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Etiqueta: canción

  • Dos canciones de John Dowland y la danza renacentista

    John Dowland – Songs with lute

    Las canciones con acompañamiento de laúd de John Dowland constituyen una singular intersección de tres ámbitos musicales —la música para laúd, la canción polifónica y la música de danza—, cuyo desarrollo a lo largo del siglo XVI tuvo lugar de forma relativamente independiente, pero sin dejar nunca de estar interconectados.

    En esta entrada repasaremos estos aspectos —la música para laúd, la canción y la danza renacentista— y haremos un breve recorrido por la canción monódica del siglo XVI tomando como ejemplo dos célebres canciones —o ayres, según el término empleado específicamente para este género— de este laudista y compositor inglés: «Flow my tears» y «Can she excuse my wrongs?», ejemplos, respectivamente, de dos formas de danza fundamentales del Renacimiento tardío: la pavana y la gallarda.

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  • Tres escenas de Boris Godunov de Músorgski

    Modest Músorgski – Boris Godunov

    La ópera Boris Godunov [1872] de Modest Músorgski es una de las óperas más radicales y ambiciosas de todos los tiempos. Vanguardista y tremendamente original para los estándares de su época, elabora elementos folclóricos rusos a la vez que propone una novedosa forma de «realismo», apoyada en la veracidad histórica exenta de triunfalismos y en una prosodia musical derivada directamente de la lengua rusa.

    Problemática desde sus inicios, la partitura fue difundida principalmente a través de sendas revisiones efectuadas por Rimski-Kórsakov en los años 1896 y 1908, de modo que su versión original no se consolidó en el repertorio hasta los años 1970. En esta entrada analizaremos tres fragmentos de esta ópera: la célebre Escena de la coronación, la Canción del mosquito y la Muerte de Boris.

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  • Tres ground basses de Dido & Aeneas de Henry Purcell

    Henry Purcell – Dido and Aeneas

    La técnica del basso ostinato —ground bass en inglés— consiste en la repetición indefinida de una línea de bajo. La composición basada en esta técnica nació y alcanzó su primera edad de oro durante el siglo XVII, aplicándose a toda clase de géneros, tanto vocales —ópera, cantata, madrigal, motete— como instrumentales —sonatas, chaconas y pasacalles—.

    En esta entrada estudiaremos tres ground basses —incluido el célebre Lamento de Dido— de uno de los maestros indiscutibles de este género, el inglés Henry Purcell, todos ellos pertenecientes a su única ópera, Dido and Aeneas , estrenada en la escuela femenina de danza de Josias Priest en 1688 o 1689.

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  • Un aria de Verdi: «Ah, fors’è lui» de La traviata (análisis)

    Verdi – La traviata

    El aria multiseccional —conocido por la historiografía como solita forma— constituye el armazón formal característico de la ópera belcantista del primer tercio del siglo XIX. Articulada en una sucesión codificada de secciones contrastantes (escena, cantabile, tempo di mezzo y cabaletta), esta estructura articuló drama y virtuosismo en las óperas de Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti.

    Tras la anterior entrada, dedicada a la forma multiseccional belcantista aplicada a un concertante —el Finale II de Lucia di Lammermoor—, estudiaremos en esta ocasión un aria multiseccional extraída de la ópera La traviata de Giuseppe Verdi. Para encuadrar esta aria de forma adecuada, prestaremos atención a la estructura global de la ópera, con especial atención a su Acto I y al papel jugado, a modo de leitmotiv, por uno de sus temas principales.

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  • Richard Rodgers – «My funny Valentine» (análisis)

    Babes in Arms – musical estadounidense

    El musical estadounidense se enmarca en una tendencia más global de diversificación de los formatos de teatro musical iniciada durante la segunda mitad del siglo XIX. Tras unos inicios turbulentos y artísticamente poco prometedores, el género alcanzó durante los años 1920 una edad de oro que, gracias a su alianza con el cine sonoro, propulsó su difusión a escala planetaria hasta los años 50.

