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Etiqueta: concierto

  • Tiempo y forma en el Concierto para violín de Francisco Coll

    Francisco Coll – Concierto para violín

    La música de Francisco Coll (Valencia, 1985) ha sido descrita con frecuencia por la crítica como un territorio de intensos contrastes: una escritura de gran energía rítmica y aspereza tímbrica que convive con momentos de lirismo oscuro y de refinada sensualidad sonora. En ella confluyen materiales muy diversos —ecos de tradiciones históricas, referencias veladas o estructuras ocultas— integrados en un lenguaje contemporáneo de fuerte personalidad.

    El presente artículo propone un análisis del Concierto para violín (2019), una de las obras orquestales más ambiciosas del compositor hasta la fecha, atendiendo especialmente a los procesos formales y temporales que organizan su discurso. El estudio se ha beneficiado asimismo de diversos intercambios con el propio compositor.

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  • El Concierto para clave de Manuel de Falla y el neoclasicismo musical

    Manuel de Falla – Concierto para clave y cinco instrumentos

    Inscrito en la estética neoclásica abanderada por Ígor Stravinski durante los años 1920, y acogiéndose a una plantilla de cámara inspirada en el Pierrot ensemble (conjunto de cámara basado en la plantilla del Pierrot lunaire de Arnold Schönberg, véase esta entrada ), el Concierto para clave y cinco instrumentos de Manuel de Falla constituye una obra emblemática del neoclasicismo musical, así como de la música española de vanguardia del periodo de entreguerras .

    En esta entrada analizaremos los tres movimientos de esta obra, atendiendo a los elementos históricos y nacionales en los que se basa, así como a sus características tonales y formales.

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  • Los orígenes y el estilo del concerto grosso

    Concerto grosso – Corelli

    Como vimos en la entrada sobre la obertura de Atys , el nacimiento de la orquesta puede situarse en la corte de Luis XIV en torno al año 1670, momento en que Jean-Baptiste Lully juntó los conjuntos reales de violines y oboes en una gran agrupación. La imitación del modelo francés en las cortes alemanas e italianas dio lugar a su vez al nacimiento de nuevas modalidades de música orquestal que acabaron por cristalizar en un género clave del Barroco tardío: el concerto grosso.

    En esta entrada estudiaremos los orígenes y la evolución del concerto grosso tomando como ejemplo tres conciertos de Giuseppe Torelli , Arcangelo Corelli y Georg Friedrich Händel , discutiendo además un modelo de análisis para el allegro de concierto propuesto por el especialista Michael Talbot .

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  • Tres movimientos de concierto de W. A. Mozart

    Conciertos juveniles de Mozart – forma de sonata Tipo 5

    Los movimientos iniciales de los conciertos del periodo clásico se acogen, por lo común, a una variante de forma de sonata que presenta importantes particularidades con respecto al modelo estándar omnipresente en las sinfonías, sonatas instrumentales y música de cámara. Esta variante —que constituye el Tipo 5 en la taxonomía de Hepokoski/Darcy— es un híbrido entre la forma de sonata estándar y la forma de concierto con ritornelos heredada del periodo barroco .

    En esta entrada estudiaremos esta tipología de sonata tomando como ejemplo tres movimientos iniciales de sendos conciertos juveniles de Mozart: el Concierto para fagot [1774], el Concierto para violín núm. 3 [1775] y el Concierto para piano y orquesta núm. 9 [1777].

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  • El «Dies irae» y la «Danza de la muerte» de Liszt

    Liszt – Totentanz

    La melodía medieval «Dies irae» se convirtió en el más importante símbolo musical de la muerte en Occidente cuando Berlioz, participando de la fascinación por lo gótico de los románticos, utilizó la melodía original medieval en el «Sueño de una noche de aquelarre» que cierra su Sinfonía fantástica de 1830. El ejemplo fue seguido por otros autores románticos, entre ellos aquél que desarrolló y amplió su legado de forma más fiel al espíritu original: Franz Liszt.

    Continuando con el artículo sobre los orígenes del «Dies irae» y el artículo sobre el «Sueño de una noche de aquelarre» de Berlioz, en esta entrada analizaremos la Totentanz [1849/64] de Franz Liszt , una original obra para piano y orquesta que comparte rasgos con el concierto para piano, el poema sinfónico y la sonata.

