Tristán e Isolda es una ópera en tres actos con música y libreto de Richard Wagner, basada en una leyenda celta. Fue compuesta entre 1857 y 1859 y se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, bajo la batuta de Hans von Bülow.
Este Preludio ocupa un lugar muy especial en nuestra serie de artículos dedicados a la obertura, al tratarse de una de las obras más influyentes de este género y con un relieve propio en la Historia de la Música, por su audaz empleo del cromatismo y la modulación.
Frédéric Chopin compuso cuatro baladas para piano, que se han convertido en importantes obras de repertorio. En origen, la balada era un poema cantado, que mezclaba lo lírico y lo épico. Chopin compuso sus baladas entre 1831 y 1842, inspiradas en poemas de Adam Mickiewicz, amigo del compositor y, al igual que éste, exiliado en París.
Los esbozos de esta primera balada en Sol menor op. 23 datan de 1831 y se publicó en Leipzig en 1836. Estuvo inspirada en la amargura que Chopin sufría solo en Viena por la ausencia de su familia y amigos, que permanecían en Polonia luchando contra la opresión del imperio ruso. Es una obra tan dramática que Schumann llegó a llamarla «Polonesa», y hoy es tan célebre como lo fue en su tiempo.
Las cuatro estaciones («Le quattro stagioni») es el título de una serie de cuatro conciertos para violín y orquesta (La primavera, El verano, El otoño y El invierno) del compositor italiano Antonio Vivaldi, incluido en Il cimento dell’armonia e dell’inventione, op. 8. Estas obras, que fueron olvidadas bajo la presión de las sucesivas modas musicales, renacieron con fuerza en la segunda mitad del siglo XX gracias al poder de difusión del disco, hasta convertirse en un icono de la música barroca.
En este artículo estudiaremos el renacimiento de la música de Vivaldi en el siglo XX, tomando como ejemplo musical el primero de los conciertos de esta colección, el célebre Concierto para violín en Mi mayor «La primavera» RV 269.
Idomeneo, rey de Creta (título original en italiano, Idomeneo, re di Creta ossia Ilia e Idamante, KV 366) es una ópera seria en tres actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Giambattista Varesco, según un texto en francés de Antoine Danchet que ya había sido puesto en música por André Campra en su Idoménée de 1712.
Con este artículo continuamos la serie dedicada a la forma sonata.
En 1887, sólo cinco años después de su estreno, Nietzsche se preguntaba en La genealogía de la moral “¿qué le importaba a Wagner aquella varonil (ay, tan poco varonil) ‘candidez campesina’, aquel pobre diablo, aquel agreste muchacho llamado Parsifal?”. Desde entonces, no han sido pocas las voces que han señalado —con indisimulada malignidad— la ambigüedad sexual que envuelve este controvertido título.
Los numerosos cabos sueltos en torno a esta cuestión nos permiten plantear al lector la pregunta anterior de otro modo: ¿pudo realmente concebir Wagner un Parsifal gay?
El siglo de las revoluciones —industriales, políticas y científicas— fue también el siglo de los sifilíticos, los artistas dementes, los consumidores de opio y de la nostalgia por todo aquello que permitiera liberar la fantasía del yugo de la razón, del destino histórico de las naciones y de la ley de la oferta y la demanda.
Del mismo modo que aumenta el vértigo con la altura, las nuevas cotas materiales y espirituales alcanzadas por una civilización europea en su apogeo alumbraron soterradas formas de disidencia artística que encontraron su consuelo (o su refugio) a través de los paraísos artificiales, la inmersión en el lado oscuro de la mente o el retrato de los aspectos más sombríos de la realidad.
Pocos han descrito mejor que Alexis de Tocqueville el trauma provocado por los movimientos revolucionarios que sacudieron Europa en 1848: “La sociedad estaba partida en dos, los que no tenían nada y permanecían unidos en la envidia y los que tenían algo y permanecían unidos en el terror” (Recuerdos de la Revolución de 1848, 1893).
El año que vio nacer el Manifiesto comunista de Karl Marx fue también el de la redacción del poema La muerte de Sigfrido, germen del proyecto musical más ambicioso de la historia hasta entonces, la tetralogía El anillo del nibelungo.
La Sinfonía nº 5 en Do menor , op. 67, de Ludwig van Beethoven fue compuesta entre 1804 y 1808. Consta de cuatro movimientos: empieza con un allegro de sonata, continúa con un andante y termina con un scherzo que enlaza directamente con el finale, un elemento de continuidad musical muy novedoso y original.
El primer movimiento (Allegro vivace) de esta sinfonía constituye además un ejemplo paradigmático de la forma sonata, y enlaza así con nuestra serie de artículos dedicados a esta forma musical.
La Sinfonía nº 41 en Do mayor K. 551 «Júpiter» fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart en 1788 y es la última de sus sinfonías. Se cree que fue Johann Peter Salomon, empresario alemán establecido en Inglaterra, quien dio a esta obra el nombre de la suprema divinidad de la mitología romana, con el fin de reflejar su carácter triunfal, generoso y solemne.
En esta entrada estudiaremos el primer movimiento de la obra, una compleja forma de sonata que exhibe —en la terminología introducida por James Hepokoski y Warren Darcy— una zona secundaria trimodular (MMS), rasgo característico del Clasicismo tardío.
La Sinfonía nº 94 en Sol mayor, llamada «La sorpresa» o «Del golpe de timbal» (en alemán Mit dem Paukenschlag) de Joseph Haydn fue compuesta alrededor de 1791 y es una de sus obras más conocidas. Debe su nombre, y gran parte de su fama, a su segundo movimiento, en forma de tema con variaciones, debido a que en el mismo, tras un comienzo en piano, se escucha un súbito acorde fortíssimo.
Estudiaremos en esta ocasión el primer movimiento de esta obra estrenada en el Hanover Square Rooms de Londres el 23 de marzo de 1792, una forma de sonata (tipo 3) con introducción lenta.