Unidad 10 – La música instrumental solista en la era barroca

El bajo continuo y la ópera ejercieron una enorme influencia en el desarrollo de las formas instrumentales a lo largo de la era barroca. El bajo continuo permitió a los instrumentos melódicos –como el violín– desarrollar un repertorio solista específico, basado en la monodia acompañada y liberado de las ataduras de la improvisación en el contexto polifónico, basado en la glosa de una de las voces. La sonata cumplió un papel troncal en el ámbito de la nueva música instrumental, liderada por los violinistas italianos, que extendieron el nuevo género por Europa con ayuda –desde finales del siglo XVII– de un cada vez más pujante mercado editorial.

La dependencia de la música instrumental con respecto a la ópera no se limitó a los aspectos técnicos, pues toda una estética «de los afectos» la ligó a la corriente retórica encarnada por el teatro musical. Así, la música tuvo como uno de sus principales objetivos recrear cada una de las pasiones (afecciones) del alma: el amor, la ira, la piedad, etc., ampliando así su paleta expresiva.

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Instituciones y géneros del Barroco musical: la suite y la sonata

Italia y Francia fueron los centros musicales más influyentes en la Europa de los siglos XVII y principios del XVIII. La influencia de la música italiana tuvo un importante soporte en la labor desarrollada por sus numerosos hospicios y conservatorios que, como el Ospedale della Pietà de Venecia o el Conservatorio di Sant’Onofrio de Nápoles, institucionalizaron la enseñanza de la música a sus internos y acabaron convirtiéndose en los centros de formación musical más prestigiosos de su tiempo, atrayendo a músicos de toda Europa. Estos músicos, que generalmente viajaron a Italia gracias al mecenazgo de nobles y protectores, así como los músicos italianos formados en estas instituciones, se integraron en las cortes europeas, donde difundieron el estilo italiano. Al impulso dinamizador de estas instituciones debe sumarse el de las academias, mencionadas en la Unidad 8.

Por su parte, la música francesa sustentó su influencia en el potente mecenazgo desarrollado por la monarquía, que encontró en la música, la danza y la ópera los medios para proyectar a escala nacional e internacional la grandeza del estado francés. Como hemos visto en la Unidad 9, esta posición permitió a la corte francesa establecer estándares estéticos que influyeron profundamente en la música europea y que fueron imitados en otras cortes europeas, desde los estados germánicos hasta Polonia. La influencia en el ámbito de la danza se sustentó en la capacidad de la corte francesa para exportar maestros de danza y laudistas a toda Europa, extendiendo así su estilo y técnica más allá de sus fronteras. El proteccionismo cultural impuesto en Francia por Luis XIV y Jean-Baptiste Lully promovió el desarrollo de una tradición instrumental propia que tuvo en la viola da gamba su instrumento más emblemático.

El género instrumental francés más característico del siglo XVII fue la suite de danzas. Las danzas habían sido agrupadas y comercializadas en colecciones ya desde el siglo anterior (por ejemplo, en la célebre Orchesographie de Thoinot Arbeau de 1588). La síntesis de la suite de danzas barroca tuvo lugar a lo largo del siglo XVII desde diversos centros (Francia, Alemania e Inglaterra, principalmente), aunque terminó por estandarizarse en la corte francesa. La suite clásica, que se consolidó en dos etapas, comenzó con la secuencia allemande, courante y sarabande (danzas alemana, francesa y española, respectivamente), añadiendo luego la giga (de origen inglés o italiano, dependiendo del estilo) alrededor de 1650.

El término sonata es empleado en el Barroco italiano para referirse de forma genérica a una composición instrumental a varias partes con bajo continuo, para distinguirla por un lado de la cantata (composición vocal en estilo moderno, con exclusión de la ópera) y por otro de la toccata, composición para un instrumento polifónico, principalmente para tecla. La sonata tiene su origen en la música instrumental veneciana de principios del siglo XVII y está concebida aún de forma polifónica, con entre cuatro y ocho partes, no asignadas a instrumentos específicos.

