in Green» y «Flamenco Sketches».

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  • La interpretación chopiniana según Raoul Pugno

    Raoul Pugno – tradición interpretativa chopiniana

    Raoul Pugno, discípulo de Georges Mathias —a su vez discípulo de Chopin—, es autor de dos documentos de valor excepcional para el estudio histórico de la interpretación: por un lado, unas Leçons écrites publicadas en 1909, en las que aporta instrucciones detalladas para la interpretación de un conjunto de obras chopinianas conforme a una tradición supuestamente auténtica; por otro, el registro fonográfico (1903) del Nocturno op. 15 nº 2, obra incluida en dichas leçons.

    Partiendo de estos documentos, esclareceremos el sentido de la fuente escrita con respecto a la fuente sonora y valoraremos en qué medida contribuye a precisar las intenciones interpretativas del autor (versión completa del artículo publicado en la revista digital AV Notas del Conservatorio Superior de Música «Andrés de Vandelvira» de Jaén).

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  • La música que todo el mundo debería conocer: el canon musical

    Canon musical occidental – construcción histórica

    El canon musical clásico —entendido como un repertorio musical legitimado en términos críticos e ideológicos en el contexto de la cultura occidental— ha condicionado nuestro conocimiento de la historia de la música a través de un círculo vicioso según el cual la musicología estudiaba preferentemente los autores y las obras consagradas, y a la vez estos autores y obras quedaban consagrados gracias a su estudio musicológico.

    Ante este círculo vicioso, son muchos los representantes de la Nueva Musicología que han planteado la necesidad de indagar hasta qué punto autores como Bach, Beethoven o Schönberg ocupan una posición dominante por sus propios méritos o también gracias a un complejo sistema de construcción del conocimiento histórico que ha mostrado un notable desinterés por gran parte de la música producida en sus respectivos periodos y ha sido codificado desde perspectivas históricas limitadas o ideológicamente sesgadas. En este artículo haremos honor a las premisas enunciadas en la Introducción a nuestra Historia de la Música , indagando acerca de la construcción de los cánones musicales —como listas de estilos, obras y autores—, sus premisas y motivaciones, dentro y fuera del ámbito «clásico».

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  • Revoluciones tecnológicas del siglo XX: la cinta magnetofónica y la edición sonora

    Cinta magnetofónica y tecnologías del sonido

    La evolución de la música del siglo XX ha estado marcada por el desarrollo de nuevas tecnologías del sonido que han alterado profundamente nuestra forma de producir, escuchar y entender la música. El sonido grabado ha permitido el desarrollo de tradiciones aurales —como el jazz o el rock—, cuyo aprendizaje se basa principalmente en la escucha y no en la notación, y que, a diferencia de las tradiciones «orales», se fundamentan en el contacto indirecto a través de las grabaciones.

    Entre todas estas tecnologías, la cinta magnetofónica ocupa una posición histórica especial, al ser la primera herramienta empleada de forma sistemática para editar el sonido —cortar, pegar, mezclar—. Este hecho no solo posibilitó grabaciones de una perfección técnica inédita, sino que dio lugar a una forma autónoma de creación musical ligada a la figura del productor musical.

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