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Categoría: historia

  • De Weber y Halévy al Rienzi de Wagner

    Richard Wagner – Rienzi

    Pocas obras de Richard Wagner han suscitado valoraciones tan extremas y contradictorias como Rienzi. Poco después de su estreno (1842), Eduard Hanslick la consideró «lo más fino logrado en la grand opéra en los últimos doce años», mientras que Gustav Mahler llegó a definirla como «el drama musical más grande jamás compuesto». Con el paso del tiempo, sin embargo, el propio Wagner terminó excluyéndola del canon de Bayreuth, llegando a confesar en sus últimos años que el marcado tono militarista de la obra le resultaba «repugnante».

    Con motivo de la primera presentación de Rienzi en el Festival de Bayreuth de 2026, este artículo ofrece una guía para comprender la obra desde sus principales claves históricas, literarias y musicales. El recorrido se completa con los análisis de las oberturas de Der Freischütz, La Juive y Rienzi, que permiten escuchar algunas de las influencias y procedimientos compositivos presentes en la partitura.

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  • La canción iberoamericana (3): la era del cine y la radio

    Canción iberoamericana – era industrial

    Este tercer artículo de la serie dedicada a la canción iberoamericana aborda el momento en que la canción entró plenamente en la era de la cultura de masas y la industria del espectáculo, convirtiéndose entre las décadas de 1920 y 1970 en un fenómeno articulado por la radio, el disco, el cine sonoro y los nuevos mercados transnacionales.

    Se abordarán aquí las principales fases de esa transformación: desde la consolidación de los derechos de autor y la expansión de los medios de comunicación de masas hasta la formación de un star system continental, el auge de las orquestas de baile, la hegemonía del cine musical y la circulación panlatina de repertorios que culminaría en nuevas síntesis internacionales como la bossa nova y los lenguajes afrocaribeños precursores de la salsa.

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  • La canción iberoamericana (2): la ópera y el teatro musical

    Teatro musical en Iberoamérica

    Este segundo artículo de la serie dedicada a la canción iberoamericana está centrado en el desarrollo del teatro musical en el continente durante el siglo XIX, entendido como un ámbito que impulsó el desarrollo de circuitos profesionales y contribuyó decisivamente a definir de modelos estilísticos y sonoros que influirían en la evolución posterior de la canción.

    Atenderemos diversas facetas relativas a la implantación de la ópera en Cuba y en los nuevos estados iberoamericanos nacidos tras los procesos independentistas, así como a la difusión y el arraigo de la zarzuela española y a su progresiva transformación en distintos contextos nacionales, para finalizar con el estudio del surgimiento de géneros autóctonos dentro y fuera del molde zarzuelístico.

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  • La canción iberoamericana (1): música de salón, modinhas y habaneras

    Canción iberoamericana – siglo XIX

    Este artículo inaugura una serie dedicada a la canción iberoamericana. En esta primera entrega, se abordará la canción de salón del siglo XIX. A partir del análisis de sus contextos de producción —los salones, la edición musical, los circuitos urbanos—, se aborda géneros como la habanera o la modinha, poniéndolos en relación con las transformaciones sociales de su tiempo.

    Asimismo, se examina el papel de la música de salón para piano y guitarra en la fijación de estos repertorios y en la progresiva construcción de identidades musicales, anticipando desarrollos que serán tratados en entregas posteriores.

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  • Tiempo y forma en el Concierto para violín de Francisco Coll

    Francisco Coll – Concierto para violín

    La música de Francisco Coll (Valencia, 1985) ha sido descrita con frecuencia por la crítica como un territorio de intensos contrastes: una escritura de gran energía rítmica y aspereza tímbrica que convive con momentos de lirismo oscuro y de refinada sensualidad sonora. En ella confluyen materiales muy diversos —ecos de tradiciones históricas, referencias veladas o estructuras ocultas— integrados en un lenguaje contemporáneo de fuerte personalidad.

    El presente artículo propone un análisis del Concierto para violín (2019), una de las obras orquestales más ambiciosas del compositor hasta la fecha, atendiendo especialmente a los procesos formales y temporales que organizan su discurso. El estudio se ha beneficiado asimismo de diversos intercambios con el propio compositor.

