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Categoría: Análisis

El análisis musical ofrece la posibilidad de comprender cómo ha sido construida la música, su estructura y las claves para entenderla -y disfrutarla- aún más.
Existen muchas formas de analizar la música, unas más intuitivas, y otras más formales. En nuestro caso nos situaremos en una zona intermedia. Eso sí, partiendo siempre de la capacidad auditiva -escuchar, relacionar, comprender- del lector.

  • Tres obras de cámara con piano del Romanticismo

    Música de cámara romántica – Tríos y quintetos con piano

    La música de cámara sufrió durante el siglo XIX un rápido proceso de «canonización» que la convirtió en uno de los géneros musicales más conservadores de su tiempo. En un entorno presidido por la reverencia hacia los antiguos maestros y el epigonismo creativo, la música de cámara con piano ofreció una pequeña vía a la expresión de sensibilidades musicales más acordes con el gusto romántico.

    En esta entrada estudiaremos diversas facetas de este proceso tomando como ejemplo sendos movimientos del Trío con piano núm. 2 de Schubert, el Quinteto con piano de Schumann y el Trío con piano de Fanny Mendelssohn-Hensel.

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  • Orientalismo y verismo en Madama Butterfly

    Giacomo Puccini – Madama Butterfly

    Madama Butterfly [1904] forma parte —junto con La bohème [1896] y Tosca [1900]— de la denominada «trilogía popular» de Giacomo Puccini , el último gran compositor de ópera italiano y autor indispensable del repertorio operístico actual.

    En esta entrada estudiaremos diversos aspectos de este influyente título en relación con el orientalismo musical decimonónico, el movimiento verista italiano y la música de cine de la edad de oro de Hollywood. Comentaremos también tres extractos de la ópera, centrándonos en el dúo «Bimba dagli occhi pieni di malìa», que cierra el primer acto y constituye uno de los duetos de amor más logrados del teatro lírico italiano.

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  • Tres compositoras francesas, de Farrenc a Boulanger

    Lili Boulanger – Mujeres compositoras en la Francia del siglo XIX

    En octubre de 1930, el historiador de la música francés Paul Landormy publicaba en la revista The Musical Quarterly una semblanza de la compositora Lili Boulanger, doce años después de su temprana muerte. Insertaba su figura en una ilustre nómina de predecesoras galas que incluyó a Louise Farrenc, Augusta Holmès y Cécile Chaminade, rompedoras —como ella misma— de algunos de los techos de cristal que imposibilitaron a las mujeres desarrollar carreras profesionales homologables con las de sus colegas masculinos.

    En este artículo nos aproximaremos al papel de la mujer como profesional de la música en la Francia del siglo XIX —hasta la Primera Guerra Mundial— a la vez que analizaremos sendas composiciones de Farrenc, Pauline Viardot-García y Lili Boulanger.

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  • Decadentismo, homosexualidad y forma musical en la Sinfonía nº6 de Chaikovski

    Piotr Ílich Chaikovski – Sinfonía nº 6 «Patética»

    Las sinfonías de Piotr Ílich Chaikovski —especialmente las tres últimas— se han mantenido durante más de un siglo y hasta nuestros días entre las páginas más populares del gran repertorio sinfónico. Pese a ello, la música chaikovskiana ha soportado una tradición crítica que ha menospreciado tanto su concepción formal como el protagonismo que la melodía ejerce dentro de su estilo musical.

    En este artículo discutiremos los vínculos entre la obra chaikovskiana, el decadentismo y la homosexualidad en el contexto del fin de siglo XIX tomando como referencia su última sinfonía —la Sinfonía nº 6, «Patética»— y analizando en detalle el primero de sus cuatro movimientos. También discutiremos algunas célebres tesis emitidas acerca de estos temas por dos influyentes musicólogos del siglo XX: Theodor Adorno y Susan McClary.

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  • Tres aproximaciones a la música de cine

    Música de cine – Steiner, Herrmann y Rota

    La música ha acompañado al cine desde prácticamente su nacimiento hasta hoy. Considerada durante décadas como un género musical «menor» o «bastardo», la música de cine ha mantenido vivas hasta nuestros días las eternas cuestiones acerca de la capacidad de la música para interferir o participar en la construcción de emociones y significados.

