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Categoría: Artículo

  • Historia del cuarteto de cuerda (II): el legado beethoveniano

    Cuarteto de cuerda en el siglo XIX

    Durante el siglo XIX, el cuarteto de cuerda se consolidó como género central de la música de cámara. La huella dejada por Beethoven, tanto en el plano compositivo como en la recepción crítica, marcó el rumbo de la creación en el ámbito germánico, al tiempo que proliferaron los conciertos públicos de cámara y se intensificó la actividad editorial. Convertido en emblema de la música absoluta, el cuarteto convivió, no obstante, con repertorios más ligeros concebidos para el ámbito doméstico.

    En este segundo artículo (de cinco) dedicado a la historia del cuarteto de cuerda, estudiaremos el periodo comprendido entre Beethoven y Brahms, atendiendo tanto a los cambios en la práctica interpretativa y en los modos de circulación del repertorio como a los discursos estéticos que acompañaron su canonización.

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  • Historia del cuarteto de cuerda (I): origen y consolidación

    Orígenes del cuarteto de cuerda – siglo XVIII

    El cuarteto de cuerda se consolidó en el siglo XVIII como el género de música de cámara más prestigioso de su tiempo. Tras unos oscuros orígenes, su difusión fue impulsada por la industria editorial y el crecimiento de la burguesía, propiciando su consolidación, hasta cristalizar —al final del siglo— en un incipiente repertorio canónico centrado en la obra de Haydn y Mozart.

    En este primer artículo (de cinco) dedicado a la historia del cuarteto de cuerda, trataremos los orígenes de este género y las condiciones sociales y tecnológicas que lo situaron en poco tiempo como uno de los géneros más emblemáticos de la música occidental.

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  • El rock and roll y la gran transformación de la industria musical

    Elvis Presley – rock and roll

    La irrupción del rock and roll como fenómeno de masas a mediados de los años 1950 fue el resultado de una reconfiguración del mercado radiofónico y discográfico y trajo consigo el auge de nuevas formas de consumo y la redefinición del público juvenil como un sector clave para la cultura popular . La radiofórmula, la expansión de la televisión y la invención de los transistores modificaron la manera en que la música llegaba a los oyentes, mientras que figuras como Elvis Presley y Chuck Berry se convirtieron en símbolos de una nueva era.

    En esta entrada exploraremos estos cambios en relación con varios elementos clave del R&B, desde el boogie-woogie hasta la emergencia del rock and roll como fenómeno de masas.

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  • Romeo y Julieta de Chaikovski: música programática y nacionalismo musical ruso

    Chaikovski – Romeo y Julieta, poema sinfónico

    La influencia de Liszt en la música rusa del siglo XIX se manifestó en el ámbito pianístico y en el compositivo. Por un lado, los recitales ofrecidos durante la década de 1840 propiciaron un salto evolutivo en la escuela pianística rusa. Por otro, su posición como teórico y valedor de la música programática, así como sus propios poemas sinfónicos —compuestos mayormente entre 1848 y 1858— ejercieron una notable influencia en la producción sinfónica rusa de la segunda mitad del siglo.

    En esta entrada analizaremos el poema sinfónico Romeo y Julieta (1869/1880) de Piotr Ílich Chaikovski , en relación con estas cuestiones, enmarcándolas en el contexto de las tensiones existentes entre las corrientes cosmopolitas y eslavófilas que marcaron la música rusa de la época.

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  • Polkas, valses y cuadrillas: el baile de salón en el Romanticismo

    Música de baile romántica – Johann Strauss

    A lo largo del siglo XIX, las orquestas de baile desempeñaron un importantísimo rol en la vida social europea. Figuras como Josef Lanner (1801–1843) y Johann Strauss padre (1804–1849) fueron pioneros en la composición e interpretación de música específicamente dirigida al baile, sacando esta profesión del anonimato, dotándola de renombre y entidad propia, y definiendo las características de la música de baile del periodo romántico.

    En esta entrada realizaremos un recorrido por los bailes de salón del Romanticismo centroeuropeo, estudiando diversos ejemplos musicales —valses, polcas y galops— y analizando en detalle la Cuadrilla de Orfeo (Orpheus-Quadrille, op. 236) de Johann Strauss hijo , basada en temas de Jacques Offenbach .

