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Categoría: siglo xx

La música de tradición escrita en la era de las nuevas tecnologías y la crisis de la cultura burguesa tras la I Guerra Mundial y la Revolución bolchevique hasta nuestros días.

  • Las danzas rumanas de Béla Bartók y el folclore transilvano

    Béla Bartók – Danzas folclóricas rumanas

    Las canciones folclóricas o nacionales arregladas para piano (o para voz y piano) constituyen uno de los subgéneros más característicos de la música de recibidor del siglo XIX, como una especie de contrapunto pintoresco a otros repertorios domésticos comerciales, como los arreglos de arias célebres y similares. El desarrollo de los estudios etnomusicológicos acaecido en torno al cambio de siglo, gracias a la invención del fonógrafo en 1877, dio pie al desarrollo de una nueva modalidad de arreglos, a la vez más artísticos y más fieles a los modelos folclóricos originales.

    Compuestas a partir de un conjunto de melodías folclóricas recogidas en la región de Transilvania entre los años 1909 y 1914, las Danzas folclóricas rumanas para piano (1915) —orquestadas en 1917— del húngaro Béla Bartók nos permitirán acercarnos a este particular género, así como a la música de danza de esta región del Este de Europa.

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  • Decadentismo y expresionismo en Salome de Strauss

    Richard Strauss – Salome

    Estrenada en Dresde en 1905, Salome de Richard Strauss sacudió la escena operística mundial por lo escandaloso de su libreto —una adaptación de la obra homónima del «sodomita» Oscar Wilde — y la radicalidad de una partitura que exhibió una densidad y un grado de disonancia desconocidos, solo unos años antes de que Arnold Schönberg (que acudió al estreno austríaco en Graz) y sus discípulos decidieran apartarse de la tonalidad por considerarla agotada.

    En esta entrada nos acercaremos a esta obra característica del expresionismo alemán temprano —imbuida aún de una estética decadentista , pero teñida de una violencia inaudita—, atendiendo a los componentes ideológicos de su libreto y a los elementos temáticos —leitmotiv— de su partitura.

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  • Una obra de concurso para saxofón y piano: el Divertissement (1953) de Pierre Max Dubois

    Pierre Max Dubois – Divertissement

    El concurso anual instituido por el Conservatorio de París en 1797 ha servido durante siglos para galardonar a los mejores estudiantes salientes. Sus méritos eran evaluados a través de la interpretación de una «pieza de concurso» (del francés morceau de concours), escogida cada año para cada especialidad instrumental. La escasez de obras adecuadas para instrumentos como los de viento-madera, viento-metal y el arpa, de escasa trayectoria solista, dio lugar al encargo y composición de un valioso repertorio de piezas de concurso que aún resulta indispensable en pruebas académicas y recitales .

    Nos acercaremos a este peculiar género a través de una obra para saxofón: el Divertissement (divertimento) de Pierre Max Dubois (1930–1995), compositor discípulo de Darius Milhaud cuya música acusa la influencia del jazz y de su maestro.

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  • Desplazamiento y desfase rítmico en tres obras de Steve Reich

    Steve Reich – Phase music

    La música de Steve Reich (pronunciado «Réish») se inscribe en el experimentalismo de los años 1960, en paralelo con la emergencia del rock y del movimiento hippie , y en respuesta —en el ámbito de las vanguardias— al academicismo en el que había desembocado el serialismo estadounidense. Entre los años 1965 y 1972, Reich desarrolló la phase music (música de desfases), una innovadora técnica de modulación métrica que aplicó a algunas de sus obras más emblemáticas de este periodo.

    En esta entrada estudiaremos esta técnica tomando como referencia tres obras clave de este periodo, por orden creciente de complejidad: Clapping Music (1972), Piano Phase (1967) y Violin Phase (1967).

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  • Arvo Pärt y el estilo tintinnabular

    Arvo Pärt – tintinnabuli

    La trayectoria artística del estonio Arvo Pärt estuvo severamente condicionada por las represivas políticas culturales soviéticas. Perteneciente a la generación de compositores rebeldes y contestatorios como Schnittke, Gubaidúlina, Denísov o Karétnikov, Pärt abandonó casi por completo la composición entre 1968 y 1976 hasta sintetizar el estilo tintinnabuli, que le proporcionó una extraordinaria proyección internacional desde la década de 1980 hasta nuestros días.

