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Autor: rfernandez

  • «Veni Domine» de Francisco Guerrero, y el origen de las capillas musicales

    Francisco Guerrero – Veni Domine, et noli tardare

    La implantación de las capillas de corte y eclesiásticas en la Europa de los siglos XV y XVI incidió decisivamente en el desarrollo de la polifonía sacra y profana, favoreciendo el establecimiento de una red internacional de músicos, así como un aumento significativo de la producción musical con respecto a épocas anteriores.

    En este artículo estudiaremos el origen de las capillas musicales y su desarrollo durante el periodo renacentista, tomando como muestra de su repertorio musical el motete (o sacra cantio) «Veni Domine, et noli tardare» [1555] del sevillano Francisco Guerrero , destacable por su sensible y original empleo de la técnica conocida como motto.

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  • «Lux aeterna» de Cristóbal de Morales, y el motete en el siglo de oro español

    Cristóbal de Morales – Missa pro defunctis

    Pese a constituir el género más importante (junto a la misa) de la música sacra renacentista, el motete arraigó relativamente tarde en España en comparación con Flandes, Francia e Italia. Su consolidación en España, gracias a la presencia de compositores flamencos, no impidió que polifonistas autóctonos como Juan de Anchieta y Francisco de Peñalosa crearan un estilo distintivo, incorporando elementos locales y adaptando la polifonía a sus propias tradiciones.

    En este segundo artículo dedicado a la polifonía sacra hispana del Siglo de Oro (después del dedicado al motete «Versa est in luctum» de Tomás Luis de Victoria ), repasaremos la implantación de este género en suelo español, tomando como ejemplo la comunión «Lux aeterna», perteneciente a la Missa pro defunctis de Cristóbal de Morales, publicada en 1544.

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  • Una sinfonía de Mariana Martínez

    Marianne von Martinez – Sinfonía

    A pesar del florecimiento del pensamiento racional y el cuestionamiento de las estructuras sociales tradicionales que caracterizó el periodo histórico de la Ilustración , los ideales de igualdad y derechos universales promovidos por filósofos e intelectuales rara vez se extendieron a las mujeres. Ello no impidió que las mujeres incrementaran su presencia y su prestigio en el ámbito de las artes escénicas (como actrices, cantantes o bailarinas). Sin embargo, permanecieron aún fuera de los circuitos profesionales en ámbitos como la interpretación instrumental y la composición.

    En esta entrada estudiaremos la situación de la mujer en la música del siglo XVIII tomando como muestra la única sinfonía conservada de Mariana Martínez (o Marianne von Martines), pianista y compositora vienesa de ascendencia española que trató con artistas como Haydn o Mozart.

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  • Un álbum electrónico: Unrequited Self Love Story

    Música electrónica contemporánea – Unrequited Self Love Story

    Las revoluciones tecnológicas acaecidas a lo largo del siglo XX acabaron por convertir la música electrónica en el paradigma sonoro hegemónico a las puertas del XXI. La conversión de la música electrónica en la corriente dominante del nuevo milenio conllevó la entrada en este ecosistema de audiencias, espacios y actores más amplios y diversos, provocando también la obsolescencia de los valores underground que la sustentaron durante sus orígenes.

    En esta entrada abordaremos esta etapa de «descentralización» de la música electrónica, para lo cual analizaremos el álbum conceptual Unrequited Self Love Story (2023), del compositor, productor y pianista madrileño The Big Blind, cuya contribución en este artículo ha sido de inestimable valor.

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  • Tres fandangos del siglo XVIII: Murcia, Soler y Boccherini

    Fandango español del siglo XVIII

    El fandango es —junto con las seguidillas y los boleros— un baile característico de la música española del siglo XVIII que ha perdurado en el tiempo a través del folclore y el flamenco, pero que también llegó a los escenarios europeos a través de obras como el ballet Don Juan (1761) de Christoph Willibald Gluck y la ópera Las bodas de Fígaro (1786) de Wolfgang Amadeus Mozart.

    En esta entrada estudiaremos las fuentes dieciochescas de este género, completando el estudio con el análisis de tres fandangos españoles del siglo de las luces: el fandango para guitarra de Santiago de Murcia , el fandango para tecla del padre Soler , y el fandango para quinteto de cuerdas y guitarra de Luigi Boccherini .