La adecuación del bajo continuo al género solista (permite una gran libertad al intérprete) unido al perfeccionamiento técnico de los instrumentos (especialmente del violín) y al desarrollo de la técnica instrumental por parte de los virtuosos, propició la extinción de las sonatas a más de tres partes en favor de la sonata solista (solista más bajo continuo) y de la triosonata (dos solistas más bajo continuo), géneros más adecuados a la exhibición de las facultades de los compositores-instrumentistas. La primacía del violín se sustentó también en la pericia de constructores italianos como Amati, Stradivarius o Guarneri, cuyos instrumentos aún hoy en día son considerados los mejores de todos los tiempos.

La música barroca para tecla y el estilo galante

La música barroca para tecla permaneció en gran medida apegada a la tradición contrapuntística e imitativa característica del estilo antiguo (lo veremos en la Unidad 12). Solo en los albores del siglo XVIII se inició el desarrollo de un lenguaje plenamente idiomático para el clavicembalo o clavecín, especialmente dirigido al mercado doméstico y de características más ligeras y amables.

La música de danza, como el rondeau, el pasacalle o, más aún, las formas características de la suite (como las ya citadas allemande, courante, zarabanda y giga) conformaron en Francia en núcleo del incipiente estilo galante, estilo de transición al Clasicismo que encontró en Francia su ejemplo más característico a principios del siglo XVIII en las galanteries, en el estilo de François Couperin, piezas en forma de danza binaria o de rondeau, pero con denominaciones elegantes y caprichosas, acordes con el carácter de la pieza. Las danzas binarias se distinguen entre sí por el empleo de un compás y un ritmo característico, pero comparten la estructura binaria, compuesta por dos secciones repetidas según el esquema AABB, y en el que la sección B, habitualmente más extensa y temáticamente semejante a A, retorna a la tonalidad inicial de A tras visitar una o varias tonalidades vecinas.

Del lado italiano, Domenico Scarlatti –quien desarrolló la parte más significativa de su carrera musical en España– introdujo en un música para tecla un modelo de sonata que apunta al Clasicismo. Estas sonatas en un solo movimiento de Scarlatti están estrechamente relacionadas con la forma binaria de la suite de danzas, pero evitan la uniformidad característica de la retórica barroca, apuntando a un juego de contrastes y una articulación de frases más limpia y dinámica.

Música para instrumentos de cuerda pulsada

El laúd –y su pariente francés, la tiorba– acumularon a lo largo del siglo XVII diversas mejoras técnicas, como la adición de bordones (cuerdas graves fuera de la tastiera) o el desarrollo en Francia del style brisé, o arpegiado de los acordes. Utilizados como miembros de la sección de bajo continuo durante las primeras décadas del siglo XVII, cedieron su puesto progresivamente a los instrumentos de tecla y la guitarra. La decadencia del laúd –como instrumento doméstico y solista– fue lenta pero inexorable a lo largo de la era barroca, aunque vivió un último periodo de esplendor en los estados germánicos a través del último gran laudista del periodo barroco, Silvius Leopold Weiss, músico de cámara de la corte de Dresde y autor, con más de 650 piezas, del mayor corpus de música para laúd jamás legado por cualquier otro laudista de la historia.

El Barroco vivió la irrupción a nivel europeo de un nuevo instrumento de cuerda pulsada de construcción española: la guitarra. Más ligera y sencilla que el laúd, su difusión como instrumento doméstico se basó en su uso para el acompañamiento rítmico-armónico gracias a la técnica de rasgueo, así como en su novedoso sistema de notación alfabética de acordes. Los músicos italianos, a partir de Giovanni Paolo Foscarini, desarrollaron un estilo mixto para la guitarra que combinaba la técnica de rasgueo con la tablatura y técnica del laúd. En Francia, Francesco Corbetta abandonó el alfabeto y Robert de Visée, tutor de Luis XIV y también tiorbista, compuso suites de danzas para la guitarra, elevando su prestigio en los círculos cortesanos.

Gaspar Sanz es la figura más destacada en la guitarra española del siglo XVII. En su Instrucción de música sobre la guitarra española recopiló danzas populares en versiones de rasgueo y punteado, proporcionando una valiosa fuente para el estudio de la música popular de la época, entre ella las jácaras y los pasacalles.