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Categoría: Análisis

El análisis musical ofrece la posibilidad de comprender cómo ha sido construida la música, su estructura y las claves para entenderla -y disfrutarla- aún más.
Existen muchas formas de analizar la música, unas más intuitivas, y otras más formales. En nuestro caso nos situaremos en una zona intermedia. Eso sí, partiendo siempre de la capacidad auditiva -escuchar, relacionar, comprender- del lector.

  • El gradual «Iustus ut palma»

    Gradual gregoriano

    El Gradual es el canto de la misa católica que se entona después de la Epístola y precede al canto del Aleluya. Los cerca de 90 graduales que conforman el misal medieval se sitúan en uno de los estratos más antiguos del canto gregoriano.

    En este artículo nos aproximaremos a este género a partir de un gradual que da nombre a toda una familia de graduales («Iustus ut palma»), y que nos servirá para ilustrar, a lo largo de una breve serie de artículos, uno de los procedimientos compositivos propios de la tradición oral más sorprendentes: la melodía tipo.

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  • Una fuga de Jean-Philippe Rameau

    Fuga barroca en la obra operística de Jean-Philippe Rameau

    La fuga barroca representa la culminación de un proceso de adaptación de un conjunto de técnicas contrapuntísticas cuyos orígenes se remontan al siglo XVI, al lenguaje armónico y la sensibilidad de la era del bajo continuo.

    En este artículo analizamos una fuga compuesta para un ámbito —el operístico— poco frecuentado por este género de resonancias sacras. Se trata de un ejemplo firmado por Jean-Philippe Rameau, el más destacado compositor teatral de la primera mitad del XVIII francés.

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  • J.S. Bach – Fuga en Do menor BWV 847 (análisis)

    Johann Sebastian Bach – El clave bien temperado

    La fuga barroca representa la culminación de un proceso de adaptación de un conjunto de técnicas contrapuntísticas cuyos orígenes se remontan al siglo XVI, al lenguaje armónico y la sensibilidad de la era del bajo continuo.

    En este artículo iniciamos una serie dedicada a la fuga y a su análisis, tomando para ello un ejemplo de la obra —El clave bien temperado— y el compositor — Johann Sebastian Bach— que han encarnado este género de forma más intensa y duradera.

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  • Dufay – Misa L’homme armé – Kyrie (análisis)

    Missa L'homme armé de Guillaume Dufay

    «El hombre armado» es una de las melodías populares europeas más antiguas de la que tengamos noticia. No nos es conocida de forma directa, sino a través de su empleo como soporte de numerosas composiciones polifónicas —las más antiguas firmadas por Robert Morton y Antoine Busnois—, de la segunda mitad del siglo XV y principios del XVI, entre las que se incluyen entre 40 y 50 misas completas.

    En este artículo estudiaremos el Kyrie de la Missa L’homme armé [ca. 1460] del compositor flamenco Guillaume Dufay, uno de los más bellos —y tempranos— ejemplos de misa basada en esta popular melodía.

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  • Webern – Concierto para nueve instrumentos op.24 – 1. Etwas lebhaft (análisis)

    Anton Webern, Concierto para nueve instrumentos op. 24

    El dodecafonismo fue un sistema de composición basado en la utilización ordenada y sistemática de los doce sonidos de la escala cromática y sintetizado por Arnold Schönberg en 1924. Pese a su radicalismo intelectual, el sistema dodecafónico proporcionó a Schönberg y a sus alumnos el marco para la creación de obras sorprendentemente diversas —tanto por la variedad de las técnicas desarrolladas como de los resultados expresivos obtenidos— y de una rara intensidad.

    En este artículo analizaremos el primer movimiento del Concierto para nueve instrumentos op. 24, una de las obras cumbre de Anton Webern (1883–1945), discípulo de Schönberg que llevó el dodecafonismo a niveles extremos de rigor constructivo y abstracción sonora.