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  • El Concierto para violín nº1 de Szymanowski (análisis)

    Concierto para violín núm. 1 de Karol Szymanowski

    El Concierto para violín núm. 1 del polaco Karol Szimanowski, estrenado en Varsovia en 1922, se sitúa entre las obras más originales, sofisticadas e intensas de su género escritas durante el siglo pasado. Es considerado el primer concierto para violín en sustraerse al formato clásico-romántico —está escrito en un solo movimiento— y en prescindir de la tonalidad tradicional. Atravesado a partes iguales por el modernismo germánico, ruso y francés de su tiempo, y dotado de una arrebatadora escritura solista, el concierto de Szymanowski es, sin embargo, un gran desconocido para una mayoría de los aficionados.

    En este artículo analizaremos este concierto en relación con su época, las circunstancias personales de su autor y el poema en el que se basa: «Una noche de mayo», del poeta simbolista ligado al movimiento de la Joven Polonia Tadeusz Miciński.

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  • El Concierto de Aranjuez en tres musicogramas

    Concierto de Aranjuez – Joaquín Rodrigo

    El Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo ostenta el honor de ser la obra de música clásica española –así como el concierto para guitarra y orquesta– más interpretada a escala mundial. Estrenado en 1940 en el Palau de la Música de Barcelona por Regino Sainz de la Maza, alcanzó en apenas una década una notable difusión internacional, aunque su popularidad excedió todos los límites cuando su Adagio –versionado por Miles Davis en su álbum Sketches of Spain (1960)– se convirtió en un éxito planetario.

    En este artículo resumiremos las trayectorias del compositor y de su concierto antes de proceder al análisis de esta obra en tres musicogramas diseñados con motivo de la interpretación de esta obra en Albacete por la Orquesta Nacional de España en 2023, en celebración del cuarenta aniversario del programa Cultural Albacete.

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  • Tres fugas barrocas (y tres adaptaciones)

    La fuga barroca – Vivaldi, Händel y Bach

    La fuga puede considerarse un género emblemático del Barroco tardío gracias —principalmente— al influjo de la obra de Bach en la historiografía de la música occidental. Sin embargo, ni el propio Bach ni sus contemporáneos se preocuparon por definir con precisión el significado de un término —fuga— usado ya por los teóricos y músicos renacentistas como sinónimo de «imitación» entre las voces de una composición polifónica.

    En esta entrada comprobaremos la diversidad de la fuga barroca mediante el análisis de sendos ejemplos de Vivaldi, Händel y Bach que adaptaron este vetusto género a las coordenadas estilísticas de su propio tiempo, y que fueron a su vez adaptados con posterioridad para adecuarse a una nueva realidad. Todo ello como ilustración de la imposibilidad de definir la fuga como una forma musical cerrada, sino de aceptarla como un género en movimiento y en continua adaptación.

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  • El concierto RV. 522 de Vivaldi y la forma de concierto solista barroco

    Antonio Vivaldi – L'estro armonico

    L’estro armonico es una colección de doce conciertos solistas —para entre uno y cuatro solistas— publicada por el compositor y violinista Antonio Vivaldi en Ámsterdam en 1711, y que constituyó la colección más reimpresa e influyente de su autor, muy por delante de Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, op. 8 [1725], que contenía los conciertos de «Las cuatro estaciones».

    En esta entrada utilizaremos el octavo de los conciertos de esta colección —concierto con dos violines obligados en La menor— para estudiar la forma de concierto solista característica del barroco tardío italiano.

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  • La técnica serial en el Concierto para violín de Alban Berg

    Alban Berg – Concierto para violín «A la memoria de un ángel»

    El Concierto para violín de Alban Berg «A la memoria de un ángel» fue compuesto en 1935 en homenaje a Manon Gropius, hija del arquitecto Walter Gropius y de Alma Mahler —viuda del compositor Gustav Mahler —, fallecida a los 18 años víctima de la polio. El concierto emplea la técnica dodecafónica —que Alban Berg desarrolló a partir de las enseñanzas de su profesor Arnold Schönberg — haciendo uso de ella de una forma absolutamente personal. Las reminiscencias tonales y de la estética del Romanticismo de fin de siglo han convertido esta obra en un clásico de la música de concierto, así como en una de las partituras dodecafónicas más interpretadas.

    Este análisis y guía de audición del primer movimiento de esta obra se suma a la serie de artículos dedicados a la técnica dodecafónica , y a los análisis de Un superviviente de Varsovia de Schönberg y el Concierto para nueve instrumentos de Anton Webern.

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