    En esta entrada trataremos estas y otras cuestiones relativas a la música en el cine tomando como ejemplos diversas partituras de tres compositores fallecidos en la década de 1970 pero que desarrollaron sus carreras en contextos muy diferentes y particulares: el austríaco nacionalizado estadounidense Max Steiner (1888-1971), el estadounidense Bernard Herrmann (1911-1975) y el italiano Nino Rota (1911-1979).

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  • Tres números de Las bodas de Fígaro

    Mozart – Las bodas de Fígaro

    Las bodas de Fígaro se sitúa (según estadísticas consultadas en operabase.com en 2022) entre las diez óperas más representadas en nuestros días, prácticamente a la par que otra ópera bufa, El barbero de Sevilla de Rossini. Ambas se basan en sendas obras de teatro pertenecientes a la «trilogía Fígaro» de comedias de Beaumarchais, protagonizadas por el célebre barbero sevillano.

    En esta entrada estudiaremos las principales características de la ópera bufa tomando como referencia tres números de Las bodas de Fígaro: su obertura, el aria «Voi che sapete» y el sexteto del Acto III.

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  • Sinfonía nº 2 «Resurrección» de Mahler (análisis)

    Mahler – Sinfonía nº2 dirigida por Leonard Bernstein

    El 24 de noviembre de 1963 Leonard Bernstein dirigió la Sinfonía nº2 de Gustav Mahler junto a la Filarmónica de Nueva York en un concierto emitido por la cadena CBS como homenaje póstumo al presidente John F. Kennedy, asesinado en Dallas dos días antes.

    Frente a otras opciones más obvias —como el Réquiem de Verdi dirigido por Eugene Ormandy o el Réquiem alemán de Brahms—, Bernstein apostó por la obra de un compositor prácticamente olvidado durante medio siglo. En esta entrada ofreceremos una introducción a esta magna sinfonía y un análisis detallado de su primer movimiento.

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  • Kind of Blue y el nacimiento del jazz modal

    Miles Davis – Kind of Blue

    La sesión de estudio ocupa en la producción jazzística una posición central desde los tiempos del disco de 78 rpm. Durante los primeros tiempos, y aún durante los años 50 y 60, la sesión constituyó una unidad de producción per se, capaz de abastecer uno o varios discos de 78 rpm, o incluso LPs, cuya ensamblaje y comercialización corría después a cargo de la discográfica, de acuerdo con sus políticas comerciales.

    En esta entrada estudiaremos el rol fundamental jugado por el estudio de grabación en el nacimiento del denominado jazz modal, tomando como ejemplos varias pistas de uno de sus álbumes fundamentales, Kind of Blue [1959] —el álbum de jazz acústico más vendido de todos los tiempos—: «So What», «Blue in Green» y «Flamenco Sketches».

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  • Tres fugas barrocas (y tres adaptaciones)

    La fuga barroca – Vivaldi, Händel y Bach

    La fuga puede considerarse un género emblemático del Barroco tardío gracias —principalmente— al influjo de la obra de Bach en la historiografía de la música occidental. Sin embargo, ni el propio Bach ni sus contemporáneos se preocuparon por definir con precisión el significado de un término —fuga— usado ya por los teóricos y músicos renacentistas como sinónimo de «imitación» entre las voces de una composición polifónica.

    En esta entrada comprobaremos la diversidad de la fuga barroca mediante el análisis de sendos ejemplos de Vivaldi, Händel y Bach que adaptaron este vetusto género a las coordenadas estilísticas de su propio tiempo, y que fueron a su vez adaptados con posterioridad para adecuarse a una nueva realidad. Todo ello como ilustración de la imposibilidad de definir la fuga como una forma musical cerrada, sino de aceptarla como un género en movimiento y en continua adaptación.

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  • La chacona y el complejo musical barroco hispanoamericano

    Barroco hispanoamericano y chacona

    Tradicionalmente se ha considerado el Barroco musical europeo como el resultado de las innovaciones italianas en torno al bajo continuo y el teatro musical durante la primera mitad del siglo XVII y de la estandarización de las formas barrocas en la corte francesa, impulsada por Lully y la Académie Royale de Musique.

    Este retrato resulta incompleto sin atender a un tercer factor de origen hispano, activo durante todo el siglo como vector con identidad propia: el complejo musical barroco hispanoamericano. Rastrearemos este fenómeno a través de uno de sus géneros más definitorios, la chacona, mediante obras de Juan Arañés, Girolamo Montesardo y Luis de Briceño.

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