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  • Debussy – Preludio a la siesta de un fauno (análisis)

    Claude Debussy – Prélude à l'après-midi d'un faune

    El Preludio a la siesta de un fauno (Prélude à l’après-midi d’un faune) es un poema sinfónico de Claude Debussy. Estrenada en París en diciembre de 1894, la obra está inspirada en el poema L’après-midi d’un faune del poeta simbolista Stéphane Mallarmé. Es una de las obras más conocidas de su autor y está considerada una obra crucial en el desarrollo de la estética impresionista.

    La sensualidad y la potencia visual de la obra motivaron que fuera coreografiada en 1912 por Vaslav Nijinsky y presentada en los escenarios de los Ballets rusos de Serge Diaghilev, provocando cierto escándalo por los gestos masturbatorios del fauno.

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  • Bach – Preludio de la Suite para violonchelo nº1 (análisis)

    Preludio barroco – Suite para violonchelo BWV 1007

    El preludio es uno de los géneros más singulares del periodo barroco. Concebido como pieza introductoria a una obra más extensa y compleja (p. ej. una fuga) o a una suite de danzas, sus características musicales remiten a dos funciones básicas que todo instrumentista ha ejercitado: tantear la afinación o las cualidades sonoras del instrumento y «calentar» los dedos antes de acometer la interpretación de una obra exigente.

    En esta primera entrada dedicada al preludio estudiaremos uno de los más célebres del Barroco, el que abre la Suite para violonchelo solo BWV 1007, en Sol mayor, de J. S. Bach.

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  • Beethoven – Concierto para piano nº2 – 3. Rondó (análisis)

    Rondó y rondó-sonata en Beethoven

    El rondó fue una forma musical que alcanzó notoriedad en el siglo XVII francés tanto en la ópera como en la música instrumental. La claridad de su planteamiento formal facilitó su supervivencia en el complejo proceso de adaptación (y selección natural) de las formas barrocas a los nuevos gustos musicales que condujeron, en última instancia, al periodo que denominamos Clasicismo.

    En este quinto artículo dedicado al rondó conoceremos la variante más paradigmática de esta forma durante el periodo clásico, el rondó-sonata, una estructura que asimiló algunos de los principios formales que conforman la identidad de la forma sonata. Lo haremos a través de una obra compuesta por un jovencísimo Beethoven, posiblemente su obra más temprana en repertorio: el Concierto para piano nº 2 en Si♭ mayor.

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  • Cuatro arias (y un dueto) de La flauta mágica

    La flauta mágica – Reina de la Noche

    En este segundo artículo dedicado a un aria de Mozart (el anterior fue « Zeffiretti lusinghieri » del Idomeneo, 1781), nos ocuparemos de uno de los ejemplos más célebres del compositor de Salzburgo: la segunda aria de la Reina de la Noche («Der Hölle Rache») de La flauta mágica, singspiel compuesto y estrenado en 1791, el año de su muerte.

    Analizaremos esta aria en relación con las características sociomusicales del singspiel —ópera en alemán con diálogos hablados—, que se reflejan a través de una diversidad de registros musicales a lo largo de otras cuatro arias de estructuras muy variables: el aria de Papageno «Der Vogelfänger bin ich ja»; el aria de Tamino («Dies Bildnis ist bezaubernd schön») y el aria de Monostatos («Alles fühlt der Liebe Freuden»), en la que estos personajes expresan sus deseos con respecto al sexo femenino.

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  • Haydn – Sinfonía nº 94 – 2. Andante (análisis)

    Sinfonía n.º 94 de Haydn, La sorpresa

    La Sinfonía nº 94 en Sol mayor, llamada «La sorpresa» o «Del golpe de timbal» (en alemán Mit dem Paukenschlag) de Joseph Haydn fue compuesta alrededor de 1791 y es una de sus obras más conocidas. En un artículo anterior hemos analizado el primero de sus movimientos, una forma de sonata con introducción lenta.

    En este segundo artículo analizaremos el movimiento —el segundo— que da nombre a la sinfonía. En efecto, tras un comienzo bastante anodino y con un sencillo tema interpretado con una suavidad que invitaba al bostezo, Haydn preparó un fortísimo tutti (con golpe de timbal incluido) que provocó, no ya «sorpresa», sino más bien un gran susto.

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