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  • Estilo y recepción de Carmina Burana, la obra coral más popular del siglo XX

    Carmina Burana – Carl Orff

    Con más de sesenta registros discográficos comerciales, una abundante presencia en bandas sonoras de películas y anuncios de televisión, y cientos de representaciones en todo el mundo cada año, Carmina Burana se ha convertido en la obra sinfónico-coral más popular del siglo XX. Comúnmente despreciada por un influyente sector de la crítica, los ataques vertidos contra ella y su autor al término de la Segunda Guerra Mundial son en sí mismos un revelador testimonio de los dogmas del discurso vanguardista de la posguerra.

    En esta entrada exploraremos las coordenadas estilísticas e ideológicas de esta obra, prestando atención a su génesis, su lenguaje armónico y su recepción.

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  • El Concierto para clave de Manuel de Falla y el neoclasicismo musical

    Manuel de Falla – Concierto para clave y cinco instrumentos

    Inscrito en la estética neoclásica abanderada por Ígor Stravinski durante los años 1920, y acogiéndose a una plantilla de cámara inspirada en el Pierrot ensemble (conjunto de cámara basado en la plantilla del Pierrot lunaire de Arnold Schönberg, véase esta entrada ), el Concierto para clave y cinco instrumentos de Manuel de Falla constituye una obra emblemática del neoclasicismo musical, así como de la música española de vanguardia del periodo de entreguerras .

    En esta entrada analizaremos los tres movimientos de esta obra, atendiendo a los elementos históricos y nacionales en los que se basa, así como a sus características tonales y formales.

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  • Los orígenes y el estilo del concerto grosso

    Concerto grosso – Corelli

    Como vimos en la entrada sobre la obertura de Atys , el nacimiento de la orquesta puede situarse en la corte de Luis XIV en torno al año 1670, momento en que Jean-Baptiste Lully juntó los conjuntos reales de violines y oboes en una gran agrupación. La imitación del modelo francés en las cortes alemanas e italianas dio lugar a su vez al nacimiento de nuevas modalidades de música orquestal que acabaron por cristalizar en un género clave del Barroco tardío: el concerto grosso.

    En esta entrada estudiaremos los orígenes y la evolución del concerto grosso tomando como ejemplo tres conciertos de Giuseppe Torelli , Arcangelo Corelli y Georg Friedrich Händel , discutiendo además un modelo de análisis para el allegro de concierto propuesto por el especialista Michael Talbot .

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  • Las danzas rumanas de Béla Bartók y el folclore transilvano

    Béla Bartók – Danzas folclóricas rumanas

    Las canciones folclóricas o nacionales arregladas para piano (o para voz y piano) constituyen uno de los subgéneros más característicos de la música de recibidor del siglo XIX, como una especie de contrapunto pintoresco a otros repertorios domésticos comerciales, como los arreglos de arias célebres y similares. El desarrollo de los estudios etnomusicológicos acaecido en torno al cambio de siglo, gracias a la invención del fonógrafo en 1877, dio pie al desarrollo de una nueva modalidad de arreglos, a la vez más artísticos y más fieles a los modelos folclóricos originales.

    Compuestas a partir de un conjunto de melodías folclóricas recogidas en la región de Transilvania entre los años 1909 y 1914, las Danzas folclóricas rumanas para piano (1915) —orquestadas en 1917— del húngaro Béla Bartók nos permitirán acercarnos a este particular género, así como a la música de danza de esta región del Este de Europa.

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  • Decadentismo y expresionismo en Salome de Strauss

    Richard Strauss – Salome

    Estrenada en Dresde en 1905, Salome de Richard Strauss sacudió la escena operística mundial por lo escandaloso de su libreto —una adaptación de la obra homónima del «sodomita» Oscar Wilde — y la radicalidad de una partitura que exhibió una densidad y un grado de disonancia desconocidos, solo unos años antes de que Arnold Schönberg (que acudió al estreno austríaco en Graz) y sus discípulos decidieran apartarse de la tonalidad por considerarla agotada.

    En esta entrada nos acercaremos a esta obra característica del expresionismo alemán temprano —imbuida aún de una estética decadentista , pero teñida de una violencia inaudita—, atendiendo a los componentes ideológicos de su libreto y a los elementos temáticos —leitmotiv— de su partitura.

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