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Etiqueta: retórica

  • La marcha fúnebre de la Sinfonía «Heroica» de Beethoven y la música revolucionaria francesa

    Beethoven – Sinfonía Heroica, marcha fúnebre

    La música surgida al calor de la Revolución francesa marcó un hito en la utilización del arte como herramienta propagandística. Eventos como las fêtes républicaines (festivales republicanos) convirtieron la música en un instrumento de cohesión social, aprovechando los resortes simbólicos y emocionales tradicionalmente activados por la música sacra, con la intención de instaurar una narrativa laica y patriótica, enraizada en los ideales republicanos.

    Los homenajes a los mártires, momentos centrales de muchos «festivales republicanos», resignificaron la función ceremonial de la música fúnebre, desligándola de su significado exclusivamente religioso y transformándola en una forma de expresión cívica y comunitaria. En esta entrada exploraremos algunos ecos de estas prácticas en la música europea de principios del siglo XIX, antes de abordar la marcha fúnebre de la Sinfonía Heroica de Beethoven.

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  • Estilo y retórica musical en un motete de Palestrina: «Sicut cervus»

    Palestrina – Sicut cervus

    El motete (composición polifónica sobre textos sacros) alcanzó durante las décadas finales del siglo XVI un refinamiento inusitado, como resultado de la depuración de las técnicas compositivas y el soporte de una estética retórica centrada en la inteligibilidad del texto y en la expresión de su contenido por medios musicales.

    Continuando la serie abierta por el motete «Versa est in luctum» de Tomás Luis de Victoria , analizado en esta entrada , estudiaremos el motete «Sicut cervus» de Giovanni Pierluigi da Palestrina , uno de los más interpretados de este autor en nuestros días. Realizaremos esta vez nuestro análisis centrándonos principalmente en su voz superior —el cantus—, de acuerdo con los procedimientos retóricos descritos por Joachim Burmeister que expusimos en esta otra entrada .

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  • Un coro de J.S. Bach (Pasión según San Juan BWV 245)

    Bach – Pasión según San Juan BWV 245

    En el ámbito musical, se denomina con «pasión» a un género musical, de carácter narrativo o dramático, cuyo argumento está basado en el padecimiento y muerte de Jesús. Aunque hoy en día conocemos este género casi exclusivamente a través de las dos pasiones de J. S. Bach, estas dos obras se inscriben en una larga tradición cuyas raíces se hunden en los primeros siglos de la cristiandad.

    Continuando con la serie abierta sobre los coros de Bach — «Wachet auf» BWV 140 y «Laß, Fürstin» BWV 198 —, dedicaremos este artículo al coro inicial de La pasión según San Juan BWV 245, atendiendo a su estructura formal y retórica, e insertándola en una breve historia de la pasión hasta los tiempos de Bach.

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  • Retórica y forma musical en un coro de J.S. Bach («Laß, Fürstin» BWV 198)

    Retórica musical – Bach, BWV 198

    La retórica —o arte de la oratoria— es un complejo sistema de pensamiento que alcanzó un elevado estatus entre los siglos XVI–XVIII y se ramificó en diferentes direcciones afectando a disciplinas sociales y artísticas, como el teatro, la danza o la música. En esta misma época se desarrolló un conjunto de sistemas y teorías que convergen en la «retórica musical», enfocados todos ellos a transferir al arte de los sonidos la racionalidad implícita en el arte de la oratoria.

    En esta entrada distinguiremos diversas facetas de la retórica musical —dispositio y decoratio—, tomando como modelo el coro inicial perteneciente a una cantata fúnebre bachiana, «Laß, Fürstin» BWV 198, compuesta para las exequias fúnebres de Christiane Eberhardine de Brandeburgo-Bayreuth .

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  • Una fantasía coral de J.S. Bach («Wachet auf» BWV 140)

    Coral luterano – Wachet auf BWV 140

    El coral luterano es el repertorio de melodías pertenecientes a la religión luterana. Un conjunto formado por varios cientos de melodías de orígenes muy diversos que se fueron incorporando lentamente a la liturgia luterana durante los siglos XVI y XVII en sustitución de las antiguas melodías gregorianas. Este repertorio fue puesto en polifonía y armonizado millares de veces por los maestros de capilla luteranos hasta nuestros días, y constituye un material recurrente en la producción sacra de J. S. Bach.