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  • Medievalismo y wagnerianismo en el Requiem de Dvořák

    Antonín Dvořák – Réquiem op. 89

    El Réquiem en Si♭ menor, op. 89 de Antonín Dvořák , estrenado en 1891, constituye una de las cumbres del repertorio sinfónico-coral de la segunda mitad del siglo XIX. Obra de vastas proporciones y marcada ambición arquitectónica, en ella el compositor articula una profunda meditación sonora sobre la muerte mediante una síntesis entre tradición litúrgica y lenguaje tardorromántico, superando el marco nacional característico de buena parte de su producción.

    En esta entrada abordaremos las circunstancias de su gestación y sus fundamentos teológicos, y analizaremos la organización global de sus materiales y los principales procedimientos estructurales —motívicos, armónicos y simbólicos— que vertebran sus trece movimientos.

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  • Disminuciones y diferencias: la improvisación instrumental renacentista

    Diego Ortiz – Tratado de glosas

    La improvisación desempeñó un papel central en la música instrumental del Renacimiento, como ya lo había hecho en la Edad Media. El desarrollo de la imprenta musical en el siglo XVI impulsó, no obstante, la publicación de numerosos tratados y tablaturas destinados a enseñar a los aficionados los secretos de este arte, hasta entonces transmitido principalmente por vía oral. Gracias a estas ediciones — dirigidas a un público culto y cada vez más numeroso—, la práctica de la improvisación pasó del ámbito estrictamente profesional a los espacios domésticos, convirtiéndose en un rasgo definitorio de la cultura musical europea de la época.

    En este artículo estudiaremos las principales modalidades de improvisación renacentista, desde la invención libre del tiento o la fantasía hasta las formas basadas en la variación, siguiendo el hilo que une la glosa, la disminución y las diferencias. Tomaremos como eje el Tratado de glosas (1553) de Diego Ortiz , y lo pondremos en diálogo con la obra de otros maestros ibéricos como Antonio de Cabezón , Luis de Milán o Luis de Narváez .

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  • Los orígenes del coral luterano en cinco melodías y arreglos

    Coral luterano – Vox Luminis

    El coral luterano, o Cantionalsatz, constituye uno de los pilares musicales de la liturgia protestante: un arreglo a cuatro voces en el que la melodía principal, situada en la voz superior, es entonada por la congregación. Su origen se remonta al impulso reformador de Martín Lutero , que en las primeras décadas del siglo XVI sentó las bases de un repertorio común, formado a partir de fuentes diversas, como himnos gregorianos y canciones populares, así como de nuevas composiciones.

    Este artículo estudiaremos el origen del coral luterano trazando el rastro de cinco de estas melodías y de sendas armonizaciones y arrelgos firmados por autores como Claude Goudimel , Lucas Osiander , Michael Praetorius , Jacob Praetorius y Hans Leo Hassler .

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  • La chanson franco-flamenca en los manuscritos y en las cortes

    Chanson cortesana del siglo XV

    La chanson fue uno de los ejes de la vida musical cortesana del siglo XV: música de cámara y ritual social cortesano, practicada tanto por nobles como por capillas profesionales, y difundida sobre todo en cancioneros manuscritos que oscilan entre el objeto de lujo y ostentación y las copias de trabajo de las capillas. La tensión entre lo popular y lo culto, lo accesible y lo complejo, la participación vocal y la instrumental, y el vaivén entre ocio privado y representación pública definieron su perfil.

    En este artículo situamos la chanson en su contexto cortesano y repasamos su transmisión antes de la imprenta. A modo de muestra del repertorio, analizamos tres obras representativas del género firmadas por Gilles Binchois , Guillaume Dufay y Johannes Ockeghem .

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  • Recapitulaciones y leitmotivs en El anillo del nibelungo (más una propuesta didáctica)

    Wagner – Siegfried, escena de los enigmas

    En esta entrada proponemos un material didáctico que nos permita adentrarnos en uno de los momentos más fascinantes de El anillo del nibelungo de Richard Wagner: la escena de los enigmas del primer acto de Siegfried. En ella, el herrero nibelungo Mime y el Viandante —Wotan disfrazado— se enfrentan en un duelo verbal de preguntas y respuestas. Esta escena, aparentemente ligera, es en realidad una magistral recapitulación de lo acontecido (y escuchado) en las dos primeras jornadas del ciclo: El oro del Rin y La walkyria.

    Si en este artículo ofrecimos un análisis de las fuentes literarias de esta magna obra y de su adaptación a los propósitos narrativos y filosóficos de Wagner, en esta entrada proponemos un planteamiento esencialmente lúdico diseñado específicamente para el medio escolar.

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