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Categoría: siglo xx

La música de tradición escrita en la era de las nuevas tecnologías y la crisis de la cultura burguesa tras la I Guerra Mundial y la Revolución bolchevique hasta nuestros días.

  • Orientalismo y verismo en Madama Butterfly

    Giacomo Puccini – Madama Butterfly

    Madama Butterfly [1904] forma parte —junto con La bohème [1896] y Tosca [1900]— de la denominada «trilogía popular» de Giacomo Puccini , el último gran compositor de ópera italiano y autor indispensable del repertorio operístico actual.

    En esta entrada estudiaremos diversos aspectos de este influyente título en relación con el orientalismo musical decimonónico, el movimiento verista italiano y la música de cine de la edad de oro de Hollywood. Comentaremos también tres extractos de la ópera, centrándonos en el dúo «Bimba dagli occhi pieni di malìa», que cierra el primer acto y constituye uno de los duetos de amor más logrados del teatro lírico italiano.

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  • Tres compositoras francesas, de Farrenc a Boulanger

    Lili Boulanger – Mujeres compositoras en la Francia del siglo XIX

    En octubre de 1930, el historiador de la música francés Paul Landormy publicaba en la revista The Musical Quarterly una semblanza de la compositora Lili Boulanger, doce años después de su temprana muerte. Insertaba su figura en una ilustre nómina de predecesoras galas que incluyó a Louise Farrenc, Augusta Holmès y Cécile Chaminade, rompedoras —como ella misma— de algunos de los techos de cristal que imposibilitaron a las mujeres desarrollar carreras profesionales homologables con las de sus colegas masculinos.

    En este artículo nos aproximaremos al papel de la mujer como profesional de la música en la Francia del siglo XIX —hasta la Primera Guerra Mundial— a la vez que analizaremos sendas composiciones de Farrenc, Pauline Viardot-García y Lili Boulanger.

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  • Tres aproximaciones a la música de cine

    Música de cine – Steiner, Herrmann y Rota

    La música ha acompañado al cine desde prácticamente su nacimiento hasta hoy. Considerada durante décadas como un género musical «menor» o «bastardo», la música de cine ha mantenido vivas hasta nuestros días las eternas cuestiones acerca de la capacidad de la música para interferir o participar en la construcción de emociones y significados.

    En esta entrada trataremos estas y otras cuestiones relativas a la música en el cine tomando como ejemplos diversas partituras de tres compositores fallecidos en la década de 1970 pero que desarrollaron sus carreras en contextos muy diferentes y particulares: el austríaco nacionalizado estadounidense Max Steiner (1888-1971), el estadounidense Bernard Herrmann (1911-1975) y el italiano Nino Rota (1911-1979).

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  • Kind of Blue y el nacimiento del jazz modal

    Miles Davis – Kind of Blue

    La sesión de estudio ocupa en la producción jazzística una posición central desde los tiempos del disco de 78 rpm. Durante los primeros tiempos, y aún durante los años 50 y 60, la sesión constituyó una unidad de producción per se, capaz de abastecer uno o varios discos de 78 rpm, o incluso LPs, cuya ensamblaje y comercialización corría después a cargo de la discográfica, de acuerdo con sus políticas comerciales.

    En esta entrada estudiaremos el rol fundamental jugado por el estudio de grabación en el nacimiento del denominado jazz modal, tomando como ejemplos varias pistas de uno de sus álbumes fundamentales, Kind of Blue [1959] —el álbum de jazz acústico más vendido de todos los tiempos—: «So What», «Blue in Green» y «Flamenco Sketches».

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  • Espectralismo, microtonalidad y estructura en Vortex temporum I de Gérard Grisey

    Gérard Grisey – Vortex temporum

    Gérard Grisey (1946-1998) es uno de los pioneros y representantes más emblemáticos del espectralismo musical, un movimiento nacido a finales de los años 1960 que se presentó como alternativa y refutación del serialismo integral. Las premisas de este movimiento, centradas en el análisis y la síntesis sonora de acuerdo con principios acústicos y psicoacústicos, se desarrollaron en paralelo en dos líneas: la composición electrónica y la composición para instrumentos convencionales.

    Tras el artículo dedicado a la obra electrónica Mortuos plango, vivos voco (1980) de Jonathan Harvey, dedicamos este otro a una obra instrumental: la segunda sección de Vortex temporum (1994–96), para piano y cinco instrumentos, de Grisey.