    En este primer artículo dedicado al musical indagaremos en sus orígenes y estudiaremos uno de los números musicales más célebres de su edad de oro, «My funny Valentine» del musical Babes in arms [1937] de Richard Rodgers y Lorenz Hart.

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  • Una canción en el límite de la atonalidad: «Schlafend trägt man mich» de Alban Berg

    Alban Berg – Cuatro canciones op. 2

    Cuando Arnold Schönberg decidió abandonar la tonalidad, a partir del año 1908, sus discípulos Alban Berg y Anton Webern decidieron acompañar a su maestro en su prometedora, aunque incierta, aventura. Mientras Webern se aventuró pronto con un lenguaje altamente abstracto y alejado de las referencias tonales (por ejemplo, en sus Piezas para cuarteto de cuerda op.5), Berg despegó de la tonalidad de forma más suave y apegada a las formas y el estilo romántico.

    Continuando nuestra serie de artículos dedicada al lied, en esta entrada analizaremos la segunda de sus Cuatro canciones op.2, «Schlafend trägt man mich», compuesta entre 1909 y 1910.

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  • Franz Schubert – «Mein!» de La bella molinera (análisis)

    La bella molinera de Franz Schubert

    La bella molinera [1824] de Franz Schubert es un ciclo de lieder compuesto por 20 canciones con acompañamiento de piano. El lied —género vocal dirigido a cantantes aficionados— alcanzó una inmensa popularidad en los países germánicos a partir de la última década del siglo XVIII, hasta convertirse en la década de 1820 en la principal vía de penetración de la sensibilidad romántica en la música alemana.

    En este segundo artículo dedicado a este ciclo analizaremos su decimocuarta canción —«Mein!» («¡Mía!»)—, rastreando sus orígenes en un curioso formato de la época, el liederspiel.

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  • Henry Purcell – «How blest are shepherds» [1691] (análisis)

    Henry Purcell – King Arthur

    La inestabilidad social y política del siglo XVII inglés y su repercusión en las artes escénicas — clausura de los teatros durante el régimen puritano de Oliver Cromwell—, más la persistente prohibición de las mujeres en los escenarios —hasta 1661— retrasó la implantación del teatro musical en las islas.

    Hasta la invasión de la ópera seria händeliana en 1711, fueron Matthew Locke y Henry Purcell los principales responsables del desarrollo de un primer modelo de ópera genuinamente autóctono: las «óperas dramáticas» (o semióperas), espectáculos híbridos entre la ópera y el teatro, con deslumbrantes escenografías y canciones que apelaban directamente al gusto popular. En esta entrada abordamos este género a través de la canción «How blest are shepherds» de la ópera dramática El rey Arturo [1691] de Henry Purcell.

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  • Franz Schubert – «Danksagung an den Bach» (análisis)

    La bella molinera de Franz Schubert

    El lied —canción en lengua alemana con acompañamiento pianístico— vivió un intenso desarrollo artístico a partir de la década de 1820. El que había sido uno de los géneros más modestos de la música doméstica del siglo XVIII, renació entonces como portador de una nueva sensibilidad, profetizada por los poetas de los tiempos del Sturm und Drang y reinterpretada a través del impulso nacionalista del contemporáneo Volkslied.

    Iniciamos una breve serie dedicada a uno de los hitos del lied: el ciclo La bella molinera [1824] de Franz Schubert, con su cuarta canción, «Danksagung an den Bach» («Agradecimiento al arroyo»).

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  • «Amarilli mia bella» de Caccini y el nacimiento del bajo continuo

    Giulio Caccini – Le nuove musiche

    La canción —junto con la danza— constituye uno de los fundamentos de la musicalidad humana. Género primigenio como pocos, la canción ha acompañado a la Humanidad desde tiempos inmemoriales y ha adquirido, a lo largo de las culturas y las edades, las más variadas configuraciones.

    Tras los artículos dedicados a la canción trovadoresca y a hitos como La Monica o «Mille regretz», continuamos este recorrido con uno de los momentos fundacionales de un nuevo estilo de canción: el stile moderno proclamado por Giulio Caccini en su obra-manifiesto Le nuove musiche, publicada en Florencia en 1602.

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