“La Madre piadosa estaba
junto a la cruz y lloraba
mientras el Hijo pendía”
La primera estrofa del Stabat mater —recordada aquí en la traducción castellana de Lope de Vega— resume así uno de los textos religiosos más y mejor tratados por los compositores de todos los tiempos, y cuyos más de ocho siglos de turbulenta historia repasaremos en este videoartículo.
Cuenta la historia que, paseando un día el legendario filósofo Pitágoras, quedó absorto al escuchar el armonioso martilleo procedente de una herrería cercana. Al indagar sobre el singular fenómeno, descubrió que al golpear los yunques simultáneamente con dos martillos resultaba un sonido tanto más armonioso según fuera más simple la razón entre los pesos de los martillos.
Como la manzana de Newton para la física, la herrería de Pitágoras sería para la música un símbolo cuya sombra se proyectaría durante toda la Edad Media, consolidando uno de los principios genéticos —el matemático— más significativos de la música occidental, que repasaremos brevemente en este artículo.
La muerte de Felix Mendelssohn en 1847 a los 38 años de edad fue recibida con enorme duelo por las sociedades cultivadas de toda Europa. Reconocido como niño prodigio por el mismísimo Goethe y admirado por reyes y por las personalidades musicales más relevantes de su tiempo, Mendelssohn encarnó como nadie el ideal del Romanticismo musical de la era Biedermeier.
El descrédito con el que sería sentenciada esta época se volvería en contra del compositor socavando hasta lo más profundo su significación y valía, de modo que incluso a 200 años de su nacimiento todavía resultará instructivo indagar si de veras fue Mendelssohn un compositor digno de su fama.
Robert Schumann (1810–1856) se erige como una de las personalidades más originales y enigmáticas de ese nudo gordiano de la cultura europea contemporánea que fue el Romanticismo alemán. Considerado por André Boucourechliev «apogeo» del Romanticismo musical, se sitúa en el ojo del huracán de dicho movimiento —entre música y literatura, tradición y vanguardia, racionalidad y locura— mientras persiste el olvido del grueso de su producción musical.
El bicentenario de su nacimiento nos ofrece una excelente oportunidad para rememorar su obra y revisar algunos mitos acerca de este compositor.
La Revolución de julio de 1830 convirtió a París en la capital del Romanticismo europeo. La monarquía parlamentaria de Luis Felipe de Orleans liquidaba de forma irreversible el Antiguo Régimen en Francia y hacía de su capital el refugio europeo de las libertades, por cuyas calles y salones desfilaron artistas de todas las naciones como Delacroix o Daumier en la pintura, Stendhal, Hugo o Balzac en la literatura, y Liszt, Chopin o Bellini en la música.
Completaremos esta panorámica con un análisis de la obertura de Guillermo Tell de Gioachino Rossini, uno de los «padres» de este género.
En el inspirador y brillante análisis recogido en este vídeo, el director de orquesta israelí Itay Talgam estudia el estilo de algunos de sus más prestigiosos colegas (Karajan, Bernstein, Kleiber, Muti…) desde el punto de vista del liderazgo y de la dinámica de grupos. Su charla parte del concepto de «control» — el modo en el cual el director ejerce un liderazgo efectivo sobre la orquesta— para introducir de forma progresiva cuestiones que ponen en evidencia algunos fundamentos sociológicos de la orquesta, y que la retratan bien como encarnación de un modelo despótico y autoritario, bien como encarnación de un modelo democrático y participativo.
Este videoartículo toma como punto de partida la grabación de un concierto ofrecido por el Ensemble Gilles Binchois dirigido por Dominique Vellard en los Encuentros Internacionales de Música Medieval de Thoronet en el año 2002, y retransmitido por el canal mezzo, especializado en música clásica.
En este concierto se interpretó la práctica totalidad del canto correspondiente a una misa que podría haber sido celebrada en algún momento de la segunda mitad del siglo XIV durante la festividad de la Asunción de la Virgen (15 de agosto) y en la que se habría incluido la Messe de Nostre Dame (misa de Nuestra Señora) de Guillaume de Machaut, el compositor más relevante del ars nova .
El violín ha preservado, como ningún otro instrumento de la tradición musical culta europea, un arte en el embellecimiento de la melodía cuya enorme riqueza solo encontraría equivalentes en algunas culturas orientales. Nos referimos, en concreto, al violín en su faceta solista, tal como la desarrollaron varias generaciones de virtuosos desde Paganini hasta nuestros días, pasando por Joachim, Heifetz o cualquiera de los tres violinistas aquí homenajeados. En efecto, el violín romántico desarrolló una forma de concebir el sonido, el fraseo e incluso la delineación de cada nota individual, capaz de desafiar la tiranía científica y «racionalista» de ese otro instrumento rey del Romanticismo: el piano.