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  • El coro en las óperas de Verdi como emblema del Risorgimento italiano

    Verdi – coros del Risorgimento italiano

    Al término de las guerras napoleónicas, la ópera italiana vivió una serie de transformaciones impulsadas por cambios en la organización social del teatro y por la creciente politización en torno a la unidad nacional. La ópera integró mensajes alineados con los ideales patrióticos y revolucionarios, y el coro adquirió un papel central como vehículo de expresión colectiva, reflejando las aspiraciones políticas del público.

    Este artículo analizará estos procesos a través de tres coros extraídos de sendas óperas de Verdi compuestas durante la década de 1840: Nabucco , Ernani y Macbeth , algunos de los cuales llegaron a convertirse en emblemas del anhelo de unificar Italia en un solo estado, un proceso que culminó en la fundación del Reino de Italia en 1861.

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  • Monteverdi de Mantua a Venecia, y la ópera como instrumento político en el siglo XVII

    Monteverdi – L’Orfeo

    El nacimiento de la ópera a principios del siglo XVII estuvo marcado por su origen cortesano: un espectáculo exclusivo, concebido para el disfrute de la élite aristocrática y diseñado para proyectar el poder de sus mecenas. Sin embargo, en apenas unas décadas, este modelo evolucionó con la aparición de una red de teatros públicos en la República de Venecia regidos por una lógica capitalista .

    Para explorar esta transición, en esta entrada tomaremos dos hilos conductores: las óperas de Claudio Monteverdi , figura clave en este proceso, y un influyente artículo de Lorenzo Bianconi y Thomas Walker publicado en 1984 sobre los sistemas de producción operística en la Italia del siglo XVII («Production, Consumption and Political Function of Seventeenth-Century Opera», Early Music History, 1984), que nos guiará a través de la evolución de la ópera como institución, revelando su papel como una de las principales formas de exteriorización del poder político en la era barroca.

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  • Los orígenes y el estilo del concerto grosso

    Concerto grosso – Corelli

    Como vimos en la entrada sobre la obertura de Atys , el nacimiento de la orquesta puede situarse en la corte de Luis XIV en torno al año 1670, momento en que Jean-Baptiste Lully juntó los conjuntos reales de violines y oboes en una gran agrupación. La imitación del modelo francés en las cortes alemanas e italianas dio lugar a su vez al nacimiento de nuevas modalidades de música orquestal que acabaron por cristalizar en un género clave del Barroco tardío: el concerto grosso.

    En esta entrada estudiaremos los orígenes y la evolución del concerto grosso tomando como ejemplo tres conciertos de Giuseppe Torelli , Arcangelo Corelli y Georg Friedrich Händel , discutiendo además un modelo de análisis para el allegro de concierto propuesto por el especialista Michael Talbot .

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  • Música absoluta y narratividad en el 3ª sinfonía de Brahms

    Johannes Brahms – Sinfonía n.º 3

    Considerado desde las décadas finales del siglo XIX como referente indiscutido de la «música absoluta», la obra de Johannes Brahms ha sido interpretada por autores como Schönberg o Adorno como una de las máximas expresiones de la cultura germánica (y, por extensión, universal) de su tiempo.

    En esta entrada repasaremos las circunstancias políticas que rodearon la composición de las sinfonías de Brahms y discutiremos algunas ideas referidas a la música absoluta, tomando como material de estudio el primer movimiento de su Sinfonía núm. 3 [1883].

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  • Stephen Foster y el origen de la canción popular estadounidense

    Stephen Foster – música popular estadounidense

    El primer compositor profesional de los Estados Unidos fuera del ámbito religioso, Stephen Foster (1826–64) fue también uno de los primeros compositores profesionales de música popular de la historia, entendiendo «profesional» en el sentido de dedicación a tiempo completo a la actividad que proporciona el propio sustento. Difundidas a través de partituras para el mercado doméstico (parlour music, en español «música de recibidor» o «música de salón») y minstrel shows, algunas de sus más de 200 canciones siguen siendo populares en nuestros días, después de haberse infiltrado en diversos estratos del folclore musical estadounidense (hillbilly, country, bluegrass, etc.) hasta confundirse con él.

    Tomando como referencia algunos de sus mayores éxitos —«Oh! Susanna», «Camptown Races» y «Beautiful Dreamer»—, en este artículo indagaremos acerca de los orígenes de la música popular como un género específico orientado al consumo masivo.

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