    En esta entrada analizaremos el coro inicial de una de las cantatas sacras más conocidas del compositor sajón: «Wachet auf, ruft uns die Stimme» , que utiliza como cantus firmus una melodía coral de Philipp Nicolai publicada en 1599.

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  • El Stabat mater de Pergolesi y la estética del sentimiento (análisis)

    Pergolesi – Stabat mater

    Como decíamos en el artículo El llanto de la madre. Ocho siglos de Stabat mater, el Stabat mater es uno de los textos religiosos más y mejor tratados por los compositores de todos los tiempos. De carácter luctuoso, el Stabat mater se ha consagrado a lo largo de los tiempos como una alternativa al Requiem como medio de expresión musical del dolor provocado por la muerte.

    En esta entrada analizaremos el primer número de la que es probablemente la musicalización más interpretada de este texto —la de Giovanni Battista Pergolesi, compuesta en 1736—, que es además la obra de su siglo que más comentarios y debates despertó durante las décadas sucesivas en torno a un paradigma estético —la sensibilidad, la emoción, el gusto— que señalará el punto de inflexión del estilo musical que acabará por conducir al Clasicismo.

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  • Un himno ambrosiano: «Aeterne rerum conditor»

    Canto ambrosiano – himnos de Ambrosio de Milán

    Los himnos ambrosianos —llamados así en referencia a su autor, Ambrosio, obispo de Milán — contribuyeron más que ningún otro himno precedente a la incorporación de este particular género a la liturgia cristiana de Occidente a partir del siglo IV.

    Estos himnos fueron escritos con un claro propósito propagandístico en contra del arrianismo —herejía por entonces auspiciada por la emperatriz Justina — en un conflicto que tuvo como epicentro a Milán, ciudad del norte de Italia convertida en la capital del Imperio Romano de Occidente desde finales del siglo III por la decadencia de la metrópoli.

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  • Un motete de Dufay (Ave Regina caelorum I) y el estilo fauxbourdon

    Guillaume Dufay – Ave Regina caelorum

    El motete Ave Regina caelorum I —la primera de las tres musicalizaciones que hizo de este texto litúrgico el compositor franco-flamenco Guillaume Dufay — es una breve y sencilla pieza polifónica a tres voces, llena de delicadeza y encanto.

    El análisis de esta obra nos servirá para conocer en cierto detalle el funcionamiento de la polifonía hacia mediados del siglo XV y comprender la evolución del lenguaje armónico de la época a través del denominado estilo fauxbourdon, una técnica británica de contrapunto improvisado tan sencilla como revolucionaria. También permitirá ilustrar un temprano y discreto empleo de conceptos retóricos en la composición musical.

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  • Victoria – Motete «Versa est in luctum» (análisis)

    Tomás Luis de Victoria – Officium Defunctorum

    Incluido en su Oficio de difuntos (1605), el motete a seis voces «Versa est in luctum» se ha convertido en una de las piezas más estudiadas desde la recuperación de esta magna obra tras la publicación en 1874 de su primera edición moderna a cargo de Franz Xaver Haberl .

    El estudio de las fuentes textuales (gregorianas) del motete y el análisis de su parte musical nos servirá para mostrar, desde el punto de vista técnico y retórico, la sutileza y expresividad de esta breve obra maestra.

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  • «Mille regretz» de Josquin y el nacimiento de la chanson renacentista

    Josquin des Prés – Mille regretz

    La inmensa popularidad de la chanson polifónica «Mille regretz» a lo largo del siglo XVI no ha impedido despejar todas las dudas sobre su autoría y origen. Nada se sabe de su fecha de composición, y sobre su autoría nos basamos en la atribución a Josquin Desprez en una tablatura de 1538 de Luis de Narváez, en la que se refiere a ella como «Canción del emperador», por ser la favorita de Carlos I de España, además del cancionero publicado por Tielman Susato en 1544.

    En este artículo analizaremos esta canción, estudiándola desde el punto de vista retórico , paradigma cultural que ejercerá una enorme influencia en las artes musicales durante los siglos venideros, y que encontró precisamente en Josquin a su pionero más sobresaliente.

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