    En esta entrada estudiaremos la música de Pärt tomando en consideración tres obras pertenecientes a sus dos principales periodos creativos: Solfeggio (1963), el Cantus in memoriam Benjamin Britten (1977) y Fratres (1977).

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  • Jesucristo Superstar y el nacimiento del musical rock

    Hair y el nacimiento del musical rock

    El estreno en 1967 del musical Hair de Galt McDermott supuso el nacimiento del «musical rock», pero también un fenómeno social que sacudió el debate público y tuvo efectos colaterales imprevistos como la supresión definitiva de la censura teatral en el Reino Unido y Australia. Como reflejo y bandera de la cultura juvenil del momento —en particular, el movimiento hippie—, Hair abrió la puerta a otros espectáculos con elementos narrativos y espirituales similares, como Jesus Christ Superstar [1970/71] de Andrew Lloyd Webber y Godspell [1971] de Stephen Schwartz.

    En esta entrada estudiaremos las circunstancias del nacimiento del musical rock comparando entre sí estas tres obras de referencia del género, y analizando con un mayor detalle la de Lloyd Webber.

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  • La sinfonía núm. 6 de Prokófiev (análisis)

    Prokófiev – Sinfonía núm. 6

    La Sinfonía núm. 6, op. 111 de Serguéi Prokófiev es la más oscura de las sinfonías de este autor compuestas durante su etapa soviética. Estrenada el 12 de octubre de 1947 en la sala grande de la Filarmónica de Leningrado, la obra fue recibida elogiosamente solo unos meses antes de la caída en desgracia del compositor con motivo de la zhdanóvshchina , la segunda y última de las dos grandes purgas musicales del estalinismo.

    En esta entrada analizaremos esta obra como una «sinfonía de guerra», comparando su retórica musical con la desplegada por Dmitri Shostakóvich en sus propias sinfonías de guerra.

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  • El Concierto para violín nº1 de Szymanowski (análisis)

    Concierto para violín núm. 1 de Karol Szymanowski

    El Concierto para violín núm. 1 del polaco Karol Szimanowski, estrenado en Varsovia en 1922, se sitúa entre las obras más originales, sofisticadas e intensas de su género escritas durante el siglo pasado. Es considerado el primer concierto para violín en sustraerse al formato clásico-romántico —está escrito en un solo movimiento— y en prescindir de la tonalidad tradicional. Atravesado a partes iguales por el modernismo germánico, ruso y francés de su tiempo, y dotado de una arrebatadora escritura solista, el concierto de Szymanowski es, sin embargo, un gran desconocido para una mayoría de los aficionados.

    En este artículo analizaremos este concierto en relación con su época, las circunstancias personales de su autor y el poema en el que se basa: «Una noche de mayo», del poeta simbolista ligado al movimiento de la Joven Polonia Tadeusz Miciński.

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  • El Concierto de Aranjuez en tres musicogramas

    Concierto de Aranjuez – Joaquín Rodrigo

    El Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo ostenta el honor de ser la obra de música clásica española –así como el concierto para guitarra y orquesta– más interpretada a escala mundial. Estrenado en 1940 en el Palau de la Música de Barcelona por Regino Sainz de la Maza, alcanzó en apenas una década una notable difusión internacional, aunque su popularidad excedió todos los límites cuando su Adagio –versionado por Miles Davis en su álbum Sketches of Spain (1960)– se convirtió en un éxito planetario.

    En este artículo resumiremos las trayectorias del compositor y de su concierto antes de proceder al análisis de esta obra en tres musicogramas diseñados con motivo de la interpretación de esta obra en Albacete por la Orquesta Nacional de España en 2023, en celebración del cuarenta aniversario del programa Cultural Albacete.

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  • La fuentes folclóricas de La consagración de la primavera

    La consagración de la primavera – Ígor Stravinski

    Estrenado en 1913, el ballet La consagración de la primavera de Ígor Stravinski es considerado —junto con el Pierrot lunaire de Arnold Schönberg del mismo año— una obra fundacional del modernismo musical del siglo XX. A diferencia de la obra del austríaco, la del ruso se infiltró en la cultura de masas —desde la versión animada de Walt Disney en Fantasia (1940) hasta los «préstamos» de Star Wars—, influyendo de forma decisiva en una generación de compositores de música de cine que incluye a autores como Miklós Rózsa o Bernard Herrmann.

    En esta entrada analizaremos la primera parte de esta innovadora obra prestando especial atención a los materiales folclóricos de los que procede.

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