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  • Introducción al Cuarteto para el fin de los tiempos de Messiaen

    Olivier Messiaen – Cuarteto para el fin de los tiempos

    El francés Olivier Messiaen ha ocupado una posición singularísima en la historia de la música del siglo XX por haber sido —además de uno de sus compositores más influyentes— profesor y mentor de los representantes más destacados de algunas de las corrientes musicales de la vanguardia europea más importantes de la segunda mitad del siglo, desde el serialismo integral — Barraqué, Boulez, Goeyvaerts, Stockhausen — en los años 1940 hasta el espectralismo — Grisey, Murail, Levinas — a finales de los 60.

    En esta entrada estudiaremos su técnica musical analizando el primer movimiento de su Cuarteto para el fin de los tiempos de 1941.

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  • Tres canciones de Pierrot lunaire

    Arnold Schönberg – Pierrot lunaire

    Con el estreno de Pierrot lunaire op.21 en la Choralion Saal de Berlín en octubre de 1912, el compositor Arnold Schönberg se aseguró un puesto destacado en la música de vanguardia del siglo XX. Nacida por encargo de la cantante de cabaret Albertine Zehme, esta obra sacudió a una generación de jóvenes compositores —entre ellos Ígor Stravinski, Maurice Ravel y Alfredo Casella—, espoleándolos a desafiar los límites del lenguaje musical occidental.

    En esta entrada analizaremos las tres primeras canciones de este ciclo, atendiendo a cuestiones relacionadas con la metodología del análisis, la naturaleza del lenguaje atonal schönbergiano y su conexión con el cabaret.

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  • La Sinfonía nº5 de Shostakóvich y la fundación del «gran estilo» sinfónico soviético

    Dmitri Shostakóvich – Sinfonía nº 5

    La Sinfonía nº 5 de Dmitri Shostakóvich , compuesta y estrenada en 1937, ocupa un lugar muy especial en la historia de la música soviética, al marcar un hito en la concreción del Realismo socialista en términos musicales. Compuesta con el propósito de rehabilitar su figura como compositor tras la severa reprimenda oficial lanzada contra su ópera Lady Macbeth de Mtsensk desde el diario Pravda —periódico oficial del PCUS — el 28 de enero de 1936, la sinfonía supone un retorno parcial a los moldes del Romanticismo sinfónico y un distanciamiento con respecto al ácido modernismo practicado por el compositor hasta la fecha.

    Su primer movimiento —de unos 15 minutos de duración— es una imponente forma sonata con una acentuada retórica que combina una dialéctica heredera del sinfonismo de Beethoven, Chaikovski, Bruckner y Mahler con elementos enteramente personales.

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  • Duke Ellington – The Mooche (análisis)

    Duke Ellington – Jungle style

    La orquesta del pianista y compositor de jazz estadounidense Duke Ellington es considerada —junto con la big band de Count Basie y, más tarde, las agrupaciones de Gil Evans — una de las más influyentes en el ámbito del jazz para grandes formaciones.

    La trayectoria artística de la orquesta de Ellington —cincuenta años (1924–1974) que atravesaron algunas de las décadas más intensas y convulsas del jazz— se inició durante los felices años veinte en un legendario club neoyorquino —el Cotton Club —, periodo que vio nacer The Mooche, ejemplo paradigmático del denominado jungle style.

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  • La técnica serial en el Concierto para violín de Alban Berg

    Alban Berg – Concierto para violín «A la memoria de un ángel»

    El Concierto para violín de Alban Berg «A la memoria de un ángel» fue compuesto en 1935 en homenaje a Manon Gropius, hija del arquitecto Walter Gropius y de Alma Mahler —viuda del compositor Gustav Mahler —, fallecida a los 18 años víctima de la polio. El concierto emplea la técnica dodecafónica —que Alban Berg desarrolló a partir de las enseñanzas de su profesor Arnold Schönberg — haciendo uso de ella de una forma absolutamente personal. Las reminiscencias tonales y de la estética del Romanticismo de fin de siglo han convertido esta obra en un clásico de la música de concierto, así como en una de las partituras dodecafónicas más interpretadas.

    Este análisis y guía de audición del primer movimiento de esta obra se suma a la serie de artículos dedicados a la técnica dodecafónica , y a los análisis de Un superviviente de Varsovia de Schönberg y el Concierto para nueve instrumentos de Anton Webern.

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